+ guest: Down To Ground
ANTHRAX
22 Luglio 2016
Majano Festival (Udine)
SLAYER +THE SHRINE + Sadist
Arena Alpe Adria - 11/07/2016 Lignano Sabbiadoro (UD)

SKUNK ANANSIE
17 Luglio 2016
Piazzola Sul Brenta (PD)



DR. BOOGIE - "Personal Matter" (da "Gotta... N.Y.City")







DEVIL'S GUN - Dirty 'n' Damned
Black Lodge
2015

Pericolosi. Così definirei gli svedesi Devil's Gun in una parola. Gli ingredienti sono il boogie rock'n'roll degli AC/DC e la depravazione metropolitana di Spread Eagle e Roxx Gang. Spiccano voce e carisma di Jocke (omonimo del noto frontman degli Hardcore Superstar), qualità che promuovono i Devil's Gun nella prima fascia dei tanti che, da sempre, vivono sulla propria pelle le sonorità dei canguri. Essenziali per gli appassionati, consigliati agli altri.

Walter B.


BABY JANE - Make it sick

Autoproduzione
2012

Australiani (da non confondersi con gli omonimi svedesi) che portano le chiappe in USA per farsi produrre dal master Michael Wagener. Basterebbe specificare che John Corabi duetta nell'opener per destare l'interesse di molti (e l'omonima title track è di quelle che restano), ma la realtà è che più di metà disco è di assoluto livello. Il suono, manco a dirlo, rimanda ai Velvet Revolver ma poi ti arriva addosso "Bittersweet" e allora intuisci che i Baby Jane hanno i The Cult nel sangue. E diventano imperdibili.

Walter B.


LOVE AND A 38 - Nomads

Autoproduzione
2016

Band americana da tenere d'occhio. Non suonano il genere che prediligo e mi sarebbe quindi facile liquidarli come la bella copia dei Rival Sons (band che personalmente trovo sopravvalutata) tuttavia, proseguendo con gli ascolti, spunta l'amore tanto per i migliori Soundgarden, quanto per i Foo Fighters fino a certo spirito decadente inglese alla Manic Street Preachers (in questo senso grande merito va al cantante). Per come percepisco ed assorbo io il rock questi Love And A 38, a pelle, mi paiono comunque da avere.

Walter B.


DR. BOOGIE - Gotta get back to...

Dead Beat Records
2015

Non perdiamo tempo: esiste forse qualcuno che ama il rock'n'roll che potrà non amare i Dr. Boogie? Non mi pare possibile. Losangelini nei fatti ma americani di New York che più americani di New York non potrebbero essere. Se cercate il suono dei vecchi Kiss, degli Starz, dei New York Dolls qua avete di che gioire. Inutile dilungarsi, hanno già mezzo merchandise esaurito (ed una ragione ci sarà... o no?), se vi interessano fossi in voi farei in fretta, molto in fretta.

Walter B.


SNAKEBITE - Princess Of Pain
Maniak Attack Records
2015

Non parlatemi di bands tedesche. I tedeschi sono capaci in tante cose, ma non fatemi ascoltare troppo il metal in Deutschland gemacht. Notevoli sono invece le pochissime (una manciata proprio) band teutoniche (estendendo la conta ad Austria ed al cantone svizzero) dedite allo sleazy fino al glam metal. La probabile ragione (mi sono proprio chiesto il perchè) deriva dal fatto che la quadratura tedesca giova ad un genere che mediamente è affollato di sbandati e sbandatismo in termini di produzione. Non da meno sono questi formidabili Snakebite. Provare con l'opener "Road To Nowhere": se piace questa potete andare tranquilli fino in fondo. L'(auto)determinazione tedesca è proprio roba che nasce da lontano nel tempo.

Walter B.

FIERA DELLA MUSICA 2016 - Azzano Decimo (PN)



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Il report della due giorni del FRONTIERS ROCK FESTIVAL 3!


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FREE FALL – Power & Volume

Nuclear Blast
2013

Se gli svedesi Free Fall si possono permettere di fare i retrò con un disco che di moderno non ha nulla io posso permettermi di recensire un disco uscito già tre anni fa. Ormai il tempo non ha più nessun significato. Questa band fa parte di una marea di gruppi che ormai da un decennio sta recuperando i suoni che andavano “di moda” svariate generazioni fa. La maggior parte sono delle mere copie e si perdono nei meandri di qualche negozio di dischi, altre invece hanno creato un vero e proprio filone di revival rock che ha portato una ventata frizzante nel mondo del classic rock e molti dischi “da avere” (per citare a caso: Graveyard, Temperance Movement, Rival Sons, Airbourne, The Answer, Wolfmother e potremmo continuare). I riff di Mattias Bärjed sono la quintessenza dell’old school hard rock – niente di più, niente di meno – ma questo combo svedese è riuscito a piazzare sulla ruota dieci brani senza tempo di una qualità pazzesca mescolando insieme pochi ingredienti base e tutto il loro talento e freschezza. Ampie cucchiaiate di Ac/Dc “Bon Scott era”, un paio di manciate di Motorhead ed una spruzzata di psichedelia et voilà… il gioco è fatto! La title track apre le bordate di questi quattro svedesoni con un chorus immortale e immorale nella sua carica ”…I'm a calf made of gold, I'm the king of rock'n'roll, I've got fire I've got soul and power... and volume... and power… and volume… and power… and volume, turn it up, turn it up, louder, louder, louder, loudeeer!” e chi siamo noi per controbattere alle parole del singer Kim Fransson, voce grattugia nella miglior tradizione del rock’n roll più sporco e bastardo. Che raffica di mitra sono Free Fall, Midnight Vulture, e Top Of The World dalla produzione sporca, polverosamente analogica ma d’impatto. Le canzoni di molti album di questo genere suonano alla lunga tutte uguali perdendo di consistenza di ascolto in ascolto, ma con i Free Fall succede l’esatto contrario. Con i sei minuti di Attila e la seguente World Domination si entra attraverso le porte della mente con una pillola colorata sotto la lingua: matrice psichedelica di scuola Hawkwind e ritmi ipnotici, rock’n roll anthemico e scatenato con le splendide Love Bombing e Damnation per poi concludere con le atmosfere western di Meriola Blues e la jam finale di Meat. I Free Fall non inventano nulla ma dimostrano che per fare un album bomba basta saper scrivere canzoni e loro lo fanno in modo eccelso. Altro colpo della Nuclear Blast che dimostra di avere naso fino a scovare band dalle palle d’acciaio! Vi mancano gli Ac/Dc grezzi? Fate vostro questo piccolo grande gioiellino d’oro massiccio (la copertina di che colore è?…Oro! Ecco, appunto).

Matteo T.


MONSTER TRUCK - Sittin’ Heavy Mascot Label Group 2016
A tre anni dall’acclamato debutto “Furiosity” i quattro canadesi, accasati presso la Mascot, ci riprovano con queste undici nuove infuocate tracce. Hanno girato il mondo supportando, cito a memoria, Slash, Vista Chino, Alice in Chains e Rival Sons, che neanche a farlo apposta ne delineano i confini sonori. Un hard rock massiccio, a volte un po’ stoner a volte più sleaze. I nostri sanno come costruire un brano che sia al tempo stesso accattivante e non smaccatamente frivolo. Sentitevi “Don’t Tell Me How To Live” e “She’s A Witch” giusto per capire cosa intendo. Ma non ci sono molti filler all’interno di questo album. I nostri sembrano dei novelli eroi southern e con tutto il rispetto per i compagni di scuderia Black Stone Cherry, li surclassano in ogni dove. E anche quando decidono di mollare la presa elettrica (in termini di furore), parlo di “Black Forest” e “Enjoy The Time”, i nostri lo fanno con classe cristallina. In attesa del nuovo Massive nel genere non ho ascoltato nulla di meglio in questo primo quarto di 2016. Tenetene conto!
Alessio C.
PLACEBO - MTV Unplugged Universal
2015

E’ tempo di anniversari anche per i Placebo di Brian Molko e quale modo migliore farlo con un sontuoso doppio live in acustico per festeggiare un compleanno in modo "originale" che sembrava negli ultimi anni ormai desueto… l’Mtv unplugged, figlio di quei frizzanti anni novanta, la culla anche dei nostri Placebo. Apriamo una parentesi (per i più giovani) su questo format di successo creato da Mtv (quando la “M” stava per Musica) che ha regalato parecchi dischi eccezionali a cominciare da quello di Eric Clapton, per passare poi ai Nirvana, all’unplugged da brividi dei Kiss che diede il “la” alla storica reunion, a Rod Stewart con Ronnie Wood...and Seated. E vogliamo parlare dell’unplugged degli Alice in Chains? (io ti cito pure quello di Mariah Carey tra i belli! ndW). Praticamente tutti gli artisti fecero all’epoca la loro bella comparsa davanti alle telecamere con le spine degli strumenti staccate anche se non tutti trasformarono questi speciali show in album ufficiali. Negli ultimi anni la “moda” dell’unplugged è andata sciamando diventando inutile come molti dei programmi del palinsesto di Mtv. Brian Molko e compagni decidono quindi di uscire dagli schemi e festeggiare proprio rispolverando il vecchio format di Mtv con una performance intima, registrata a Londra lo scorso 19 agosto 2015. In primo piano, fin dall’iniziale Jackie (cover di Sinead O' Connor) la voce di Brian Molko, splendida e struggente nella sua profondità. Brian recita i suoi brani dando loro una sfumatura diversa come in For what it's worth o nella storica 36 degrees, parla e dialoga con il pubblico, racconta e scherza dando ancora di più la sensazione di essere ad un convivio tra amici molto intimi. Because I want you, il classico Every you every me (cantato insieme alla splendida voce femminile di Majke Voss Romme) e la struggente Song to say goodbye. La distorsione elettrica è sostituita da strumenti inusuali come l’accordina, gli archi ed il flauto o il kanun che coferisce un’atmosfera levantina a Post Blue. Ci sono tutti i grandi classici: da Meds a Protect me from what I want, da Too many friends a Without you I'm nothing per finire con un’altra classica cover del repertorio Placebo come Where is my mind? dei Pixies ed il cavallo di battaglia The bitter end. Il dark rock alternativo tipicamente “british” dei Placebo non perde un’oncia della sua melanconia pur privato dell’elettricità scura e decadente che è parte stessa del dna della band. Molko crea magia dalla fragilità costruita con il feeling che solo i grandi artisti sanno riprodurre in modo cosi cristallino. Comunque - e sia chiaro - la voce di Molko è talmente unica che rientra nei canoni tipici dell’affermazione “piace o non piace” ma un’operazione come questa (e la recensione stessa!) è rivolta a coloro che amano la sua voce e sanno apprezzare gli innegabili talenti della band. Se cosi non fosse mi sto chiedendo che senso ha che siate arrivati fin qui a leggere.

Matteo T.

PS: Usare questo live con una bella bottiglia di vino rosso (Cabernet Sauvignon se è possibile!), luci soffuse (sono preferibili le candele...) e la pace della completa solitudine. Amen.




http://www.blackrain.fr

BLACKRAIN - Released
UDR GmbH
2016

Non c’è più la Sony a supportare i quattro di Parigi, per quel poco che contasse vista l’emorragia che ha colpito il mercato discografico. Hanno tenuto però sul lato produzione, convincendo l’ottimo Jack Douglas a garantire servigi e suggerimenti, immagino. Sono di parte, adoro il modo di musicare le proprie emozioni di Swan e compagni. Con un orecchio alla glam generation degli anni ottanta (con inclusione di Bon Jovi e Def Leppard) ma cercando di non apparire vecchi e prolissi. Come fai a non supportare una song alla stregua di “Killing Me”? C’è la sofferenza di “Living in Sin” di bonjoviana memoria con tutto quello che ne consegue.
Ha senso suonare nel 2016 questa musica? Si. No. Non lo so. Non seguo i trend moderni e, sinceramente, se qualcuno mi chiedesse quale è il genere che tira oggi non saprei dare una risposta. I nostri sembrano aver rallentato un pochino i ritmi adottando in alcuni casi un suono fin troppo epico. Mi riferisco a pezzi come “For Your Love”, “Fade To Black” ed “One Last Prayer” che non dispiacciono per come sono costruiti e arrangiati ma quando ti presenti con “pistole e rose” tatuate su tutto il corpo qualche sferzata di energia in più non avrebbe fatto male. A chi piace lo zucchero filato…

Alessio C.


THE TREATMENT - Generation Me
Frontiers Records
2016

Dopo un debutto folgorante del 2011 e un seguito così così, gli inglesi The Treatment, scommessa albionica dello street metal in versione “Aerosmith meets AC/DC”, approdano in casa Frontiers. Con ottime intenzioni, almeno a parole. Ero curioso di avere tra le mani questo platter, che assieme al debutto degli Shiraz Lane rappresenta la batteria di missili della casa discografica partenopea sul fronte tanto caro a noi di NoRespect! Persi per strada il singer originario Matt Johnson (vero motore del combo) e il chitarrista ritmico Ben Brookland i nostri si presentano con un look “impresentabile”, scusate il gioco di parole. Capisco che vestirsi come gli ennesimi cloni dei Guns ha poco senso, ma apparire alla stregua dei System Of A Down, cito a caso, è a dir poco fuorviante. Ma lasciando perdere queste quisquiglie e approcciando gli undici pezzi del lavoro, la perplessità non fugge dai miei pensieri. La partenza a sprint di “Let It Begin” fa ben sperare, perché dopo pochi passaggi ti ritrovi a canticchiare il ritornello che si staglia su un riff roccioso e ben congeniato. Ma è solo un brivido, perché la successiva “The Devil” è freddina alquanto e la successiva “Tell Us The Truth”? Beh se metti una canzone del genere in un disco vuol dire che sei quasi alla frutta. Al suo ascolto ho spento tutto e chiuso lo stereo. Salvo riprendere in mano la recensione un paio di giorni dopo. Un pot-pourri di metal classicheggiante fuori contesto. Per fortuna che i cinque si riprendono con la title-track e la ballata di turno “Backseat Heartbeat”, scontata ma persuasiva, salvo poi ricadere con “We Are Beautiful” nello stesso calderone metal di cui sopra. Pazienza finita. Disco bocciato. Band che di fatto ha detto quello che doveva dire con il suo primo lavoro.

Alessio C.

Si "legge" proprio che non li hai visti al Frontiers Rock Festival. Sono stati urgenti, nervosi, compatti come nessun'altra band della due giorni, punk'n'rock, in una parola "inglesi". Non ci fossero stati i Last In Line headliners non so come andava a finire la mia classifica finale del Festival. Comunque "Generation Me" l'ho preso japan edition, con una canzone in più. Che di questi è tuttora necessario non farsi mancare proprio nulla.

Walter B.


JOHNNY THUNDERS 'In Cold Blood' - Nina Antonia
Pipeline Edizioni – 2016

"Nina Antonia racconta una vicenda tanto intensa quanto drammatica senza sfociare nella retorica, nonostante il rischio fosse concreto. Per questo, le pagine di In Cold Blood sono come un film asciutto, dai dialoghi crudi e dalle immagini forti che talvolta disturbano. Vietato ai minori, per tanti motivi. Perché la droga forse non mina il talento degli artisti veri ma di certo lascia segni, sulle braccia e nel cuore".

Era ora! Finalmente anche l’Italia ha la sua edizione di questo piccolo grande libro che è più di un memoriale ma un vero e proprio atto di amore e amicizia. Uscito per la prima volta quando Johnny Thunders era ancora tra noi in questa valle di lacrime, scritto da Nina Antonia nel 1987, l'unica biografia autorizzata di John Anthony Genzale per la prima volta tradotta e pubblicata in Italia. L'edizione di questo libro ricalca fedelmente il formato originale 20x30 ed è stata aggiornata con nuovi capitoli e foto, insomma grande formato su carta lucida e parecchie foto veramente notevoli. Naturalmente la storia parte dal Queens quando John Anthony Genzale vede la luce il 15 luglio 1952 e racconta le gesta artistiche ma anche la vita personale ed il tunnel imboccato da Johnny insieme ai suoi demoni interiori che non lo hanno abbandonato nemmeno per un momento per liberarlo e donargli pace eterna solo all’interno di una spoglia stanza di un albergo del Quartiere Francese di New Orleans il 23 aprile 1991. Johnny Thunders è stato una delle icone più splendenti degli anni settanta, il fratello minore di Keith Richards e vero cordone ombelicale tra il rock ed il proto punk di fine sessanta dei Velvet Underground, degli Stooges di Iggy Pop, il rock’n roll anni cinquanta di Chuck Berry e Eddie Cochran ed il glam rock inglese dei primi anni settanta. Stella cometa con una delle band più influenti per le generazioni future ovvero i New York Dolls con cui ha vissuto i pochi successi ed i molti eccessi. Già schiavo dell’eroina quando si sciolgono nel 1976, fonda gli Heartbreakers insieme a Jerry Nolan e Richard Hell con cui illumina stavolta tutta la scena del punk inglese alimentando ancora di più l’immagine ribelle e stravolta del rocker “nato per morire giovane”, il vero looser che preferisce l’oblio tossico alle luci della ribalta. Autore di album entrati nella storia: da ricordare solamente quelli che ogni rocker che si rispetti dovrebbe possedere nella sua collezione, ovvero il debutto omonimo dei New York Dolls del 1973 e Too Much Too Soon dell’anno successivo, lo splendido L.A.M.F. degli Heartbreakers del 1977 gli album solisti So Alone, In Cold Blood e Que Sera Sera. Nina Antonia lo ha conosciuto, lo ha intervistato e ne era amica quindi nessun’altro meglio di lei può tratteggiare la figura di Johnny in modo completo senza entrare in un vortice fatto di scandali e disperazione. La vita del chitarrista italo-americano è raccontata in tutta la sua interezza senza falsi moralismi, per quello che è: un talento immenso bruciato troppo in fretta e annegato nel malessere e nella solitudine. Amici e colleghi tantissimi ma, una volta spentesi le luci, Johnny rimaneva solo ed il dolore era troppo forte, anestetizzarlo è stata l’unica soluzione pur sapendo che la parola “fine” per lui era scontata. Libro da avere e da gustare dall’inizio alla fine insieme ai compagni di merenda di Johnny, gente del calibro di Iggy Pop, di Stiv Bators, di Sid Vicious, di Michael Monroe e di tante altre leggende imbevute nel mito sudicio del Sex, drugs & rock’n roll… qualcuno di loro è sopravvissuto altri – come Johnny – hanno pagato pegno.

Matteo Trevisini


AEROSMITH – Rocks Donington 2014
Eagle/Universal
2015

Avevamo lasciato gli Aerosmith in sede live al disco del 2005 Rockin' the Joint registrato nel noto club all'interno dell'Hard Rock Hotel di Las Vegas, accolto bene all'epoca dai fans grazie all'ottima scaletta che mixava egregiamente i classici della band con canzoni più recenti. Sono passati dieci anni da quel disco ed anche parecchie tonnellate di acqua sotto i ponti. Da allora gli Aerosmith hanno elargito solamente un album in studio, il chiaccherato e debole Music from Another Dimension del 2010, con l'aggiunta di un paio di tour in giro per il mondo e tante, ma tante, ma tante ancora, polemiche tra Steven Tyler ed il resto della band che ha scorato la fede dei fans in un tiramolla alquanto frustrante. La fortuna della band è che, alla soglia della vecchiaia, quando Steven Tyler, Joe Perry, Brad Whitford, Tom Hamilton e Joey Kramer accendono i motori e si presentano, strumenti in mano, su un palco insieme l'alchimia di un tempo cancella tutte le polemiche ed i gossip e non ce n'è più per nessuno. Quale modo migliore di festeggiare lo show di chiusura del celeberrimo Download Festival 2014 in quel di Donington Park davanti una marea urlante di fans in delirio? Doppio album con l'aggiunta del supporto video per provare il massimo e più completo piacere sia con le orecchie ma anche con gli occhi e godersi, comodamente seduti sul divano di casa, l'esperienza unica che regala ancora oggi un concerto degli Aerosmith. Un set list vario con pochissimi brani pescati dall'ultimo album (per fortuna!) con un equilibrato mix dei classici anni settanta e qualche hits degli anni '90 e 2000. L'inizio è perfetto con una Train Kept a Rollin' che stende letteralmente il pubblico al primo round. Steven sembra in forma ma sarà un'illusione di breve durata. Eat the rich e l'immortale Love in an Elevator con la band che fa faville quando schiaccia il pedale sull'acceleratore, ma Steven Tyler va in palese difficoltà sulle lente... non una grande idea mettere in fila Cryin', Jaded e Livin' On the Edge che mandano quasi al tappeto il self-control di Steven: d'altro canto l'esperienza gli fa tenere la barra del timone facendo sfiorare più volte gli scogli alla nave ma mai facendola affondare (mi stai dicendo che le qualità balistiche del comandante Schettino non varrebbero quelle del comandante Tyler? ndW). Bisogna dare merito alla band di aver lasciato così com'era la registrazione senza aver “ritoccato” le linee vocali rendendo il concerto non solo un'autocelebrativo greatest hits completo di urla pre-registate tra un brano e l'altro. E' il fedele documento di una serata memorabile sia per la band sia per i fans accorsi all'autodromo di Donington: dove non arriva più la voce arriva l'istrionismo da rockstar senza uguali. Avendo la fortuna di avere all'interno del cofanetto anche il dvd forse è meglio gustarselo prima con gli occhi! Janie's got a gun, Last Child, Same old song and Dance, la sorpresa di No more no more e la classicissima Toys in the attic. I don't want to miss a thing merita solamente per capire cosa si prova quando tutto il pubblico canta una canzone al posto tuo. Come Together, Dude (Looks Like a Lady), Walk This Way gli evergreen per il gran finale... Dream On, Sweet Emotion e la bomba finale lanciata sulla folla stremata ovvero l'immortale Mama Kin con un Tyler che urla sguaiato e felice “...Keepin' touch with Mama Kin, Tell her where you've gone and been, Livin' out your fantasy, Sleeping late and smoking teaaa!!!”. Gigioni e autocelebrativi, non perfetti e per questo unici, divertenti ma ancora pungenti, gli Aerosmith sono come un vecchio Luna Park dove le rotaie delle montagne russe scricchiolano in continuazione ma i vagoni sfrecciano che è un piacere facendo urlare i ragazzini (cioè noi!) di gioia e stupore. Se volete i dischi “live” per eccellenza dei bostoniani andate a bussare alle porte di Live! Bootleg! del 1978 o del potente A Little South of Sanity del '98 mentre se volete due ore di piacere godetevi Rocks Donington 2014 Live sulla Tv di casa...

Matteo T.


SIMO - Let Love Show The Way

Mascot Records
2016

Ok, già lo sento il buon Walter che mi dice al telefono “sei vecchio, pelato, con la pancia… non puoi che ascoltare questa roba” (Mannò, cosa dici! Un democratico come me! Ora però ridatemi il Glam Metal e gli Shotgun Messiah, possibilmente subito. - ndW). Come non dargli torto. Anni addietro avrei scartato dischi come questo manco fossero infetti. Ora non più. Mi piacciono le copertine, il look vintage e, soprattutto, il gracchiante suono “vinilico” (meglio dire analogico?) che esce da chitarre “storte”, basso e batteria. Simo è un ragazzo di vent’anni che da sempre respira questo tipo di musica, vabbè l’avete capito immagino, parliamo di hard rock venato di blues anni settanta, i Cream, Jimi Hendrix, quelle cose lì che da un po’ hanno invaso di nuovo gli scaffali virtuali dei negozi (on line). Che dire? Mi piace il suo modo di maltrattare l’ascia, a livello di songwriting a mio parere siamo ancora distanti dai mostri sacri ma in linea con i migliori che ultimamente si sono avvicinati al genere (dai Winery Dogs ai California Breed passando per la Brotherhood di Chris Robinson, ma scordo come minimo una decina di nomi). L’alternanza tra pezzi hard, “Two Timin’ Woman”, blues lancinanti, “I’ll Always Be Around” e classiche ballate, “Please Be With Me”, rende il disco piacevole anche se occorre sottolineare come alcune tracce siano delle vere prove di resistenza. Penso ai quasi dieci minuti di “I’d Raither Die Invane” che ci trasporta direttamente in territorio Gov’T Mule rendendoli non propriamente digeribili. Che poi, magari, per qualcuno è pure un pregio. Da maneggiare con cura.

Alessio C.


KULA SHAKER - K2.0
Strangefolk
2016
Il ritorno di Crispian Mills e dei Kula Shaker

Il celebre soggiorno dei Beatles in India ebbe luogo nel 1968, quando la band si recò per frequentare un corso di meditazione trascendentale presso l'ashram indiano di Maharishi Mahesh Yogi. Seguirono a ruota i Rolling Stones e Pete Townshend degli Who, stregati pure loro dalla filosofia indiana, dalla ricerca di un mondo “migliore” e di una diversa interpretazione dell’io interiore. L’infatuazione delle bands inglesi per la cultura e la filosofia indiana fu un uragano di proporzioni bibliche in occidente dove la gioventù dell’epoca fece proprie molte usanze di quel misterioso paese e per tutti gli anni settanta nella musica, nella moda e nella cultura "“pop” in generale furono presenti rimandi a quel meraviglioso quanto esotico paese tanto da divenire una vera e propria icona hippie. Basti pensare al successo ottenuto dal “godfather of world music” Ravi Shankar, amico di George Harrison e virtuoso del sitar, presente nel “bill” del festival di Monterey (1967), Woodstock (1969) e al Concerto per il Bangladesh del 1971. Con l’avvento del Punk prima e dei “vuoti” e plastificati anni ottanta tutto questo fu spazzato via da suoni preconfezionati per il nuovo pubblico di Mtv. A metà anni novanta in Inghilterra, in pieno fervore Britpop, si udì chiara e distinta nell’etere una nenia indiana esplodere nelle case di mezzo mondo: “…Govinda Jaya Jaya, Gopala Jaya Jaya, Radha-Ramana Hari, Govinda Jaya Jaya..”. Sul finire dell’anno 1996, tra un singolo degli Oasis ed uno dei Blur, i Kula Shaker di Crispian Mills scalarono le charts inglesi con una deliziosa canzone in sanscrito. Il loro debutto K arrivo al numero uno con vendite notevoli, catapultando in giro per il mondo il loro rock psichedelico forte debitore degli anni sessanta, di un hammond onnipresente molto Deep Purple, abbondantemente irrorato di misticismo e melodie indiane. Purtroppo la qualità artistica del secondo disco (…in alcuni casi superiore al debutto) di Peasants, Pigs & Astronauts del 1999 non controbilanciò il successo in termini di vendite mandando a catafascio i sogni di gloria della band. Nonostante tutto la band, con soli due album in carniere, i Kula Shaker passarono alla storia (si parla di milioni di copie) grazie a singoli come "Tattva", "Hey Dude", "Govinda", "Hush" (…si proprio quella Hush!) e le tonanti "Sound of Drums" e “Mystical Machine Gun”. Riformatisi in sordina a fine del decennio successivo hanno pubblicato Strangefolk nel 2007 e Pilgrims Progress tre anni dopo, dischi di qualità (soprattutto il secondo) ma con la pesante assenza della componente indiana ormai facente parte del DNA della band londinese. Oggi, con questo nuovissimo K2.0, l’India ritorna, se non protagonista almeno presente con melodie, qualche sitar ed un flavour da tramonto in riva al Gange (…volendo proprio richiamare l’acclamato debutto fin dal titolo). L’inizio è dei migliori con il primo singolo “The infinite sun”, un brano che rimanda ai fasti di vent’anni fa danzando su dolci e calde melodie monsoniche. Holy Flame è un discreto folk pop che fa da apripista a Death of Democracy che ha quel sapore psych molto sixtees tipico della band. Il sentiero che i Kula Shaker hanno intrapreso in questi album post-reunion è un classic rock imbevuto di country inglese malinconico come in Here Come My Demons che inizia tenue per poi esplodere fragoroso in un riff di chitarra marziale. Le ballate calde e profumate sono sparse nell’album come a voler frenare i sussulti elettrici, basti ascoltare 33 Crows (country puro!) oppure High Noon. C’è poco da fare, Crispian Mills è uno che le canzoni le sa scrivere maledettamente bene! Oh Mary riporta le atmosfere indiane in primo piano e Hari Bol (The Sweetest Thing) le accentua richiamando (…adesso si!) il primo ed insuperato K. C’è spazio anche per il sudato funk negroide di Get Right Get Ready per finire con Mountain Lifter che regala un'ultima perla psichedelica. Come richiama senza mezzi termini il titolo questi sono i Kula Shaker del 2016 e gli ormoni sonici della gioventù sono andati (e mai più torneranno) lasciando spazio a canzoni più pacate e quasi folk. Molta qualità, qualche raro caso di autocitazionismo, consapevolezza, maturità ed una manciata di pezzi che entreranno di diritto nelle set-lists della band. Se siete degli amanti del talento un po’ chic ed un po’ indie di Crispian Mills dategli una possibilità… se, invece, non li avete mai ascoltati, beh... i primi due album sono obbligatori per ogni amante del rock con la “R” maiuscola.

Matteo Trevisini

Il report del concerto dei GHOST a Pordenone tre giorni prima della consegna del Grammy Awards a Los Angeles!


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WOLFMOTHER – Victorious
Universal
2016

C’era una volta, agli albori del millennio, una new wave australiana del rock classico riciclato e riverniciato con suoni moderni e accattivanti tali da far scalare le classifiche ad un manipolo di bands come Jet, The Vines, Datsuns (neozelandesi) fino ai Wolfmother di Andrew Stockdale. Quando nel 2004 vennero notati con il loro primo EP erano un trio che sembrava perso nelle pieghe del tempo tra i sessanta ed i settanta tuttavia non era solamente revival vintage che piaceva ai ragazzini ed alle radio alternative. I Wolfmother lo dimostrarono ampiamente l’anno successivo con l’omonimo debutto, un favoloso concentrato di riff monolitici e acidi alla MC5 e Blue Cheer, una voce da far concorrenza a Robert Plant ma soprattutto una manciata di canzoni solide, frizzanti e fresche, come se il ’71 non se ne fosse mai andato. Diventare gli alfieri della neopsichedelia del nuovo millennio al punto che l'album ha venduto quasi un milione e mezzo di copie e la band ne ha celebrato il successo con prestigiosi tour e con ospitate importanti alla Tv americana, David Letterman Show e The Tonight Show di Jay Leno compresi. Passata la sbornia Cosmic Egg del 2009 regalò un album di puro, semplice e solare hard rock seventies con canzoni ancora valide, pur abbandonando il lato sperimentale e psichedelico, sufficiente a riportare la band sulla bocca di tutti. Nacque anche una collaborazione del loro leader con Slash che lo invitò a cantare un brano sul suo primo solista. Da allora... il nulla. Un andirivieni di musicisti all’interno della band, un disco solista, sbiadita brutta copia dei suoni già riciclati dalla band stessa, fino al noioso New Crown del 2014. La discesa verso l’oblio non viene frenata da questo nuovo Victorious, un concentrato di deja vù e luoghi comuni: dieci brani dal riff facile e dai testi semplici e banali con un Andrew Stockdale che sembra sempre in difficoltà nel trovare una via personale nella costruzione di una canzone. E’ un album che al primo ascolto ti aggancia con riff maneggioni e d’impatto e libera ritornelli che sembrano suggerire l’arrivo di cose buone, ma alla fine poco o niente resta in testa. Non tutto è da buttare, vedi gli splendenti echi southern di Gypsy Caravan, la solare e bucolica Simple Life o i suoni stoner desertici di Happy Face, ma si tratta veramente di poca roba. Victorious è un pugno di sabbia in mano, ti scivola via, e all'ascoltatore non resta null’altro che la delusione: il sapore aspro dell'ennesima occasione sprecata...

Matteo T.


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THE GRAVELTONES – Love Lies Dying
Absolute Marketing
2015

Alla fine della fiera la bibbia inglese Classic Rock Magazine ci aveva visto giusto adocchiando questo duo anglo-australiano già ai tempi del loro debutto Don't Wait Down, di un paio di anni fa, portandoli alla ribalta con articoli e svariate recensioni nonché candidandoli a Best Newcomers. Jimmy O e Mikey Sorbello hanno fatto di tutto per piacere a più gente possibile registrando singoli devastanti come Bang Bang, Catch me on the Fly o Forget about the Troubles, unendo la semplicità blues alternative dei White Stripes con la grezza energia rock 'n roll dei Jet o dei The Hives. Oggi, a distanza di due anni, si ripresentano con il secondo disco che, si sa, ”è sempre il più difficile nella carriera di un artista!”. Love Lies Dying è più oscuro, se vogliamo con un “flavour” blues ancora più blues (quello nero pece). Meno immediato e commerciale del debutto ma non per questo meno entusiasmante. La giusta metafora potrebbe essere questa: se il primo disco ti pugnala in fronte, il secondo ti penetra dalle orecchie all'animo, ascolto dopo ascolto, come colla appiccicosa. La mancanza di strumenti non è mai stata un problema: la batteria di Mickey è una tempesta di tecnica, fantasia e potenza che ricorda il miglior John Bonham mentre Jimmy O è capace di interpretazioni che tappano tutti i buchi, una chitarra magica e dei signori testi che raccontano vere storie da crooner di razza. L'energia che sprigionano fin dai primi due pezzi, World on a String e Fancy Things, è impressionante. Sono in due ma sembrano un esercito! Jimmy ringhia e digrigna invece di cantare, spettacolare biglietto da visita e ideale cordone ombelicale con il mood del primo disco. Le radici che impregnano il lavoro dei Graveltones escono in tutto il loro fulgore: profumi di Stones e zolfo in This love's gonna Break mentre tutto il sudore e la disperazione delle piantagioni imbeve il ritmo tribale e zeppeliniano di Running to You. Jimmy O soffre mentre canta, rapito da un rito voodoo e Mikey Sorbello – novello gigante sciamano – avvolge queste meravigliose e primordiali nenie demoniache con un ritmo da Africa nera. L'ipnotico riff della cadenzata In the Throes sembra partorito dalla mente di Jimmy Page e fa da anticamera al vecchio rock'n roll senza tempo di I'm a Ghost, accompagnato da un organo molto sixtees. La crepuscolare Back to You sembra uscita dall'ugola catramosa di Tom Waits con Jimmy che sussurra regala brividi di piacere prima di esplodere in Kiss & Fuck off con un'agguerrito hard rock dove l'intimidazione verbale è puro punk old-school! Big Money è un pezzo lento e cantilenante distruttivo come una molotov all'altezza del ritornello prima di ripiegare nell'ombra e lasciare spazio alla dolce ballad Together Again che, come brezza primaverile, si porta via le ultime note. La consistenza e l'attitudine che il duo delle meraviglie ha dimostrato nel confezionare questo incandescente lapillo vulcanico di sudicia violenza blues ha del miracoloso. Come un elefante in una cristalleria, Love Lies Dying non lascia nulla d'intero oltre la consapevolezza di essere al cospetto di un grande album di una piccola (grande) band.

Matteo Trevisini



OPERATION MINDCRIME - The Key
Frontiers Records
2015

Come potremmo iniziare una recensione della nuova fatica di Geoff Tate schivando le beghe tragicomiche che hanno funestato la stampa di settore negli ultimi anni tra lui ed i suoi ex compagni di band? Da che parte stia la maggior parte dei fan l'hanno capito anche i muri visto l'entusiasmo con cui è stato accolto Condition Human, il nuovo capitolo marchiato Queensryche, con il sostituto Todd LaTorre. Alla fine delle recriminazioni Michael Wilton, Scott Rockenfield e Eddie Jackson hanno continuato per la loro strada riportando la band verso lidi classici, verso il metal vecchio stampo dei primi lavori. D'altro canto Geoff Tate, libero dal fardello della sua ex band, si è sentito libero di costruire quello che più gli piaceva senza nessuna restrizione. L’album, come tutto il progetto, è stato accolto in modo negativo sia dai fans che dalla stampa che hanno bocciato l’idea di Tate a causa di una caterva di pregiudizi e risentimento. E' un vero peccato perché il primo capitolo di questa trilogia è la cosa migliore uscita dalla mente del vocalist da tanto, ma tanto tempo. The Key non è un capolavoro, ma è ricco di buone intuizioni che lasciano ben presagire sulla qualità del materiale che arriverà a compimento dell'opera. Geoff è partito da un idea per poi costruirci un progetto intorno, dalla trama del concept fino a plasmarci intorno i suoni e perfino i musicisti. Ha riunito gente del calibro di David Ellefson (Megadeth), John Moyer (Disturbed), Simon Wright (ex-Ac/Dc e Dio), Brian Tichy (ex-Whitesnake tra i tanti) ed i chitarristi Scott Moughton e Kelly Gray (già nel giro Queensryche). Lo stesso Tate ha ribadito più volte che questa non è una band ma un progetto a tutto tondo che nell’arco di tre dischi vedrà la collaborazione di svariati musicisti perché - ribadisce - ha scoperto il piacere di collaborare con gente diversa per un fine comune sottolineando che è già stato con una band tanto a lungo da aver bisogno di dinamiche diverse e più eterogenee. Certo è che l’idea di scegliere come monicker del progetto proprio Operation Mindcrime non è stata una scelta felice per ammaliarsi la maggioranza dei suoi fans visto il potere scatenante di quelle due parole... La storia del concept fa riferimento alla chiave del titolo, una chiave importante con il potere di cambiare il mondo, la concezione del tempo e dello spazio e migliorare il “modus vivendi” del genere umano, ma anche peggiorarlo qualora venisse usata per scopi malvagi. Choices inizia cantilenante e cresce come una vera intro che si rispetti. Burn ha un riff cattivo ed un ritornello d’impatto dove Tate urla un apocalittico “…give me gasoline, i’ll burn everything, i’ll make it rain like fire in hell…”. Re-Inventing the Future, il primo singolo, è anche il brano che si avvicina di più alle sonorità dei Queensryche dei tempi d’oro con un bridge che esplode in un chorus evocativo. Ready to Fly rallenta con sfumature prog e un’atmosfera autunnale che ricorda molto il meraviglioso Promised Land. Qua e là si sente l’assenza degli intrecci chitarristici che solo Chris De Garmo sapeva creare e che rendeva unico il sound dei Ryche tuttavia la prova vocale che Tate pareggia il conto senza lasciare dubbi. Dopo l’intermezzo di Discussions in a Smoke Filled Room arriva Life or Death? dove – a sorpresa – a cantare è Mark Daly che dona al pezzo tonalità più oscure e dark grazie ad una voce roca che rende il brano molto anni ’90. E’ la giusta atmosfera per introdurre la canzone più “particolare” di tutto l’album, ovvero Geoff Tate che si da al Nu Metal industriale! The Stranger ha ritmi sincopati e stranianti: superato il primo momento di sorpresa ci si accorge che il brano non è brutto come sembra al primo ascolto, forse con un arrangiamento meno effettato avrebbe reso meglio. Hearing Voices è un capitolo trascurabile per colpa di un ritornello monotono e lo rende il primo passo falso di un viaggio finora sorprendente. L’atmosfera torna pacata (ma un velo di tensione si mantiene lungo tutto l’album) con On Queue dove i chiaroscuri sono pennellati da una chitarra e da un sax che profumano di prog d’altri tempi. La chitarra orientaleggiante dell’intermezzo strumentale di An Ambush of Sadness dà il via alla trasognata Kicking in the Door per concludersi con un altro splendido esempio di progressive senza tempo come The Fall e qui il sax fa capolino per regalare un break veramente entusiasmante. Liberate la mente da tutte le sirene spietate che avete ascoltato cantilenare su questo disco, concedetevi un bel calice di vino rosso, accomodatevi sul divano e con luce soffusa godetevi il viaggio che vi propone il redivivo Geoff, chissà che non scopriate che il vostro ex-cantante preferito tanto ex non lo è più. Lasciategli provare questa benedetta “chiave” e chissà che non riesca ad aprirvi qualche portale magico verso il paese delle meraviglie.

Matteo T.


FREDDIE WOLF - Utopia/Distopia
Autoproduzione
2015

Per il suo primo lavoro da solista Freddie Wolf (ex-cantante degli Stick It Out e dei New Babylon) fa le cose decisamente in grande. Libero da restrizioni dovute a contratti o paletti imposti da case discografiche, il singer latino-americano (naturalizzato italiano!) pubblica un doppio album-concept dallo splendido artwork: il primo è Utopia, il disco bianco e solare, il secondo Distopia, ovvero il lato oscuro della personalità di Freddie. Un progetto ambizioso con tanta carne al fuoco e collaborazioni di prim'ordine a rendere l’opera ancor più ricca di fascino. Tra gli ospiti figurano Gianpaolo Caprino e Andrea Angelini degli Stormlord, Alex Lofoco e Mimmo Cavallo (Zucchero, Mia Martini, Albano), Jonna Coletta (The Guestz), Gianna Carlotta (Pandemonium)... La white side è formata da 11 canzoni arricchite di molta melodia e di arrangiamenti pomposi: si passa dall’opener Be The One, dai chiari rimandi a certo power melodico nord europeo, a momenti più prettamente hard rock come quelli di Mud & Glory fino a rimandi pop come in My Beautiful Ruin. I richiami alle atmosfere care ai Queen non pregiudicano l’originalità del primo disco che evidenzia la capacità di Freddie nel ricercare la melodia, sia essa pop, new wave o perfino reggae. La dark side è un più canonico contenitore di canzoni metal, dal retaggio power con spruzzate goth e dark, notevolmente più energico del primo disco. Man Of Evil spicca per il chorus mentre altri ottimi episodi sono Obscurum Per Obscurius e le anthemiche Brand New Babylon e Der Golem. Freddie Wolf si guadagna un plauso per il mastodontico lavoro svolto anche se probabilmente un unico disco con i migliori episodi sarebbe stata la perfetta quadratura del cerchio. Comunque sia, buona la prima!

Matteo Trevisini



ROCK RESCUE 811 – Un Mondo Migliore

Aura Records
2015

I Rock Rescue 811 sono di Trieste e nascono da un'idea del cantante Alessandro Zocco e del bassista Gabriele Petterin. Fanno del rock italiano, ne più ne meno, quello dei primi anni novanta, vecchia scuola, figlio dei Litfiba, dei Timoria e di tante band che nell'ultimo decennio del secolo scorso fecero fiorire un genere che in Italia non aveva mai attecchito prima, strozzato dalla ricerca della melodia sanremese. Attenzione però, questi il loro lo fanno bene senza mai risultare fuori tempo massimo, ma anzi verniciando il disco di debutto di fresca patina, attuale e personale. Un Mondo Migliore propone una grande varietà di sfumature nelle dieci canzoni, a cominciare dall’hard rock tipicamente anni ’80 de Il Viaggiatore col suo ritornello geniale (”Sarò grato pure a te, omino dell’aldilà!”). Peccato per la produzione che rende i suoni un po’ impastati ma – nonostante ciò - ci piace! Il Sole e la Luna è un altro buon pezzo, melodico e decisamente più italiano. Il cantante Alessandro Zocco ha una timbrica impostata sui classici canoni da “rocker padano” (con tutti i pro e i contro che questo comporta) ma il disco scivola bene al punto che le chitarre sorprendono per fantasia: bravi Fabio Doller alla ritmica e Ramon Carmeli alla solista! Il sentiero intrapreso è quello giusto se si ascoltano la lenta Soldatini o la profonda Perdonami. Rock Rescue è invece il classico pezzo veloce, costruito per far saltare il pubblico durante i concerti, molto “arena rock” americana carico di coretti e chitarre. La sezione ritmica di Gabriele Petterin (basso) e Lorenzo Ciuciat (batteria), pur soffocata dalla registrazione, si fa comunque notare per precisione e compattezza. Scrittura e struttura dei pezzi sono buoni e tolta qualche ingenuità credo possano lavorare molto bene nel futuro per migliorare e, soprattutto, farsi riconoscere tra le centinaia di bands che in Italia propongono lo stesso genere.

Matteo T.


DOPPIA PERSONALITA’ - B.O.D.P.

Music Force
2015

Anche per quest’altra band triestina rimaniamo sui testi in lingua italiana... i Doppia Personalità di personalità ne hanno tanta (perfino troppa!). Questo B.O.D.P. è il quinto album ed è una raccolta dei pezzi tratti dai precedenti lavori che dimostra pienamente le capacità nel costruire melodie d’impatto unitamente a testi divertenti sopra ritmi e groove coinvolgenti. Melodia italiana mescolata all'impasto sonoro internazionale: ogni canzone è storia a sè, facendo girare l’ago della bussola impazzita tra pop, ska, elettronica, rock alternativo, musica popolare da sagra. Un “crossover” arricchito dalla prestazione vocale di Giovanni Milani, uno che sfoggia talento, interpretazione e sa pure essere originale a cominciare dall’evocativa Mrs. Byron, canzone che dà inizio alle danze (vere e proprie!). Vittima Di Lei è pieno rock italiano anni ’90 dove emerge la bravura della band giuliana a trovare la melodia giusta al momento giusto. Why e Maschere sono canzoni eleganti che lasciano trasparire il lato più trasognato della band. Altri highlights sono Triangolo Delle Bermuda e Amor Felino dove anche una fantasiosa e potente sezione ritmica si erge sugli scudi. Suoni che rimandano ai Muse più marziali prima di passare in un baleno al funky radiofonico di Chili Peppers memoria o a certe cose surreali di marca Primus: decisamente tutto molto buono anche se tutta questa personalità, centrata e focalizzata in modo meno esteso potrebbe portare in futuro a cose molto ma molto interessanti: li aspettiamo quindi al varco!

Matteo Trevisini

SKUNK ANANSIE - Anarchytecture
Carosello
2016

E' una delle uscite che più aspettavo. In molti ne parleranno e moltissimi ne scriveranno, non ha quindi senso unirmi a recensioni e recensori in voga e tiro subito la (mia) conclusione: un piccolo gioiello da tempi moderni che soddisfa i fans e ragionevolmente ne porterà di nuovi. Missione compiuta, a quale risultato ulteriore dovrebbe puntare una nuova uscita? Mi interessa piuttosto fare una valutazione diversa ovvero individuare quali tracce potrebbero inserirsi regolarmente nelle scalette live a venire, incastrandosi nella sfilza dei classici e pluripremiati singoli della band. "Love Someone Else" senza dubbio, canzone stellare nonchè probabile linea guida per nuove bands che si affaccino alla ribalta pop-rock, "Victim" diventa ammaliante dopo ripetuti ascolti, ma potrebbe non bastare. "Beauty Is Your Curse" centra il bersaglio, "In The Back Room" è il pezzo che invece proprio pretendo nei live (una specifica sui biglietti del tipo "prezzo biglietto 40 euro - include l'esecuzione di ITBR"), pura Cass-Lewis-funky-groove-negritudine. Pezzo assolutamente clamoroso. "Bullets" e "Without You" farebbero la fortuna di qualsiasi band, ma qui si parla degli Skunk Anansie. "That Sinking Feeling" è una sorta di "I Believed In You" del disco precedente decostruita e ricostruita, eppure vorrei conoscere quel fans che non vorrebbe entrambe parte di una set-list! Tra "We Are The Flames" e "I'll Let You Down" una deve per forza diventare un nuovo inserimento ed allora opto per la seconda. Ho volutamente lasciato per ultima "Death To The Lovers", pur in posizione quattro, perchè è quella che mi pare realmente in grado di ritagliarsi persino un posto nella memoria collettiva. L'album si intitola "Anarchy Tecture" o "An Archytecture": preferisco la prima lettura in ordine all'unicità del suono della band sin dagli esordi, anche se oramai la rifinitura di se stessi ne fa una meravigliosa costruzione anche estetica oltre che egregiamente funzionante. Se qualcuno pensava che Skin (o la band) potessero subire contraccolpi a causa dell'esposizione mediatica di X-Factor ha capito poco e male, perchè Skin è una rockstar vera, vive e si abbevera alla fonte della ribalta, ne trae linfa ed ispirazione. Solo che a differenza di altre icone conserva un approccio umano, quasi "friendly" direi, l'approccio che le consente quelle incredibili "nuotate" sopra le teste di migliaia e migliaia di fans durante i concerti, senza sicurezza appresso. Quanti frontman possono vantare un amore incondizionato simile, uomini o donne che siano?

Si sta parlando di quella che probabilmente è la rock band più in palla della ribalta internazionale tutta, nulla di meno. Perchè questo sono oggi gli Skunk Anansie. Perderne il concerto sarebbe un errore imperdonabile, specie se qualcuno si chiede cosa sia assistere allo show di una grande rock band all'apice della carriera sia in termini artistici che atletici.

Walter Bastianel     


Da Donington (UK) il report del giorno 3 del DOWNLOAD FESTIVAL 2015!


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W.A.S.P. – Golgotha
Napalm Records
2015

Vi ricordate Nanni Moretti in Palombella Rossa? “…come parla! Come parla! Le parole sono importanti. Come parlaaaaaaaaaa!". Probabilmente Nanni Moretti non si azzarderebbe nemmeno sotto tortura a schiaffeggiare Blackie Lawless e ad urlargli questa iconica frase senza rischiare una testata in pieno setto nasale ma è vero, le parole sono importanti, come l’integrità e l’iconografia, soprattutto quando si parla di una band storica del metal anni ottanta come i W.a.s.p. Il sangue, la violenza, "We Are Sexual Perverts", L.O.V.E. Machine, i ghigni da teppista di Chris Holmes, le seghe circolari, The Torture Never Stops, Animal (Fuck Like a Beast), i fuochi d’artificio, le modelle nude sgozzate sul palco... i W.a.s.p. sono stati questo ed altro con testi sempre oltre il limite (per la gioia bigotta di Tipper Gore ed il suo P.M.R.C.). Il dilemma è strettamente ontologico e non di caratura artistica (a quella ci arriveremo analizzando l’album) ma a voi non da fastidio ascoltare un disco dove un Blackie (ormai chiamiamolo pure Whitey!) inneggia a Dio ed a Gesù, come un predicatore pronto a ripulirsi dai peccati? Ascoltereste ugualmente i Motley Crue se i loro testi parlassero di come sono stai bravi a far attraversare il Sunset Bouvelard ad una vecchietta in difficoltà? E se gli Stryper di punto in bianco facessero un disco inneggiante a Belzebù? E se il reverendo Manson improvvisamente si limitasse a descrivere un bel tramonto autunnale mentre si diletta a pescare placidamente lungo un fiume non stonerebbe un po’? Che dite? Blackie, pardon Whitey, ha trovato la fede e la redenzione e forse era il caso di accantonare per sempre il nome W.a.s.p. pubblicando questo nuovo Golgotha a suo nome (come fosse un nuovo inizio). Ormai è da decenni che la band non è più una band bensì un’emanazione artistica, nonchè feudo privato, di Mr. Lawless che gestisce il “brand” a suo piacimento, un marchio. Ma veniamo all’album che non è affatto brutto anzi, ma chiariamolo subito non è assolutamente - come letto da più parti – il miglior disco partorito dalla mente di Whitey dagli anni Ottanta. Pur essendo un ottimo “chef” Blackie resta comunque uno degli artisti più autocitazionisti in circolazione e molti pezzi ricordano da vicino melodie saccheggiate a piene mani qua e là lungo tutta la propria discografia: in questo caso è stato comunque bravo a (ri)mescolare bene tutti gli ingredienti. I meriti evidenti di questo Golgotha sono la caratura dei pezzi, di livello superiore alle ultime prove, andando a formare un utile “bigino” dei suoni e delle atmosfere care a Mr. Lawless. Gli highlights del disco sono da ricercare nelle ballate e nei pezzi più lenti dove emerge tutto il talento di Blackie nel cesellare melodie epiche. La splendida Miss you ricorda da vicino certi capolavori contenuti nell’innarrivabile The Crimson Idol e lo stesso vale per la title track a conclusione del platter, otto intensi minuti dove il nostro “redento” urla a pieni polmoni nel ritornello"Jesus i neeed youuuuu”... più chiaro di cosi! A conti fatti se siete da sempre degli ultras ferventi al credo della “vespa” Golgotha vi piacerà proprio perché musicalmente resta nei recinti sicuri di quello che la band propone da sempre. Per quello che invece hanno rappresentato a livello iconografico, beh… metteteci una croce sopra (ops!).

Matteo Trevisini

LA "CLASSIFICA" DI FINE 2015 di Alessio Carraturo

Nel giorno in cui scopro che la Burning Hearts Records è resuscitata (notizia vecchia mi direte) e ha dato da poco alle stampe il nuovo CD dei GIUDA, band romana capace di creare parecchio rumore negli ultimi anni, mi si chiede (eccerto! ndW) di dare qualche voto ai dischi usciti in questo avulso 2015. Lo so, sono sempre più vecchio e quindi tra una ristampa dei Led Zeppelin (vogliamo parlarne?) e un Radio Broadcast CD (avete presente quella nuova moda che ha visto, nell’anno in chiusura, la ristampa di un sacco di “porcheria” live che ripropone date live trasmesse all’epoca via radio e quindi con una qualità sonora tutt’altro che da buttare) i cinque lavori che salvo sono, in ordine sparso:

MOONSHINE - Moonshine (Lion Pride Music) Il southern rock mischiato al blues del delta con un tiro incredibile. Per carità nulla di nuovo (registrazioni dei primi Novanta già pubblicate la prima volta in tiratura limited qualche anno fa, ristampate quindi nel tardissimo 2014 per entrare a pieno regime in circolo nel 2015) sotto l’albero di Natale, ma se vi piace il genere ascoltatevi The Devils Road e compratevi il disco. Alla voce l'ex Babylon A.D. Derek Davis. Detonanti.

77 – Nothing’s Gonna Stop Us (Century Media Records)

Sono finiti sotto Century Media e già questo è un biglietto da visita “gold”. Che dire? Con me sfondano una porta aperta. Sin dal loro esordio considero gli spagnoli gli eredi migliori degli AC/DC era Bon Scott. Per nulla originali e proprio per questo imprescindibili.

Art Of Anarchy - Art Of Anarchy (Century Media)

Ci mancherà Scott, inutile negarlo. Solista o con i redivivi STP aveva ancora parecchie cose da raccontarci. È grazie a lui, al suo modus operandi, che un progetto nato per caso non è rimasto l'ennesimo fuoco fatuo. Una band, questa, nata già “defunta”, senza alcuna possibilità di esibirsi in giro per il mondo ma per questo 2015 posso dire con pochi dubbi che AOA è stato il disco che più ho ascoltato e apprezzato. Stay tuned Scott!

We Are Harlot – We Are Harlot (Roadrunner Records)

La Roadrunner piazza nel 2015 un buon colpo. Danny Worsnop (ASKING ALEXANDRIA) ben assecondato da musicisti di primordine ci regala un estratto di hard rock stradaiolo modernamente indirizzato niente male. “Denial”, il primo singolo estratto, ne rappresenta in pieno le potenzialità. Difficile dire se i quattro avranno un futuro. Oramai fare un disco è cosa del tutto superflua, quindi…
Mammoth Mammoth - Volume IV (Napalm Records) I veri eredi dello scandinavian rock primordiale (parlo di Gluecifer e primi Hellacopters) sono loro. Vengono dall’altra parte del mondo (Australia) e con il loro quarto volume si confermano alla grande, sulla strada del garage rock più sulfureo, in pieno stile Datsuns e D4. Per chi ancora ha un po’ di memoria.

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LA "CLASSIFICA" DI FINE 2015 di Walter Bastianel

Sempre più arduo stilare classifiche (estese o complete): finchè si tratta di spulciare tre/quattro titoli uno non dovrebbe avere grosse difficoltà, ma andare oltre... vediamo quindi stavolta com'è andata. In ambito rock vado sul sicuro col ritorno degli SHOOTING STAR, band che in dieci secondi netti riorganizza un prospetto annuale in loro assenza. Anche il cd dei WE ARE HARLOT ha centrato il bersaglio: tra vintage e modern, certo solismo alla Ted Nugent, impatto solare, ottime canzoni e un tiro della madonna. Giusto un paio di riempitivi, ma è roba che sparisce nel computo generale. Per l'Italia del melodic rock il cd dei ROOM EXPERIENCE mi pare sia stata la miglior uscita: sarà il ritorno di Steve De Biasi dopo tanti anni o la verve compositiva, ma mi piace pensare che un ipotetico comeback dei Gunshy (una precedente band di Steve appunto) non avrebbe suonato molto diverso.  Anche i WASP con "Golgotha" hanno confezionato un buon disco: certo l'entusiasmo eccessivo che leggo in giro (c'è chi lo colloca tra i top della band) lo lascio a costoro. Sempre dagli States aspettavo l'esordio dei navigati KICKIN VALENTINA (ex-Rockets To Ruin): attesa non tradita, disco ideale per chi ama ancora del buon sleazy hard rock suonato col piglio e la competenza che ti aspetti. Altri piacevoli ascolti sono stati i sempre fortissimi THE DARKNESS,  i glamsters francesi PLEASURE ADDICTION, gli emergenti THE TIP (cercateli!), i tedeschi SNAKEBITE e per finire gli irlandesi STEREO NASTY, a ricordarmi che quando cerco del classico heavy di stampo Judas Priest non posso prescindere dall'arcipelago nord-europeo. Piacevole sorpresa il dvd dei BOULEVARD canadesi, indispensabile per i fan dell'aor anche nel 2015. A monte di tutto, comunque, l'unico vero Capolavoro che registro nell'anno è il reading musicato di "Notturno Americano" ad opera di EMIDIO CLEMENTI (coadiuvato dai Giardini di Mirò). Riduzione dell'opera letteraria di Emanuel Carnevali  è una di quelle uscite irripetibili che elevano una carriera da ottima ad inimitabile. Emidio Clementi merita stima e grande rispetto, non fosse altro, per fare da decenni quanto e più gli è possibile per donare luce alle parole di questo inimitabile visionario del primo Novecento. Grazie Emidio. Sono andato oltre i quattro iniziali stimati, stai a vedere che l'annata è stata interessante. Ah, per chiudere... la nostalgia. Tanto per rinverdire gli anni Sessanta, anni in cui spopolava il 45 giri, il singolo dell'anno è "Seconda Madre" di UMBERTO MARIA GIARDINI. Roba che, va da sè, un paese schiavo dell'apparenza non potrà che recepire, se mai lo farà, tra 40 anni. Ma anche questo, in fondo, è ciò che (mi) affascina della musica.  - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

LA "CLASSIFICA" DI FINE ANNO 2015 di Matteo Trevisini

Gli Inglesi dicono: “Opinions are like assholes, everyone's got one”, ovvero i pareri sono come i buchi del sedere ognuno ha il proprio... quindi il meglio di questo 2015 in musica è strettamente personale e non proverò assolutamente ad inculcarvi che questi siano i migliori dischi usciti in questi 12 mesi. Sicuramente sono quelli che a me hanno dato energia, ispirato, tenuto compagnia e fatto da colonna sonora nei momenti belli e meno belli a cominciare dai BACKYARD BABIES con il loro ritorno "Four By Four" e i BUCKCHERRY con "Rock'n Roll", due dischi che in palestra hanno fatto il loro dovere motivazionale con tutta l'energia sprigionata! Colonna sonora invece nei viaggi in auto sicuramente lo splendido album di debutto omonimo dei DEVIL CITY ANGELS ed i mid-tempo desertici di "Rebel" dei rinati LYNCH MOB. Lo stakanovista George Lynch ad inizio anno ha piazzato un altro gran album con il progetto SWEET&LYNCH: "Only To Rise" è stata una vera piacevole sorpresa! La calda estate è stata baciata dall'hard blues dei  DEAD DAISIES e del loro "Revolucion". A casa invece, davanti ad un buon bicchiere di vino, le note suadenti, ultra-chic e ogni tanto quasi epiche di un altro grande ritorno, "XIV" dei TOTO. Insomma per ogni stagione o per ogni momento della giornata c'è stato qualche album, qualche artista oppure una sola singola canzone: gli album precedenti sono quelli però che sono riusciti a catalizzare nella loro interezza tutta la mia vis emotiva: avanti con il 2016... intanto Auguri!



SHOKKER - Shokker

Autoproduzione
2015
Leggo Illinois, associo Chicago. La capitale americana dell'hair metal più ortodosso (indimenticabili le compilations  Chicago Metal Works degli anni 80/90) dopo The Last Vegas, Bad City ed Hessler (già sciolti) attira la mia attenzione con gli Shokker. Un 3-tracks E.P. che è tutto attitudine e tecnica. Marca il territorio la chitarra di Casey Tremont e canta Rachl "Raxx" Quinn, fascinosa vocalist ben poco avvezza ai fronzoli.  Difficile intuire se approderanno ad un disco, bisognerebbe vivere là per sapere se la situazione americana sia ancora ricettiva alle sonorità proposte. A Los Angeles, per i miei gusti, da anni si scherza troppo (anche se i Salem's Lott fanno eccezione), a Chicago invece non si è mai cincischiato e pare nemmeno questa volta. Avanti così quindi e dita incrociate, che un ipotetico full lenght degli Shokker diverrebbe oggi, paradossalmente, se non una "ventata di novità" almeno una boccata di ossigeno. Clicca sul banner per ascoltare l'opener "Adrenaline"!

Walter Bastianel



SHIRAZ LANE – Be the slave or be the change

Autoproduzione
2015

Anni ed anni di ascolti... cd, dischi, cofanetti, youtube e nonostante questo si attende sempre con trepidazione la sorpresa, la scossa, l’input da qualsiasi band o artista in genere che ti dia quella dose di rock’n'roll che ti fa esaltare. Ogni tanto queste sorprese arrivano da dove meno te le aspetti, mettendo su controvoglia un disco o ascoltando un promo mandato da qualche band giovane di belle speranze che attende desiderosa che qualcuno non ne peschi la pagliuzza più corta. I giovanissimi finlandesi Shiraz Lane rientrano in questa ristretta cerchia, la cerchia dei dischi a cui non cambieresti una virgola tanto sono perfetti. Certo, direte… facile farlo con un E.P. di soli cinque pezzi. Beh, signori, se gruppi più quotati e pompati non ci riescono con un album intero complimenti a questi imberbi capelloni per non essere riusciti ad inventare nulla ma riuscire nel non facile compito di rendere spettacolare quello che già è stato detto venticinque anni fa da bands da libri di storia. I ragazzotti di Vantaa sono insieme dal 2011 ma solo quest’anno hanno cominciato a raccogliere i frutti del loro impegno, prima con la pubblicazione dell' E.P. in oggetto e successivamente con la firma del contratto per Frontiers Records che il prossimo anno pubblicherà il loro primo full-lenght (e li porterà alla terza edizione del Frontiers Rock Festival). Mica male no? La prima traccia Mental Slavery è il manifesto sonoro: gli Skid Row dei tempi d’oro mescolati a suoni leggermente profumati di modernità tanto cara ai Crazy Lixx. Insomma puro street metal scalciante, spudorato ma dannatamente maturo, con un chorus che stende al primo ascolto. Il cantato di Hannes Kett è spaventosamente potente e ricco di una personalità già spiccata. Provate a sentire il mid-tempo Behind The Ball, con rimandi ai Dangerous Toys. Money Talks è un pugno in stile Slave to the grind: campanaccio pesante e refrain che s’inchioda in testa. Sezione ritmica di Joel Alex al basso e Ana Willman alle pelli precisa e potente, Out there Somewhere è un’altra splendida canzone sospesa tra Guns e glam scandinavo di nuova generazione… I wanna know is your glass half full, empty or in-between/ You can't have happiness without a little rain! Story to Tell e si finisce col botto! …As the years have gone by nothing has changed / All these lines on my face got a story to tell! Sei quasi perplesso alla fine dei 22 minuti. Che sia stato un sogno? O è proprio tutto cosi figo? Testi non stupidi, pacca incredibile, tecnica invidiabile e linee melodiche stratosferiche. Sarebbe un crimine se la Frontiers non obbligasse la band a mettere “in toto” tutte queste cinque gemme nell’album in uscita. Nel dubbio recuperate subito questo piccolo grande gioiello sonoro!

Matteo T.


THUNDERMOTHER – Road Fever
Despotz Records
2015


Me le vedo proprio le Thundermother chiuse in una baita di legno con i vasi di fiori alle finestre ad impastare i suoni semplici ma ruvidi di questo loro secondo album e, come le marmotte della Milka, impacchettare con le loro manine ogni singolo cd con tanto amore, entusiasmo e devozione per il sacro fuoco del rock’n roll. Probabilmente si incavolerebbero a morte con il sottoscritto ribattendo che questo Road Fever è stato invece vomitato negli scantinati umidi di una sala prove nella periferia di Stoccolma tra effluvi di piscio e ampli fischianti. Le ragazzacce tornano con il secondo album dopo il già buono Rock’n roll Disaster dell’anno scorso, maturate dopo aver macinato, chilometri su chilometri in giro per l’Europa, concerti ad alto tasso di ottani. Ora è stato fatto centro pieno con un album di semplice hard rock scalciante forte debitore del duo sacro Motorhead e Ac/Dc anche se tornano alla mente, qua e là, anche le seminali Runaways di Joan Jett e Lita Ford. Con pezzi come ‘It’s Just A Tease‘, ‘Alright Alright‘, ‘Deal With The Devil‘, ‘Roadkill‘ o ‘Give Me Some Light‘ non c’è tempo per fare disquisizioni sociali ma si tratta solamente di muovere il piedino e darci dentro. Dalla loro hanno freschezza e rabbiosa potenza che avvolgono tutti i brani anche se il punto di forza rimane l'essenzialità della proposta. Le Thundermother sanno fare una cosa che altre band “all female” scandinave non hanno mai saputo fare (un nome a caso? Mmmhhh vediamo... Crucified Barbara!) ovvero scrivere canzoni che restano in testa già al primo ascolto! Le chitarre di Filippa Nässil e dell’italianissima Giorgia Carteri vomitano riff killer affilati come lamette di un rasoio arrugginito: provate la seconda traccia FFWF come esperimento e sentirete che graffi! La cantante Clare Cunningham, irlandese “doc” di Dublino, ha personalità e doti vocali mentre la sezione ritmica di Tida Stenqvist e Linda Ström (basso e batteria rispettivamente) martella in modo semplice, ma deciso.


Se sul comodino accanto al letto avete le foto di Bon Scott e Lemmy ad augurarvi sogni d’oro andate sul sicuro qui, queste ragazzine tanto carine quanto casiniste vi regaleranno mezz’ora di divertente deja-vu. Perchè alla fine il rock’n roll non è maschio, il rock’n roll è di chi lo ha dentro e lo sa esprimere con talento ed entusiasmo. Non ci sono maschietti e femminucce ma solamente ottimo o pessimo e decisamente queste cinque rockers fanno parte della prima categoria. Avanti cosi ragazze, vi aspettiamo ancora in Italia per una nuova festa rock’n roll!


Matteo T.


Da Donington (UK) il report del giorno 2 del DOWNLOAD FESTIVAL 2015!


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ELBOW STRIKE – Planning Great Adventures Go Down Records
2015

Esiste una piccola grande band tra le innumerevoli pieghe dell’underground italico che si chiama Elbow Strike e che è la creatura di Chris T. Bradley, giramondo italiano (di mamma inglese) che ha fatto dell’esperienza su e giù per il globo la sua arte, assorbendo esperienze e sensazioni per poi tramutarle in gomitate ultraterrene da spartire a destra e a manca. La band nasce nel 2005 in Olanda, ad Haarleem, dove la prima formazione  pubblica l'EP She Can Destroy. Successivamente  Chris, grazie al singolo  White Bird In The Black Sand, intraprende un viaggio che lo porta nel 2007 fino a Los Angeles come ospite radiofonico. Vi rimane per tre anni nei quali nascono collaborazioni che lo porteranno a suonare con vari gruppi in giro negli States. A seguire, per altri tre anni, Chris decide di andare in Thailandia ed a Tokyo, dove trova l'ispirazione per dedicarsi alla stesura di questo disco: l’esordio esce per la  lungimirante Go Down Records. Il risultato è un melting-pot di stili ed influenze amalgamate finemente in un unico cratere grondante hard rock. Moderno? Sicuramente, ma sempre di hard rock stiamo parlando…c’è di tutto dentro il concept fantascientifico di Planning Great Adventures: stoner, post-grunge, hard psichedelico, southern rugginoso e blues onirico che profuma di entusiasmo e sincerità senza paraculaggini di sorta. Basti sentire l’opener Elbow Strike Mofos e la pacca che la band dimostra di avere: idee chiare e capacità di arrangiamento notevoli che la trasformano in una hit potente, ideale rampa di lancio dell’intero platter. La chitarra svela un feeling ed un groove fantastici che innalzano di una spanna tutto il lavoro. Cosmic Pleasure si addentra nei meandri degli anni novanta con suoni dilatati e lisergici che esplodono in un chorus inaspettato come una sberla in faccia Mommaiscookingchips inizia tribale e desertica per trasformarsi in un retro hard che puzza di anni settanta. Monster è hard nervoso che dibatte la coda cercando di uscire dalla gabbia. Arriviamo a Stoneman (guardatevi il video!) un hard blues ciondolante dalla ritmica avvolgente, puntellato da un coro ipnotico. Tokio Town è un inno d’amore alla capitale del Sol Levante, pezzo in cui l'atmosfera southern evidenzia anche le qualità melodiche della band. U.f.o. è rabbiosa, con un cantato “Clutch style”, per poi svelarsi in un ritornello praticamente sleaze, con tanto di campanaccio a dettare i ritmi. Pezzo che racchiude svariati stili, tuttavia l'impressione è che se fosse meno lunga sarebbe un singolo perfetto! La sezione ritmica pulsa e ansima dando nervo e fantasia: drumming mai noioso quello di Marco Mattietti su cui si impastano a meraviglia le corde di Simone Rosani. Waiting for the sun è la ballata che ti porta tra le roulotte dei sobborghi delle metropoli nord-americane… lo Scott Weiland d’annata ne sarebbe fiero! Ancora echi di Seattle nell’oscura We’re not alone prima di Winter Night, dark psichedelico a concludere il  viaggio tra luci giallastre di notte fonda.


Tirando le somme un ottimo esordio per una band poliedrica che presenta un lavoro d’impatto, ben scritto, ben prodotto e con sonorità, se non originali (qualcuno lo è forse ancora?), almeno amalgamate con gusto e cucinate a puntino, pronte per essere sfornate e gustate da coloro che non si fermano ai grandi gruppi ma mirano a scovare piccoli gioiellini confezionati ad arte. Attenzione però, mettetevi in posizione di difesa, pericolo gomitate da tutti i lati del ring!

Matteo Trevisini

MIKE TRAMP – Nomad 2015 Target Records

Non c’è storia… Mike Tramp, con la voce che possiede, riuscirebbe a smuovere il cuore e l’animo anche cantando la lista della spesa. Messi in soffitta (per sempre?) i suoi White Lion, Mike ormai si dedica a pieno regime alla carriera solista provando a far breccia nei cuori dei fans non solo con la melodia, ma anche cercando una profondità nei testi che lo faccia considerare un cantautore di spessore. Il caro Mike punta a questo registrando con regolarità album acustici o vagamente “sporcati” di elettricità, con echi west-coast da una parte e folk dall’altra, dando prima di tutto spazio alla forma canzone e prestando attenzione ai particolari e alle sfumature da dare ad ogni singola canzone. Questo "Nomad" è il nono solo-album  del bardo romantico danese e conclude così un’ipotetica trilogia cominciata con "Cobblestone Street" del 2013 e proseguita con "Museum"  dello scorso anno. E' quindi naturale che le coordinate stilistiche rimangano le stesse, a cominciare da "Give It All You Got": chitarre leggere come piume e una batteria che da il ritmo come il battito d’ali di una libellula. Tra questa melanconia, tuttavia, Mike alla fine infonde speranza recitando “You can’t give up, you don’t give up… you give it all you got". Assolutamente nulla di nuovo, ma è fatto deliziosamente bene e con massima cura! Mike sa quali corde toccare e si insinua proprio lì a smuovere la polvere! "Wait Till Forever" è un mid-tempo più hard rock con un hammond che tratteggia e colora ancor più le melodie autunnali fino a ricordare certe cose belle dei sempre poco compianti Freak of Nature. Ancora l’organo a riempire "Counting The Hours" che resta appesa ad un riff elettrico - “I’ve been looking for answers in the palm of my hand” - intona Mike alla continua ricerca del suo io. La splendida "Bow And Obey" dalla melodia sepolcrale, una nenia che in un mare di tristezza fa comunque vedere la luce alla fine di una strada tracciata da un folk senza tempo. La voce calda e sinuosa ci abbraccia ed avvolge anche in "High Like A Mountain" mentre "No More" è la canzone più frizzante e "radio friendly" dell’intero disco e ricorda certe cose fatte da Jesse Malin. E' inoltre l’unico testo politico e sociale che presenta Mike in questo lavoro. La sezione ritmica alle volte risulta troppo semplice da risultare banale, come in "Stay", ma non intacca il valore di un album vero come l’abbraccio di un amico. "Moving On" conclude l’album e la voce struggente di Mike dipinge un altro quadro dalle tinte abbozzate con l’onnipresente hammond a riscaldare l’animo come un caminetto in inverno… “Every mistake that I made in my life, all of the things that I didn’t realise, I’d never let in through this door”. Semplice semplice, ripeto, ma carico di feeling rurale e malinconico, ideale colonna sonora per una gita tra i boschi e le campagne sporcate di giallo e rosso dall’autunno. Maggior fantasia negli arrangiamenti avrebbe giovato a qualche brano ma è l’unico neo di un album godibile che presenta un Mike Tramp ancora in forma smagliante e ormai maturo alle redini della carriera. Certo il leone bianco è lontano, libero di correre nella savana e al momento non c’è bisogno di doverlo richiamare per chiuderlo nuovamente in gabbia…

Matteo Trevisini




Da Donington (UK) il report del giorno 1 del DOWNLOAD FESTIVAL 2015!


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TURBOWOLF - Two hands
Spinefarm Records   2015

Ma di quale tipo di droga misteriosa fanno uso i Turbowolf??? Cosa fumano questi pazzoidi di Bristol??? Non ci è dato sapere ma qualunque sostanza – naturale o sintetica che sia – ha fatto un gran bene al cervello di questi allucinati! Usciti dal ricco calderone underground inglese con il primo omonimo album nel 2011 e subito incensati dalla critica d’oltre Manica con recensioni altisonanti ed interviste esclusive su Kerrang! e Metal Hammer arrivano a pubblicare, quattro anni dopo, il secondo album tra fanfare e trombe che annunciano il Giudizio Universale.
Niente di tutto ciòtu per carità, solo la solita stampa inglese tanto patriottica quanto poco incline al giudizio oggettivo. Questo Two Hands non salverà le sorti del rock ma vi farà passare comunque una buona mezzora dentro l’albero di Alice nel Paese delle Meraviglie! Perchè questo è: un vortice caotico di generi, a tratti anche mescolati con grazia tossica, tra rock & roll, psichedelia, classico stoner, punk rock e elettronica, di tutto un po’ insomma! Ma questo Vaso di Pandora contenente blob informe riesce a far fuoriuscire un disco di sorprendente originalità e frizzante energia: ascoltare per credere! Chitarre fuzzy e riff circolari sopra i vocalizzi spiritati di uno scatenato Chris Georgiadis. Andatevi ad ascoltare le bombe sonore Rabbit's Foot oppure Good Hand e ditemi se non sono delle canzoni deliziosamente da incubo post atomico… sembra che la III Guerra Mondiale stia per scoppiare tra suoni pompati ma ipnotici e testi complottisti, ma chiaramente antimilitaristi. Il flipper impazzito della band spara la pallina tra umori sabbathiani ma col groove che ricorda i Clutch ed un elettrizzante quanto intelligente patchwork sonico dal retrogusto punk rock! Incasinati? E pensate che tutto questo delirio vi farà ugualmente innamorare dei Turbowolf. Provate a dormire tranquilli dopo American Mirrors questa notte, se ci riuscite! Avete visto i video di Solid Gold o quello di Nine Lives, ditemi voi se non ho ragione! Siete ancora qua a leggere? Dateci un taglio e schiacciate il tasto “play” e… salutatemi il Bianconiglio!

Matteo Trevisini



BACKYARD BABIES - Four By Four Gain – Sony Music 2015

Diciamolo subito e non ci pensiamo più: non ci voleva tanto a riprendere in mano le redini dei Backyard Babies dopo sette anni e incidere un nuovo album. Nicke Borg e Dregen hanno di fatto approfittato di una pausa delle rispettive carriere soliste, ripreso a bordo i due desaparecidos (Johan e Peder) e raffazzonato ben nove pezzi che di certo faranno fatica a entrare in una ipotetica scaletta per le imminenti date del tour. Perché alla fine arriviamo sempre lì. Il disco oramai è solo il pretesto per imbracciare armi e bagagli e guadagnare qualche soldo suonando in giro, vendendo qualche maglia in attesa di un nuovo giro (album solista, band nuova, collaborazione…). Dobbiamo farcene una ragione e prendere per buono quello che arriva. Il nuovo “Four By Four” si presenta con una copertina a mio parere meravigliosa e spara in apertura il meglio di sé. Il campanaccio di “Thirteen Or Nothing” è irresistibile, “I’m On My Way…” rientra nei classici canoni BB, con un drumming tirato e cori punky a palla, esattamente come la successiva “White Light District”, vetta artistica dell’intero lotto. Per quanto mi riguarda l’ascolto si ferma qui. La nenia di “Bloody Tears” ti costringe a prenderti una pausa (di riflessione?) e a skippare alla successiva “Piracy”, discreta, prima di arrendersi totalmente all’ascolto di “Never Finish Anything” e mollare la presa. Sia chiaro, io sono contento che i quattro siano tornati in pista ed ho una gran voglia di andare a vederli a Trezzo il prossimo mese. Resta il fatto che 15/16 euro per prodotti del genere cominciano a diventare davvero troppi e non biasimo chi punta ad un “passaggio gratuito” di lavori concepiti senza anima e ascoltabili una, al massimo due volte.
Take care.

Alessio C.



FM - Heroes And Villains Frontiers Records 2015

Ci sono bands che pur brillando di luce propria, una brillantezza potente e cristallina, non sono mai riuscite a sfondare nel mercato mainstream venendo relegate dalla sfortuna, dalle vicissitudini e dall'ingiustizia in un angolo polveroso della soffitta. Un classico esempio di questo vergognoso volere divino sono gli FM. La band di Londra è sempre stata troppo americana per il mercato inglese e troppo inglese per il mercato americano trovandosi così a metà del guado quando serviva sfondare su entrambe le coste dell'Atlantico. Gli anni '80 sono passati così, tra album strepitosi in mezzo ad un mare (pardon... ad un oceano per rimanere in tema) di occasioni perse, porte in faccia ma anche qualche soddisfazione, seppur effimera. Dal 1984 al 1995 la band dei fratelli Overland le tentò tutte per avere la visibilità meritata: dischi superbi, tra cui le gemme "Tough It Out" ed il più grezzo "Takin' It To The Streets" guadagnarono ottime recensioni ma null’altro, tante pacche sulle spalle ma zero boom commerciale, fino all'ottimo "Dead Man's Shoes" del 1995, uscito in piena era grunge, che diede il colpo di grazia tanto che la band decise di sciogliersi. Il 27 ottobre 2007 al Firefest di Nottingham gli FM, a gran richiesta, sono tornati dando vita ad una seconda giovinezza fatta di tour e altri grandi dischi sempre al di sopra della media, grazie a quella classe che li ha sempre contraddistinti. Messi sotto contratto dalla Frontiers (e ciliegina sulla torta la prima calata italiana della loro storia al secondo Frontiers Rock Festival) esce così in pompa magna il loro nuovo album. Con "Heroes and Villains" però stiamo parlando di altro. Non è un album di hard melodico nostalgico per tentare di tenere vivi i fasti di un passato troppo lontano, bensì un album vivo, che pulsa di canzoni ottime e profuma di fresco e vitale come non mai. E' un album che si affianca ai capolavori dei tempi che furono con la consapevolezza che gli FM mai si siano seduti sugli allori per pubblicare, oggi, un pugno di canzoni che calzano a pennello con le produzioni degli ultimi anni. Gli FM centrano l’obiettivo che ai Def Leppard manca da venticinque anni. Fatevi il favore di ascoltare "Digging Up The Dirt", il brano d’apertura nonché primo singolo, vi sfido a trovare un recente brano dei Lep di Joe Elliott migliore. Ora che ci penso, però, il confronto non regge: cancellate le ultime righe perché gli FM non meritano di essere paragonati a nessuno perché sono sempre stati riconoscibili. Merito, soprattutto, della voce calda e bluesy di Steve Overland, uno che - in barba agli anni che passano – sfodera una prestazione da far invidia persino a Mr. Paul Rodgers (...e ancora maledizione a questi paragoni!). "The Best Thing About Me" stringe il cuore con il suo romanticismo mai di maniera ed il chorus che esalta una melodia stellare. Il disco non presenta cali, anzi canzoni come "Life Is A Highway" e "Fire & Rain" hanno proprio tutto quello che serve! Melodia, testi mai banali ed un feeling unico ed un plauso va anche alle chitarre di Jim Kirkpatrick. Ciò che stupisce, ribadisco, sono proprio la caratura e la qualità di ogni singolo brano, mai un cedimento o un momento poco ispirato. A tal proposito basta ascoltare la sensazionale ballad "Incredible": chi è quel fesso che dopo l'ascolto avrebbe ancora coraggio di dire che l’hard rock oggi abbia già detto e dato tutto? Le pompate "Call On Me" e "Cold Hearted" fanno apprezzare il lavoro in cabina di regia: suoni cristallini a regalare ulteriori sfumature allo sfaccettato gioco dei chorus. Ed ancora potenti e cromate sono "Shape I’m In", la sculettante "I Only Want To Rock & Roll" fino alla splendida "I Want You". Se bands come gli FM continueranno a sfornare dischi di questo livello la nostra bramosia non patirà mai la fame ma anzi le nostre orecchie ed i nostri cuoricini romantici resteranno belli pasciuti per lungo tempo!

Matteo Trevisini



F. F. S. (Franz Ferdinand Sparks)
Domino Recordings
2015


Il vecchio Bangs diceva (più o meno) che si deve scrivere della nuova uscita della band già pluriosannata come se non avesse un passato, quindi anche senza conoscerne alcunchè. C'è giusto da stare un attimo più accorti. Dei Franz Ferdinand me ne parlò StEvE (uno che non mi legge, quindi non mi querelerà per abuso del nome) anni fa (un paio dopo il 2000), lui che su queste bands arriva sempre tra i primi, se non per primo. Ovviamente misi le sue raccomandazioni in coda, sbattendomene. Mica è uno che capisce di musica, lui. E' ragionevolmente probabile sia questo l'approccio ai consigli d'ascolto/acquisto che reciprocamente negli anni ci siamo scambiati. Però mi ricordo (quasi) sempre tutto quello che (alcuni) mi segnalano. Non so (praticamente) nulla dei Franz Ferdinand, non avevo un loro disco fino a due settimane fa, avevo messo il naso in qualche video, li vidi però live alla tv anni fa ospiti del David Letterman Show. Che il buon David, battute (clamorose) a parte, in studio ha sempre anticipato le mode in musica (e non solo) perchè se uno va al Letterman vuol dire che è arrivato in cima o ci arriverà di lì a poco. Giusto i Bat For Lashes forse non se li sono cagati in tanti, ma insomma pure di questi venni quantomeno a conoscenza così (...e non sono mica male a dirla tutta). Recentemente è uscito FFS, For Fuck's Sake secondo alcuni, ma per me è solo Franz Ferdinand Sparks. Sarebbe? Sarebbe che i Franz Ferdinand (scozzesi) si sono messi assieme al duo degli Sparks di Los Angeles per questo progetto datato 2015. Gli Sparks nascono nel 1971, hanno una discografia lunghissima alle spalle e sono genericamente incanalati nel filone glam rock (ragionevolmente tra i primi!). Li conoscevo di nome, un pezzo lo si trova in molte di quelle orrende compilations di glam rock che andavano "di moda" vent'anni fa (se non sono trenta). Stranezza di una band americana che suonava più inglese degli inglesi (un po' come i The Killers, per capirsi). Ho partecipato al concerto degli FFS all'Home Festival di Treviso il 3 settembre perchè il prezzo del biglietto era basso (con 18 euro ti potevi anche vedere in apertura dei modesti, ma osannati, Interpol ed un ottimo Jack Savoretti) e perchè c'era aria di concerto di band che "va vista adesso, al top della forma". Dal vivo sono stati realmente avvincenti ed ho così scoperto che questi Franz Ferdinand vantano in formazione almeno due fuoriclasse e mezzo (Alex Kapranos e Nick McCarthy sicuri, ma anche Paul Thomson) ed un quarto (il bassista Bob Hardy) apparso un po' defilato. Il fatto è che sul palco c'erano anche i fratelli Mael (gli Sparks, per capirsi) nei nomi di Russel, quello dal riconoscibile falsetto, e Ron, il "nazista" alle tastiere, uno che un po' di scena la ritaglia per sè. Oggi che posseggo il cd (direttamente la limited, per pochi spicci le canzoni in più sono ben quattro) degli FFS c'è da dire che pezzi come i singoli "Johnny Delusional", "Piss Off" o "Call Girl" (ma direi tutti) sono penalizzati dal formato fisico, mentre acquistano una bella carica live (cosa che non vale per gli Interpol, per i quali è ben vera la regola opposta) ed il merito non può quindi che attribuirsi alle capacità dei musicisti. Il mio pezzo preferito rimane "Dictator's Son" mentre uno che comunque va alla grande è "The Man Without A Tan". New wave eighties in "So Desu Ne" e ancora ottimo mix di FF e Sparks lungo "Collaborations Don't Work" (già il titolo funziona) e "Save Me From Myself". E' un bel disco per chi apprezza il rock inglese sporcato di glitter tardo settantiano, io sono partito proprio da qui. Dopo un paio di giorni però ho recuperato anche "Right Words, Right Thought, Right Actions". Ora non mi resta che prepararmi alla sarcastica romanzina ("non sai niente") di StEvE...


Walter B.

URIAH HEEP in concerto
Lignano Sabbiadoro (UD), Arena Alpe Adria - 31/07/15



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DIMINO Old Habits Die Hard Frontiers 2015

Se vi capita di leggere artista e titolo di quest’ album e pensare alla salumeria di Mino che avete sotto casa, quella che vende la coppa più buona del vostro rione, avete sbagliato strada! Dovete mangiarne di polenta prima di definirvi esperti di rock. Il consiglio che vi posso dare è prendere il primo volume dell'enciclopedia del rock e guardare alla lettera A, sfogliare febbrilmente le pagine e trovare gli Angel, band americana di fine anni settanta, presi sotto contratto dalla Casablanca per farli diventare l'antitesi dei leggendari Kiss, principale introito della casa discografica di Neil Bogart. La band di Washington DC era molto, ma molto, di più che solamente il lato “bianco” e paradisiaco dei più demoniaci Kiss, era una fenomenale macchina che generava uno dei più celestiali pomp-rock del suolo americano. Solo che a parte qualche fugace apparizione nelle charts il successo (come lo intendevano i discografici, ergo dollari!) non arrise e la band di Gregg Giuffria si sciolse nei primi anni Ottanta per entrare direttamente nella storia con album seminali come Helluva Band, On Hearth As It Is In Heaven (titolo emblematico!) e il più commerciale White Hot. Di quella band il cantante e membro fondatore era Frank Dimino, voce possente e ricca di pathos che, dopo lo scioglimento spariva inesorabilmente dai radar ricomparendo ogni tanto solo quando gli Angel tornavano nei negozi con qualche antologia o qualche estemporanea reunion. La “nostra” Frontiers è riuscita nella titanica impresa di scovare il buon Frank che ormai vive da anni a Las Vegas ed a costruirgli a tavolino il primo disco solista grazie all’aiuto di molti colleghi e amici. Ma non temete, Old Habits Die Hard non è stato registrato solamente per le paradisiache orecchie dei fans sfegatati dell’ ”Angelo” ma, anzi, sarà una piacevole sorpresa per molti che si accosteranno per la prima volta a questo singolare personaggio italo-americano. Gli ospiti non sono di poco conto se si parla di Oz Fox (degli Stryper), Paul Crook (ex-Meat Loaf), Eddie Ojeda (dei Twisted Sister), Rickey Medlocke (ex-Blackfoot ed ora con i Lynyrd Skynyrd) e perfino Punky Meadows (suo band mate negli Angel!). L'album rappresenta una bella sorpresa pur non portando nulla di nuovo (…e ci mancherebbe!) ma le canzoni sono di livello e scorrono piacevoli regalando più di qualche sorriso. Il primo gruppo che viene in mente? Sicuramente i Deep Purple di Ian Gillan dove l’hammond va a riempire con gusto gli spazi vuoti e la voce stessa di Mr. Dimino ricorda, in alcuni frangenti, quella della storica Mark II del “profondo porpora”. Le corde vocali reggono molto bene sia sull’hard rock scarno di Never Again o di Rockin’ In The City, sia su una ballata più corposa come la notturna Even Now (ritornello da brividi!). Tonight’s The Night sembra uscita dal catalogo sguaiato degli Hanoi Rocks, che deliziosa stranezza! La chiusura è invece affidata al blues di Stones By The River dove si evidenzia la versatilità e l’esperienza della voce di Frank. E' un album poliedrico che passa da un genere all’altro mantenendo però ben saldi gli stivali negli anni settanta, merito di atmosfere calde e corpose che sapranno dare un po’ di refrigerio agli appassionati che avranno il coraggio di scoprire un disco di nicchia fatto con classe, esperienza, bravura e feeling. Basteranno? Intanto incrociamo le dita nella speranza che sia lui uno degli ospiti del prossimo Frontiers Rock Festival. Il resto si vedrà…

Matteo Trevisini


La Bella Estate Festival (EDDA, UMBERTO MARIA GIARDINI...)
Belluno - 26/29 Agosto 2015


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THE DARKNESS – Last Of Our Kind
Kobalt Label Services
2015

Ma guarda cosa ti combinano Justin Hawkins e compari! Tirano fuori dal cilindro un disco, al quarto tentativo, che forse - e dico forse - è il migliore della loro carriera! Giunti al secondo album dalla reunion, tra l'entusiasmo dei fans inglesi, del 2011 dopo il modesto "Hot Cakes" ci riprovano con questo "Last of our kind" che esce a breve distanza dalla pubblicazione di "Open Fire", il primo singolo già in "heavy rotation" nelle maggiori radio di settore europee.In questo disco i nostri hanno trovato finalmente la quadratura del cerchio per essere considerati una band seria e di talento e non solo la copia del nuovo millennio degli Spinal Tap. I Darkness sono sempre esagerati, roboanti e ridicoli nella loro ironia, tipicamente “english”, di non prendersi mai sul serio pur facendo le cose esattamente al contrario ovvero in modo dannatamente serio! Questo è un disco dove tutto è focalizzato con massima cura e nulla è lasciato al caso;  la cosa che stupisce ancor più è leggere che il “mastermind” dietro alla perfetta produzione sia proprio il chitarrista Dan Hawkins! "Barbarian" è l’opener che migliaia di bands sognano di scrivere una volta in vita ed è il personale tributo all’Immigrant Song di Zeppeliniana memoria… epica, profonda, ruggente e con un Justin che va a competere con le urla di guerra di Robert Plant. Seconda gemma la già citata "Open Fire" che inizia con un plagio lampante di "She Sells Sanctuary" dei Cult per poi trasformarsi in una canzone dal chorus sfavillante. Sembra incredibile ma il falsetto di Justin in tutto il disco è tenuto a freno e posizionato nei punti giusti senza risultare mai fuori luogo o fastidioso come capitato più volte in passato. La fluidità generale che fa scorrere il disco senza nessun calo è lampante e sembra di avvertire sotto i mustacchi da hipster le risate di un Justin Hawkins riuscito, dopo anni di droghe, vizi e corse ai piedi di un burrone scuro e profondo, a far ripartire il bolide più potente di prima. Basta con produzioni pompose al limite del kitch ed arrangiamenti tronfi e roboanti: in questo disco l’asticella è stata tenuta debitamente bassa dando spazio a suoni secchi e ritmiche grazie ai quali a brillare è la title track, semplice ma efficace vera gemma del platter, con un chorus che ne fa brillare la genialità di scrittura. "Wheels Of The Machine" è suadente mentre "Hammer & Tongs" è semplicemente rock con la “R” maiuscola… "Roaring Waters" ha una struttura non perfettamente allineata e la rende non facile da assimilare ma è un’ombra istantanea. L’album infatti scorre leggero ed a stupire è la ricerca vocale di Justin: non più solo urla e falsetti ma molto altro, una gamma che mette in risalto la maturità tecnica del funambolico leader. "Sarah O’ Sarah" è uno splendido esempio di solare clima bucolico da picnic su un verde prato inglese. Non ci sono più solamente gli Slade, i Queen e gli AC/DC nelle coordinate di una band che pare aver trovato il suo habitat naturale e, soprattutto, personale. Un plauso al lavoro dietro le pelli della brava e bella Emily Dolan Davis che – a sorpresa – a già lasciato la band venendo sostituita da Rufus Taylor, figlio di Roger storico drummer dei Queen (la quadratura del cerchio per i Darkness che hanno sempre avuto a cuore la band di Freddie!). Justin canta nella title track:“When the arrows fall like rain We'll survive and rise again We are the last of our kind”... arrogante, come sempre, ma probabilmente sincero. I Darkness sono sopravvissuti e sono soprattutto risorti come una fenice. Lunga vita agli ultimi della loro specie!

Matteo Trevisini



SAMMY HAGAR & FRIENDS

Frontiers Records
2013

Gli americani hanno un modo di dire per definire uomini come Sammy Hagar - “Larger than life” - un personaggio fuori dal normale e che trascende il personaggio da lui stesso creato: nato povero, con un padre pugile ed alcolizzato si è fatto da solo nel vero senso della parola. Sì lo so... mi sveglio solo ora ma questo è il classico album che finisce nel mucchio, in mezzo a tanti altri e non si ha mai voglia di inserirlo sul piatto perchè c'è sempre qualcosa che attira di più, la novità oppure la band “cool” sulla bocca di tutti, mentre questi tipi di album prendono ingiustamente la polvere sugli scaffali, in disparte. Il Red Rocker ha sempre avuto il tocco di Creso in tutto quello che ha fatto… sempre! Fortuna? Trovarsi nel posto giusto al momento giusto? Intraprendenza? Può essere, ma sotto il suo sorriso a mille denti bianchissimi e ad una simpatia a dir poco contagiosa ci sta un uomo con due palle grosse e potenti tanto quanto le sue corde vocali d’acciaio. Dal nulla è diventato negli anni ’70 il cantante dei Montrose, prototipo di super gruppo di hard rock americano tutto bave alla bocca e zero fronzoli. Lasciatisi in malo modo ecco spuntare una carriera solista di successo che spara il biondo californiano nelle charts a stelle e strisce. Già qui un curriculum di tutto rispetto ma ecco che nel 1985 arriva la chiamata dei fratelli Van Halen orfani di Diamond Dave. Che fare? Rischiare un fiasco o continuare nella più edificante e remunerativa carriera solista? Sammy, da buon avventuriero, non ci pensa due volte e accetta portando ripetutamente i Van Halen (ehm… pardon!I Van Hagar) al primo posto di Billboard (cosa mai riuscita alla band in precedenza). Ma anche questo idillio si rompe e Sammy torna alla carriera solista. In parallelo pensa bene di sfondare nel mondo del business fondando un brand della ristorazione (Cabo Wabo Cantina) e vendendo milioni e milioni di bottiglie della sua personalissima Tequila (lui stesso in svariate interviste ammette, divertito, che ha guadagnato più dollari con queste due attività che come vocalist!). Evidentemente non pago, insieme ad un paio di amici come Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Michael Anthony (Van Halen) e Joe Satriani mette su i Chickenfoot e che succede? Anche qua due album notevoli, tours in tutto il mondo... insomma ancora un centro quasi perfetto!). Siete convinti con me che effettivamente abbia il tocco del re Creso? Tutto quello che Red Rocker tocca diventa oro fino! E che ti combina ora il nostro Sammy? Decide di mettere su un progetto che puzza, mal che vada di divertissement e ben che vada di festa tra amici, per raggranellare qualche dollaro e sentirsi ancora giovani celebrando il passato, circondato da amici famosi e (magari) annoiati. Uno va a pensar male da subito ma è qua che ci si sbaglia... e di grosso! Sammy Hagar & Friends è un gran disco. Contiene belle canzoni, sonorità che spaziano dal country all'hard rock, dal blues a ballate dal flavour caraibico e raccoglie una valanga di ospiti felici di dare una mano al vecchio amico. Il tutto è permeato da una evidente atmosfera rilassata e sincera: questo il merito di un disco che non inventa nulla ma fa venir voglia di rimetterlo su appena finisce. Covers, pezzi inediti scritti da Hagar di suo pugno o altri regalati da colleghi come la bellissima "Not Going Down", scritta da Jay Buchanan degli immensi Rival Sons. La lista di musicisti fa venire la pelle d'oca, a cominciare dalla chitarra di Taj Mahal nell'iniziale "Winding Down". Ma ci sono anche Joe Satriani e la voce roca di Kid Rock in "Knockdown Dragout", il brano più energico del lotto. Quello che lascia basiti è la cover di "Personal Jesus" dei Depeche Mode trasformata in un caldo gospel blues con tanto di cori femminili... immensa! Ma le sorprese non finiscono qui ed ecco sbucare un duetto nella dolce "All We Need Is An Island" con Nancy Wilson, storica voce delle Heart. La voce di Sammy torna a lidi a lei più consoni con il rock'n'roll vecchio stampo di Bob Seeger "Ramblin’ Gamblin’ Man" che alza la polvere del sud per tutta la durata o ancora "Bad On Fords And Chevrolets" di Ronnie Dunn. "Margaritaville" ci fa volare sulla spiaggia di Cabo Wabo al tramonto con un cocktail in una mano ed una bella bionda nell'altra ovvero la vita che il buon Sammy ormai fa da anni, mica male no? Vecchia volpe rossa! Un disco leggero ma dissetante e rinfrescante che va giù tutto d'un fiato lasciando un'euforia alcolica che ti fa da subito schiacciare “play” un'altra dannata volta! Suonala ancora Sam!

Matteo T.

Il report del concerto dei TOTO a Ljubljana, 02 Luglio 2015


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SCORPIONS – Uragano Tedesco
Martin Popoff
Tsunami Edizioni

Nella labirintica Babele dell’editoria musicale dei nostri giorni dove si trovano – tra biografie e tomi fotografici – pagine e pagine di ogni singola band che abbia calcato i palchi dalla nascita del Rock’n roll mancava proprio un libro che raccontasse le gesta della band tedesca di Klaus Meine e di Rudolf Schenker. L’avvincente storia di un manipolo di hippies adolescenti della periferia di Hannover che – colpo su colpo e passo dopo passo – ha scalato la vetta dell’olimpo del rock arrivando a quel firmamento a cui solo i miti possono ambire: un traguardo ancora più prestigioso poichè, schiacciati dall’egemonia inglese e americana, è stato raggiunto col talento e quella dose di perseveranza ed ostinazione tipicamente “tetesche”. Questa responsabilità, nonché l'indubbio fardello di essere il primo a cimentarsi nell'avventura, se l’è assunta il giornalista canadese Martin Popoff: un nome già conosciuto e stimato e con una lunga e prestigiosa carriera alle spalle. Martin ha scritto per svariate riviste Metal e Hard Rock  e possiede – a sua firma – una notevole bibliografia di saggi e libri musicali in oltre quarant’anni di stimata carriera. "Uragano tedesco" è una fedele ricostruzione della storia della band dai primi anni sessanta quando in Germania Ovest nasceva una nuova generazione di giovani che voleva dimenticare l’incubo della Seconda Guerra Mondiale e chiamarsi fuori dai sensi di colpa di una nazione divisa ed ancora sotto l’ombra (e l’onta) del peso di essere il popolo che ha fatto nascere e nutrito Hitler ed il Nazionalsocialismo. I nuovi modelli e mode giovanili non faticavano ad arrivare grazie alla moltitudine di basi americane sparse nel paese e la nuova musica veniva diffusa dalle onde radio libere. I fratelli Schenker formarono un complessino per scimmiottare le facili melodie beat della British Invasion e proporle alle feste scolastiche o nei locali alla moda della città. Anni di esperienze e cambi di formazione fino all’arrivo del cantante Klaus Meine, l’anello mancante nella testa di Rudolf per spiccare il volo verso lidi hard rock. Il libro è ricco di interviste e di aneddoti soprattutto grazie alle parole di un scatenato Uli Roth. Quello che invece non va è nella stesura generale dove stralci di interviste e concetti si ripetono fastidiosamente facendo incespicare il lettore e non rendendo la lettura fluida e rilassata, facendo quasi venir voglia di saltare qualche pagina. Peccato perché di storie interessanti i nostri crucchi ne avrebbero da raccontare: dalle sparate di Herman Rarebell, orgoglioso dispensatore di raccontini hot tra droghe e groupies, alle epiche bevute dei due fratellini Schenker che hanno portato però Michael più volte a “sbarellare” completamente abbandonando – ad esempio - la band poche ore prima di un concerto a Parigi per fare un giro in moto… in Spagna! Tutti i protagonisti che sono passati nelle line-up degli Scorpioni trovano spazio per esternare il loro punto di vista e raccontare i vari periodi della band, da solida band di hard rock europeo a formidabile macchina sniffasoldi (...e anche qualcosa altro) sul suolo americano. Ogni disco viene analizzato dall’animo recensorio di Popoff che scandaglia, traccia per traccia, i capisaldi della band dal seminale Fly To The Rainbow ai top seller Blackout  e Lovedrive. Uno spettacolo live che negli anni ottanta non aveva uguali e che ogni rockettaro americano che si rispetti bramava di fare proprio. C’è spazio anche al terzo cambiamento della band: da band Heavy Metal e perseguita dal PMRC ad ambasciatori della pace e della libertà tra i popoli grazie ad un altro campione d’incassi come Crazy World e l'inno Wind of Change, il cui fischiettio lo hanno sentito le orecchie di tutti, anche coloro che col rock non centrano nulla. Comunque sia, a parte qualche periodo grammaticamente discutibile ed i soliti concetti ripetuti più volte, quello che c’è da sapere c’è. Le immortali ballads? Ci sono. I riff granitici? Ci sono. Quindi, in mancanza d'altro, la biografia colma comunque un vuoto editoriale. Peccato perché, con un correttore di bozze meno disattento, il lavoro ne avrebbe giovato.

Matteo Trevisini


THE WANKERSS - Blackborn Jetglow Recording
2015
Hanno fatto le cose in grande i quattro “padovani” con il nuovo Blackborn, album che li riporta sulla scena dopo un lustro. Mica poco in un mondo (quello musicale) che sembra oramai fagocitato da un vortice di novità che sempre da lì parte per sperimentare i suoi meccanismi più infernali. La musica, nel suo insieme, sembra rappresentare la forma artistica più aperta alle novità tecnologiche che affascinano sì per il potere devastante che rappresentano, ma che a loro volta finiscono per relegare il ruolo dell’artista ben oltre l’angolo. La produzione in prima persona sembra essere oramai l’unica via di scampo e l’offerta di supporti materiali “in controtendenza” una mossa che sta sortendo i primi frutti. Spotify si appropria della nostra opera? Bene noi andiamo alla ricerca del vero amatore del suono, colui che ancora oggi annusa l’inconfondibile odore del vinile, delle copertine, delle foto e possibilmente dei testi acclusi. Sì ma qualcosa sul nuovo CD dei Wankerss? Il doppio LP arricchito di bonus? La collaborazione con Kory Clarke, nata seguendolo come backing band? Mi riprometto di sentire a breve i ragazzi sulla nascita e lo sviluppo di questo lavoro, che tanto mi sa di concept. Le 12 tracce sono divise in quattro tronconi denominati ognuno con il nome di una legione romana dall’attacco (in tutti i sensi) di “And The Legion Goes..” alla fine (in tutti i sensi) di “476 AD”, anno in cui è caduto il glorioso impero romano. Le liriche sono cupe, i suoni neri come la pece. Se il precedente “Tales For…” era contaminato di Turbonegro (quelli di “Ass Cobra”) e di tanto scan rock, qui i nostri fanno un passettino oltre, verso l’oscurità. Io ci sento il (death) punk e l’inquietudine sonora dei norvegesi Silver e dei fratellini minori Molotov. Con alcuni distinguo però. Mentre i nordici ampliavano (uso il passato, visto che le sue band sono oramai defunte) un lato quasi glamourous i nostri sono più belligeranti. Il rigore dei timpani di “Blackborn”, le intricate partiture di “Feast Or Famine”, le armonie più ariose di “Soaked”. Pugni sullo stomaco mitigati da piccoli buffetti, quasi carezze, caratterizzano tutto il disco in modo uniforme e va dato della bontà di un prodotto di respiro internazionale. Non c’è tempo per dormire! Non c’è tempo per amare! Ecco i legionari del nuovo millennio!
Alessio C.

ACE FREHLEY – Senza Rimorsi, Memorie Rock’n Roll Chinaski Edizioni

Senza rimorsi? Effettivamente Paul “Ace” Frehley, classe ‘51 dal Bronx, di rimorsi non ne ha mai avuti… mai. Ha sempre vissuto con il pedale dell’acceleratore schiacciato fregandosene delle conseguenze, in puro stile rock’n roll insomma. Miracolato più e più volte ha la fortuna di essere ancora vivo e vegeto per potercelo raccontare nella sua autobiografia che esce, in Italia, per la Chinaski. Diciamocelo chiaramente… come ognuno ha il suo super eroe preferito così ognuno ha il suo Kiss preferito, fin da piccoli. Spaceman è uno dei Kiss più amati, per la sua simpatia travolgente, per la sua pigra cialtronaggine, ma soprattutto per il suo talento grezzo che negli anni ha regalato riff memorabili e dannatamente carichi di feeling lanciandolo in orbita (è proprio il caso di dirlo!) tra gli immortali della sei corde. “E’ tempo di andare e prendere un’altra bottiglia dietro l’angolo al negozio di liquori, mi accontento della roba più economica per rimettermi in piedi” sono versi di "Cold Gin", uno dei pezzi più noti scritti da Ace, pezzo che rispecchia in tutto e per tutto il suo modo d’essere. Ace racconta di aver sempre avuto bisogno, sia per vincere l’innata timidezza nel socializzare che per andare on-stage, di un "paio" di lattine di birra... quantità che col passare del tempo si è trasformata in "tante" lattine… "troppe" lattine, alle quali si aggiunta la polvere magica, capace di rendere tutti più simpatici ed interessanti, per vivere una vita da rockstar a mille senza bisogno di pit stop. Ma, come per tutti peraltro, se il conto è arrivato più tardi (di altri) è arrivato però salatissimo. Ace pare sincero nel raccontare gli anni della gavetta nei Kiss, quando erano una vera band, uno per tutti e tutti per uno alla ricerca del successo battendo ogni centimetro d’America stipati in scassatissimi furgoncini. Gli anni del successo dopo il trionfo di "Alive!", le notti passate a far bisboccia, aneddoti pepati sulle notti delle rockstars anni settanta, l’amicizia folle con un altro “maledetto” dello show business come John Belushi, le corse in auto inseguito dalla polizia (per non farsi pizzicare brillo al volante!), il rapporto contraddittorio con i compagni di band. Pur dipingendo Gene Simmons come una persona arida e avida non lo “sputtana” anzi in vari punti si scorge tutto l’affetto che prova per lui nonostante le cattiverie perpetrategli dal demone linguacciuto. Prima di leggere il libro cercatevi su YouTube la video-compilation delle risate di Ace: sì, avete capito bene, delle sue risate. Uniche e contagiose le tira sempre fuori nelle interviste, specie per addolcire gli animi professionali (e finti) di Gene e Paul e gridare al mondo: “Hey… siamo solo una fottuta band di rock’n roll”. Da segnalare il capitolo in cui racconta della intervista televisiva al programma Tomorrow di Tom Snyder della NBC dove rubò la scena facendo scoppiare i presenti in un accesso irrefrenabile di risate mentre Gene lo fulminava con occhi di ghiaccio! Indimenticabile lo scambio di battute con il presentatore che gli chiede se lui sia "veramente" un uomo spaziale dato il costume...  Ace, serio, gli replica che "veramente" lui sarebbe un idraulico! Un libro che va giù tutto d’un fiato, come un buon bicchiere di whiskey, anzi no, per questa volta facciamo di gin! Vi ritroverete ubriachi di curiosità ma anche di buonumore perchè alla fine questa pazza storia, tra alti “altissimi” e abissi di perdizione, ha un finale positivo: Ace ce l'ha fatta a sopravvivere a tutti i folli giri di giostra.

Matteo T.


MARK SLAUGHTER – Reflections In The Rear View Mirror Escape Music
2015

Da quanto tempo Mark Slaughter non incideva la sua meravigliosa ugola su un qualsiasi supporto discografico? Comparsate e tributi a parte, se il mio cervello non fa cilecca, stiamo parlando dell'ultimo album ufficiale degli Slaughter stessi, ovvero quel "Back To Reality" datato anno 1999. Ovviamente le aspettative e la curiosità erano alte dopo le news dello scorso dicembre sulla pubblicazione del primo album solista. Chiariamo subito che ci si aspettava di più dal vocalist di Las Vegas: dopo il primo ascolto aleggia una sensazione dolce-amara di occasione mancata. Naturalmente non è tutto da buttare e qualche bel pezzo c'è anche se l'originalità latita e soprattutto gli arrangiamenti dei pezzi sono obsoleti e, specie nelle ballads, alquanto stucchevoli. Nemmeno l'aver affidato al guru Michael Wagener la produzione ha giovato alla qualità. Si parte comunque bene con "Away to go", degno inizio con coretto malandrino che rimanda a certo hard rock schietto anni settanta. "Never givin'up" è un torrenziale standard di tutti i clichè anni ottanta ma il coro killer sembra un outtake dei Vinnie Vincent Invasion... promosso! La qualità è discreta ma frulla nel cervello un senso di incompletezza che rovina un voto finale che poteva (…e doveva) essere più alto. Si può sorridere in "Carry me back home", dal retrogusto country, oppure in "Velcro Jesus" dove Mark ruggisce come non mai ma in mezzo ecco il duetto di "Don’t turn away" che sembra uscita dal repertorio di Celine Dion! E’ evidente che Mark ha fatto da padre e padrone a tutta la lavorazione dell' album (suonandoci perfino tutti gli strumenti, batteria a parte) e probabilmente anche lo stesso Wagener non ha avuto diritto decisionale all’interno del progetto: pesa soprattutto la mancanza dell’occhio di lince di Dana Strum e di tutta la sua esperienza nel costruire le giuste geometrie. Pur dopo sedici anni di attesa quest’album è già destinato al dimenticatoio. Peccato perché una maggior cura avrebbe giovato al complesso donandogli freschezza e – alla fine dei conti – vita più duratura.

M. Trevisini



NELSON – Peace Out

Frontiers
2015
 
Esce il secondo capitolo della reunion dei gemelli Matthew e Gunnar Nelson dopo il buon “Lightning Strikes Twice” del 2010 che ci aveva fatto ritrovare i figli di Ricky Nelson in piena forma. Un album che, tuttavia, non raggiungeva i picchi dell’inarrivabile "After the rain", l’album d’esordio che nel 1990 li aveva catapultati in vetta alle charts USA in brevissimo tempo grazie al singolo “(I Can't Live Without Your) Love and Affection”. Ma veniamo al nuovo "Peace Out": la pochezza della traccia di apertura “Hello Everybody” è quasi imbarazzante. Non un buon biglietto da visita ma se si è speranzosi si può pensare: "sì, dai, è stata solamente una partenza ad handicap, si rifaranno presto!”. La calibratura del mirino viene aggiustata un pò in “Back in The Day”: niente per cui strapparsi i capelli ma la song è discreta e con almeno i cori in tipico stile Nelson. Il disco migliora con “Invincible” dove finalmente il ritornello si apre arioso accompagnato da una bella chitarra che lo arricchisce ancor più... siamo quindi a cavallo? Avevamo preso un abbaglio? Quando inizia “Let It Ride” la noia torna a distrarci dopo nemmeno un minuto... ahi ahi! La produzione non aiuta: suoni piatti e plasticosi con gli strumenti che si perdono uno sull'altro. Melodie trite e ritrite, testi semplici e ripetitivi, come nel midtempo “Rockstar” o nella seguente “Autograph”, deludono ancor più pensando al capitolo precedente. Si salvano la buona ballad “On the bright side”, uno degli highlights del disco, e “You and me” dai ritmi acidi e funkeggianti. Troppo poco per poter competere con il passato anche recente. L'arroganza viziosa della copertina non viene replicata nei solchi dell'album contenuti in essa. La cow-girl protagonista fa bene a voltare i tacchi e andare per la sua strada in cerca di un album più intrigante di “Peace out” (...e già in questo 2015 ce ne sono).

Matteo Trevisini

VEGA - What The Hell

Frontiers (ristampa + bonus)  
2014

Ascoltai il cd dei Vega appena uscito. Mi piacque subito tuttavia lo lasciai lì, in disparte, in un angolo della memoria prossimo al dimenticatoio. La copertina, in aggiunta, non era (è) di certo una di quelle che poteva (può) attirare l'attenzione, la mia almeno.  Negli anni ho pure scordato che il cantante fosse quel Nick Workman che tanto avevo apprezzato ai tempi del primo cd dei Kick ("Consider This"... quanti anni sono passati?). E' stato il Frontiers Rock Festival 2 a risvegliare in un colpo tutto quello che di buono riuscirò qui a scrivere:  escludendo i big i Vega sono stati la band che maggiormente ho apprezzato al punto da recuperarne di getto la discografia a fine set.  Il penultimo "What The Hell" (originariamente edito nel 2012, ma ristampato da Frontiers nel 2014) è un disco bellissimo, figlio del rock inglese dei Gun, dei Muse, di Billy Idol, dei primi U2 e naturalmente dei Kick, accompagnato da quella vena tastieristica che chi ama il rock inglese non farà fatica a riconoscere dopo poche battute.  Le canzoni sono quindici... tante, tantissime eppure funzionano e nell'insieme direi che nessuna è fuori posto. Nick Workman è letteralmente formidabile in pezzi come "Cry", " You Can't Run"... tuttavia è la ricerca del riff, pur in tempi di sonorità modern, il valore ancor più aggiunto di un disco che già di suo cresce nel suo svolgersi.  E' così che nel finale spunta quella "Hands In The Air" di cui ho un ricordo nitido e solare al FRF2: una canzone di genere fantastica nella sua semplicità, una canzone che, a dirla tutta, su cd perde anche molta della spinta anthemica che trasudava live.  


Il disco si chiude con la bonus "Skin Deep" e la riflessione nasce spontanea:  per quante bands americane possa ascoltare finisce sempre che ne basta una inglese a ricordarmi che il rock, quello buono (e con tutti i limiti che la stagione vive), era ed è ancora saldamente britannico.    

Walter B.   



LITFIBA - Trilogia 1983-1989 / Live 2013

Sony Music
2013

Per molti dai 35 anni in su i Litfiba hanno rappresentato più della rock band per eccellenza in Italia: prima del boom erano una setta da adorare poi un simbolo, una fede, una religione da amare e glorificare contro tutte quelle persone per cui la vera musica rock era solo quella di Vasco Rossi o di Gianna Nannini. I Litfiba sono sempre stati diversi, unici perchè nati dal tumultuoso underground bastardo italiano, fatto di New Wave inglese contrabbandata da pochi temerari a suon di dischi direttamente da Londra, sale prove che puzzavano di muffa e piscio, attenzione al sociale: tutto costruito con il vagare come zingari lungo le strade ed autostrade italiane per suonare davanti a pochi fanatici "talebani", magari per poche lire, alle sagre di paese e alle feste dell'Unità tra un comizio e l'altro. Questo humus unico creò decine di bands diversissime che hanno però reso la musica italiana meno ancorata alla canzonetta da Festivalbar e Festival di Sanremo. Grazie a poche riviste e qualche radio “barricadera” i ragazzi più curiosi venivano a scoprire questi suoni e testi, unici (ancora una volta) proprio perchè nati su una colonna vertebrale anglosassone ma fioriti col talento tutto italiano per la melodia. Dalla Trilogia del Potere degli anni '80 (i primi tre album "Desaparecido", "17 Re" e "Litfiba 3") al successo clamoroso degli anni Novanta è sempre stato un crescendo – se non artistico - di vendite e di fans fino a quando, nel 1999, Piero Pelù ha deciso di togliere la spina al più bel giocattolo del Rock Italiano dividendosi dal suo “pard” storico Ghigo Renzulli. Anni di attriti, avvocati e comparsate Tv, album solisti e album a nome Litfiba che dei Litfiba – quelli veri – avevano, appunto, solo il nome in copertina. Il tempo però lenisce anche la più dolorosa delle ferite. E non c'è bomba boomeranga, non c'è electromacumba, dai maremma buhaiola un fate i grulli! Dai Piero, fai la pace con Renzulli, dai Ghigo fai la pace con Pelù! E pace – alla fine – fu!!! Il miracolo caldamente richiesto dagli Elii in tempi non sospetti alla fine si è avverato. L'11 dicembre 2009 viene ufficializzata la riunione tra Ghigo e Piero nei Litfiba, con il ritorno, dopo 10 anni, di Pelù alla voce. Dopo il successo di pubblico della reunion più desiderata, nel 2013 la band intraprende un nuovo tour, denominato "Trilogia 1983-1989", in cui vengono eseguiti brani contenuti nella Trilogia Del Potere ed altre canzoni di quel periodo. Solo per questa occasione la band si è riunita con i membri storici Gianni Maroccolo e Antonio Aiazzi (basso e tastiere). "Trilogia 1983-1989 live 2013" è il grande ritorno dei Litfiba ed il più bel regalo che i fans storici potessero desiderare, racchiude in due dischi il “clou” di due concerti tenutisi all'Alcatraz di Milano. Autocelebrazione??? Sì, assolutamente, ma che goduria infinita! La scaletta, tra "Eroi nel vento", "La preda", "Istanbul", "Guerra", "Versante est", "Apapaia", "Pierrot e la Luna", "Louisiana" e "Resta" è un orgasmo senza fine con un Piero Pelù scatenato che offre una prestazione perfetta ed una carica di rara intensità (un performer di questo spessore l'Italia, è bene ricordarlo, non lo ha mai avuto e mai più lo avrà!). Intensità e potenza grazie ad una sezione ritmica dove Maroccolo fa pulsare il suo basso sulle ritmiche dinamiche di Luca Martelli alla batteria, giovane tra i “vecchi”, che regala il giusto ardore e la necessaria urgenza a pezzi storici, alcuni dei quali non venivano suonati in sede live da trent'anni. La bravura di questi Litfiba è proprio di aver saputo attualizzare i brani con arrangiamenti d'impatto, pur senza snaturarne le radici. E ancora "Re Del Silenzio", "Ci Sei Solo Tu" e la cattiveria alcolica di "Gira Nel Mio Cerchio" con Piero rinato sciamano che ondeggia come un derviscio e ipnotizza un pubblico adorante! Ghigo non è mai stato un “mostro” ma è un musicista che quello che fa lo fa dannatamente bene. Questo doppio live è il miglior biglietto da visita che la band fiorentina potesse offrire ai fans, vecchi e nuovi: un regalo per quelli vecchi che avranno di che godere rimembrando i tempi che furono mentre quelli che erano troppo giovani all'epoca potranno rendersi conto di che razza di band fossero i grandi, mitici Litfiba. Quelli direttamente da Via de' Bardi, Firenze, alla storia della musica italiana. Amen!

Matteo Trevisini

WHITESNAKE – The Purple Album
Frontiers
2015

Forse lo stesso Serafino Perugino, "patron" di Frontiers Records, ci sarà rimasto un pò male quanto David Coverdale lo ha chiamato al telefono per svelargli che il nuovo imminente lavoro del "serpente bianco" sarebbe stato un album di tributo ai Deep Purple, la band che fece diventare una rockstar leggendaria un brufoloso commesso ventitreenne di Saltburn By The Sea, scaraventandolo dalla provincia inglese dietro l'asta del microfono di una delle band rock più famose ed influenti degli anni settanta. Era il lontano 1973 e pochi mesi dopo uscì l'immortale Burn che diede propulsione alla neonata "Mark III"....tempi eroici e purtroppo andati. Nell'anno di grazia 2015 i Whitesnake erano attesi, dopo quattro anni di silenzio, con il successore di "Forevermore" del 2011, uno dei più ispirati e riusciti della loro intera discografia. Esce quindi, quasi a sorpresa, questo "The Purple Album”, vero e proprio tributo al "Profondo Porpora" e debutto alla sei corde di Joel Hoekstra. Il nuovo arrivato occupa da subito in modo ottimale il ruolo, coadiuvato da un Reb Beach finalmente in primo piano e non oscurato dal talento dell'ex di turno Doug Aldrich. Che dire? Bisogna prenderlo per quello che è e goderselo senza fare troppi paragoni emotivi. David ha perso la voce da parecchi anni ormai e tentare di eguagliare album epocali come "Stormbringer", "Burn" o "Come Taste The Band" a distanza di quarant'anni sarebbe come tentare a sessant'anni di avere le stesse prestazioni sessuali di gioventù senza aiutini "farmaceutici": in questo caso il Viagra sono i miracoli della tecnologia in studio. Mettendo da parte i dubbi che sollevano operazioni di questo tipo tutto è stato fatto secondo i crismi: ottima la scelta dei brani come ottimi gli arrangiamenti. I musicisti sono stati scaltri e rispettosi e non sono andati a scalfire canzoni dai più ritenute immortali bensì le hanno solamente pompate ed americanizzate come il buon Dave aveva fatto con i suoi stessi Whitesnake a metà degli anni ottanta. Si comincia con il botto...zak! ed è subito "Burn" a suonare la carica alla cavalleria: potenza, dinamismo, suoni moderni e cromati, inutile ogni commento ad una canzone che tirerebbe giù in muri anche coverizzata da Albano e Romina!!! Il disco scorre bene, senza cadute. In primo piano una "Lady Double Dealer" incendiaria con la band sugli scudi ad evidenziare magnificenza tecnica e dinamismo mostruosi: la sezione ritmica, composta da Michael Devin e Tommy Aldridge, fornisce una prestazione tellurica! Naturalmente l'assenza di Glen Hughes da una parte e il (pluridecennale?) deficit vocale di Coverdale dall'altra inducono ad apprezzare maggiormente il lato quieto e blues.  "Mistreated" e "Soldier Of Fortune" la fanno così da padrone regalando brividi che solo la calda voce di David riesce ancora a regalare. Ascolteremo ancora "The Purple Album" tra dieci anni o preferiremo metter su “gli originali” arricchiti dei suoni analogici dell'Hammond di Lord e della Stratocaster di Blackmore? La maggior parte dei fans opterà probabilmente per la seconda ipotesi ma – credendo nell'onestà di una operazione tanto decantata da Mr. Coverdale come sincero tributo a John Lord ed ai suoi stessi anni di gioventù - è un disco che si lascia ascoltare e fa divertire emozionando pur essendo comunque inutile.

Matteo Trevisini


THE CADILLAC THREE – Tennessee Mojo
Universal
2014

Uno sguardo alla copertina, un punto di domanda sopra la testa ma dopo aver inserito il cd tutto diventa chiaro, da subito. La testa parte in movimento sussultorio accompagnata dal piede fin dalle prime note di "I’m Southern…" Sembrano i Pride & Glory di Zakk Wylde che jammano in un palude della Louisiana insieme ai White Stripes di Jack White… pacca, arroganza e tamarraggine sudata al punto giusto! Curriculum particolare questi The Cadillac Three: da Nashville già nel 2006 erano in rampa di lancio per sfondare con il nome di American Bang, con contratto major via Warner ed un album di debutto prodotto da Bob Rock, licenziati immediatamente, niente bang quindi ma piuttosto flop! Nome nuovo ed ambizioni ancora maggiori, in pochi anni questo trio delle meraviglie formato da Jaren Johnston (lead vocals e chitarra), Kelby Ray (basso, Dobro e voce) e Neil Mason (batteria e voce) abbandona il miraggio major, meglio la concretezza di un contratto con l’etichetta indipendente Spinefarm che li ha coccolati e fatti crescere sotto il sole del Sud lasciandoli pubblicare un disco onesto, sporco e senza peli sulla lingua. Southern rock mescolato a tanto country, blues e rumorosità hard rock anni settanta: niente di nuovo se non che questi tre contadinotti con cappellino lercio e stivali sberciati hanno trovato il mix giusto e dei “refrain” che ti s’incollano al tessuto cerebrale all’istante. Una produzione scarna ma d’impatto evidenzia sia la memorabilità di “anthem” come "Get Your Buzz on" o la malata title track sia le ballate sognanti come "White Lightning". Togliamoci il cappello (di paglia) e facciamo l’inchino ad una band che si può permettere di concludere un disco con un manifesto programmatico come "The South": è proprio in questo inno alla gioia e all’orgoglio sudista che stanno tutta la filosofia ed ironia del terzetto. “I'm a southern man. Where the beer seems colder and the women seem hotter, where the world don't seem so damn modern… Oh this is where I was born and this is where I'll die” direi che più chiaro di così! Cercate del tempo per ”It's all about the south”,  stappatelo questo bel cd, vi farà passare la sete nelle lunghe e calde giornate estive a venire.

M. Trevisini




RONNIE JAMES DIO - This is your life
Rhino
2014

Oh mio Dio! Sono già passati cinque anni dalla morte di Ronald James Padavona, il piccolo italoamericano noto a tutti con il nome di Ronnie James Dio: era il 16 maggio del 2010 quando si spense uno dei più iconici cantanti della scena hard rock mondiale. E' stata una breve malattia a privarci di una voce unica, nonchè di una personalità ed umanità riconosciute in tutto il “metal circus”. Per ricordare doverosamente questa data fate vostro e godetevi "Ronnie James Dio - This Is Your Life", il tribute album organizzato dalla moglie e pubblicato dalla Rhino. Alla vigilia della pubblicazione di tali opere, si sa, vengono sempre "strani" pensieri sul voler monetizzare la tragedia della morte di qualche personaggio famoso, ma non questa volta. Ci sono due indizi che mettono il cuore in pace, che l'operazione sia “pulita” e senza secondi fini: punto primo l'operazione è diretta dalla stessa Wendy Dio, moglie e manager di Ronnie (sicuro che sia una nota rassicurante questa? Ehehe, ndW); punto secondo il pedigree dei personaggi presenti non lascia ombre di dubbio. A far piacere è proprio la lista di partecipanti, tanto eterogenea quanto di alto profilo: un disco dove gli arrangiamenti delle bands storiche donano parte del proprio dna alla musica di Dio pur senza stravolgerne l'essenza. A partire dagli Anthrax, scelti come band d'apertura: in “Neon Knights” emerge l'energia della band newyorkese con un Joey Belladonna in stato di grazia ed in grado di arricchire una canzona già unica. Jack Black ed i suoi Tenacious D arricchiscono “The Last in Line”, pur rimanendo nei confini del pezzo, presentando arrangiamenti inusuali. Highlights del disco sono le immense prove dei giovani Halestorm guidati dalla voce della sexy Lzzy Hale che mettono a ferro e fuoco “Straight through the heart” mentre i Motorhead con l'aggiunta di Biff Bifford dei Saxon affondano i colpi con “Starstruck”...semplicemente fantastica! E vogliamo parlare di “The temple of the king” interpretata dagli Scorpions che diventa una loro ballad in tutto e per tutto? Nessuno fallisce il colpo, da Doro a Glenn Hughes, anzi pare che proprio tutti s'impegnino ad offrire il massimo in omaggio ad un artista che aveva evidentemente moltissimi fans proprio tra i suoi colleghi! Unico intoppo il gruppo metalcore americano dei Killswitch Engage che letteralmente deturpa Holy Diver” infarcendola di growls fuori luogo. Un fallimento. Per fortuna interviene Rob Halford a spazzare via questo obbrobrio con una “Man on the silver mountain” da applausi. Spettacolare il “Ronnie Rising Medley” dei Metallica che preparano un mix spaziale e speziato di pezzi come “Tarot woman” o “Kill the king”... geniale! Il tributo si conclude con la voce stessa di Ronnie che intona la title track dell'intero progetto, “This is your life”, una ballad sentita e dolce a sfumare che fa venir voglia di ripremere play all'istante. Il re è morto! Lunga vita al re!

Matteo Trevisini


AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD - IX Superball Music

2014

Ci sono due band, simili nella genesi e nel “modo” di proporsi seppur non vicinissime nello stile musicale, che mi hanno affascinato fin dagli esordi. Una sono i The Soundtrack Of Our Lives svedesi di Goteborg, gli altri sono appunto i Trail Of Dead, texani di Austin che tra mille vicissitudini arrivano al loro nono album. Un traguardo non indifferente ai giorni nostri. Bellissimo, come sempre, l’artwork che ci accompagna nell’ascolto di questi nuovi undici brani. Alternative rock va bene come definizione? Direi di no. Perché dentro un tale calderone quello che può mischiarsi è senza limiti. Io ho sempre adorato il loro modo di “fare rock”, lontano dalle luci della ribalta, ma con pezzi divinamente musicali. Prendete il loro primo singolo (???) estratto e messo su YouTube “The Ghost Within”, lineare melodia su un tappeto di due note al pianoforte. Accostatelo ora ai sette minuti e rotti di “Lost In The Grand Scheme” e avrete una (non)idea di quello che sono ora i Trail Of Dead. Se vi piacciono li amerete alla follia e ci leggerete dentro di tutto (dai Beatles ai Pink Floyd, dai Jane’s Addiction agli Ours, …). Se non vi entusiasmano? Amen. Il mondo in fondo è bello perché vario. Vario come il modo di interpretare la musica dei quattro americani.

Alessio C.

SICK BOY REVUE – Sick Tales Autoproduzione 2015

I Sick Boys Revue nascono alla fine del 2007 da un’idea del Commisserio, un punk amante dei Social Distortion e del loro leader Mike Ness, che decide di provare a formare una band tributo ai suoi beniamini. Per un po’ sono una vera tribute band fino a quando si insinua in loro l’urgenza di scrivere anche pezzi originali. Registrano il primo EP nell’aprile del 2012 e si trasformano ben presto in band vera e propria, proponendo uno stile che sta a metà tra il punk e il rock ‘n’ roll, con richiami al country ma anche al rockabilly. Quest’anno, finalmente, pubblicano il loro primo full lenght dal titolo "Sick Tales", mescolando ancor di più le carte in tavola. In questo divertente mix non troverete sicuramente originalità ma qualità tanta… loro si divertono e, di riflesso, fanno divertire pure noi. Punk americano quindi, ma c’è anche il rock'n'roll bastardo delle New York Dolls fino a quello beone dei Dogs D’Amour. Le coordinate sono chiare: it’s only rock’n roll, but i like it! ed avendo le capacità di trovare i refrain vincenti (come nel caso dei Sick Boy Revue) è e sempre sarà divertente. Bravi!

Matteo T.


RICH ROBINSON - Woodstock Sessions Vol. 3
Circle Sounds 2015

Conclamata la fine dei Black Crowes, per motivi di soldi sembra (fortuna che se li dividevano solo i due fratelli), Rich ha deciso di “partire” e dare libero sfogo al suo talento. Dopo l’esauriente “The Ceaseless Sight” il nostro dà alle stampe questo live in studio, registrato in un paio di serate lo scorso maggio a Woodstock N.Y. negli Applehead Studios. Un paio di cover, l’acidissima “Laila II” (Agitation Free) e la classicissima “Oh! Sweet Nuthin’” (Velvet Underground), già rivista in chiave corvacci neri, aggiunte al suo repertorio di blues rock acustico ma non solo. Sentire “I Have A Feeling” e “Bye Bye Baby” in versioni extra lusso per chi apprezza questo tipo di approccio sonoro non è niente male. Accompagnato da un goccio di rum Caroni, giusto un goccio visto quello che costa, è ancora migliore. Perché questa musica va ascoltata così, senza pensare al domani che tanto arriverà comunque! Alla Vostra!
Alessio C.

SCOTT WEILAND AND THE WILDABOUTS - Blaster
Softdrive Records 2015

Sono stati anni difficili per Scott Weiland. Dipendenze e capricci gli hanno inimicato la maggior parte di amici e colleghi che lavoravano al suo fianco proprio per l'impossibilità di poter avere qualche feedback positivo da lui. Troppo provocatore e scostante professionalmente quanto inaffidabile di carattere.
Cacciato in malo modo dai fratelli De Leo dopo la reunion della sua band, gli Stone Temple Pilots, il gruppo che l'ha fatto diventare una star a metà dei novanta, perchè ormai stanchi di dover gestire una mina vagante e licenziato successivamente anche dai Velvet Revolver per accumulo di denunce, capricci e atteggiamenti da rockstar arrogante... il problema principale è che Scott è un tossico marcio, cosa che però non ha quasi mai intaccato il suo talento nello scrivere canzoni e testi sempre sopra le righe, originali e diversi. La strada migliore quindi era scegliere di gettarsi a capofitto nella carriera solista dove sia lui e solamente lui a decidere ma soprattutto sia solo lui il responsabile delle sue marachelle. "Blaster" è un disco dove il cantante originario di Santa Cruz tira fuori tutte le sue innate capacità pubblicando un album tosto di chiaro stampo rock tra ossessioni seventies e sonorità nineties (il "mood" è quello degli ultimi lavori con gli STP). David Bowie è chiaramente il suo nume tutelare e viene fuori abbondante in queste canzoni che profumano di umanità e sincerità. La voce è pura e risplende di pathos e genuina decadenza. Classico esempio è "Modzilla", il brano d'apertura, che regala suoni acidi e dannatamente rock'n roll come piace a noi. Altri highlights sono la nostalgica "Hotel Rio" dove il nostro canta nel chorus “Do you believe this is our life? Feels like we finally found a mission and we still feel the same desire”… Scott te lo auguro proprio! La strada iniziata con questi The Wildabouts è quella giusta. Si passa da canzoni scorbutiche e polverose con voci filtrate (White Lightning) a ballate dal sapore agrodolce (Circles), per finire con piccoli inni di glam inglese anni ’70 come “Beach Pop" o, chicca verso la fine, una spinosa cover di "20th Century Boy" (scelta banale ma non inutile). L’album non è immediato, entra piano piano, poco alla volta, come se la serratura fosse incrostata dalla ruggine del male di vivere ma quando la chiave apre la porta verrete catturati da Scott “la peste” e le sue strane storie. Gradito comeback di un artista non particolarmente portato alla simpatia, ma per fortuna noi siamo qua per questo o no? Per idolatrare sporchi rocker rovinati fino al midollo, mica per collezionare santini di Padre Pio! Il ritorno di Scott non finirà sicuramente nella “hot list” di fine anno ma vi farà passare piacevolmente un po’ di tempo, statene certi!

Matteo Trevisini

HARDCORE SUPERSTAR - HCSS
Gain
2015

Ci siamo. Puntuale come un orologio svizzero arriva il decimo disco (se contiamo l’introvabile It’s Only Rock’n’Roll del 1998) del combo svedese. Che lo si voglia o meno la band di Jocke Berg è da oltre 15 anni il punto di riferimento e allo stesso tempo la punta di diamante del movimento di revival sleaze glam rock nord europeo. Nessuno come loro (neanche i Backyard Babies a dirla tutta) ha mantenuto nel tempo uno standard compositivo così alto, costruendosi una base di fan invidiabile al suono di live sempre all’altezza. Ho ancora davanti agli occhi uno Jocke stremato dopo un concerto tiratissimo (Padova, C.S. Pedro 24/11/2001) farsi spazio tra il pubblico per andare al tavolo del merchandise per fare autografi. Esemplare! Si è tanto discusso di questo nuovo album. Un ritorno alle origini. Dopo la svolta stilistica targata “Hardcore Superstar” del 2005 i nostri buttano alle spalle quel metallo pesante invischiato al rock sporco e divenuto un vero marchio di fabbrica e tornano “Someone Special”. Ma è davvero così? In parte sì. Joe Barresi ha giocato un ruolo decisivo in sede di missaggio dando una patina old fashioned alle partiture e levigando la chitarra di Vic Zino.“Don’t Mean Shit”, primo singolo estratto potrebbe in effetti essere una riesumazione del materiale composto ai tempi di "Bad Sneaker And A Pina Colada". E sulla stessa falsariga possiamo porre la successiva “Party ‘Till I’m Gone”. Non piace, lo dico subito, il tono dismesso di canzoni come “The Cemetary” e “Off With Their Heads” mentre la ballatona “Fly” si dipana su quasi otto lunghissimi minuti, esagerata! Tutto ti aspetti dagli HCSS tranne che si mettano a fare il verso ai Jane’s Addiction d’annata ma questo accade con “Ocean”, e da seguace quasi spirituale di Perry Farrell quasi me ne compiaccio. Però, non so quanto la cosa possa essere apprezzata. Le successive quattro tracce non risollevano, ahimè, un album che era partito a tutta con le prime song ma che si è perso per strada. Non mi sento di bocciarlo in toto e mi riprometto di ascoltare le canzoni che meno mi hanno convinto, tipo “Glue”, per rileggerle sotto una luce diversa. Ma non fidatevi di chi dice che questo è un disco da avere a tutti i costi.

Alessio C.




VAN HALEN - Tokio Dome Live In Concert
Warner Bros
2015


Al secondo numero 43, quando parte la grattugia ritmica della "5150" di Eddie su "Unchained", un brivido di piacere parte dall'ipotalamo fino alla punta dei piedi... c'è poco da fare, erano troppi anni che i fans attendevano un live con la formazione originale: come hanno sempre sentenziato gli ultras più radicali, i soli e unici Van Halen mai esistiti.
Tralasciando le beghe e disquisizioni storico filosofiche tra chi sia stato meglio di chi o di che cosa, dal punto di vista prettamente qualitativo il primo live della band del 1992, il poderoso "Right Here Right Now", era di un'altra galassia ma parliamo dei Van Hagar e quella era veramente un'altra band: una splendida band ma se l'impianto sonoro era simile le canzoni erano di un’altra pasta. I veri ed unici Van Halen sono stati quelli con Mr. Diamond Dave dietro il microfono nell'era aurea durata fino all'anno di grazia 1984. L'unica domanda sensata da porsi è quindi perchè non sia mai stato pubblicato un live della golden era? Domanda che non avrà mai risposta e quindi eccoci a discernere di un doppio registrato durante l'ultimo tour giapponese della band dei fratelli Van Halen al mitico Tokio Dome, la fantascientifica struttura coperta capace di 55.000 giapponesi urlanti. Che dire... è una goduria cosi, dall'inizio alla fine, figuriamoci se la voce di Dave fosse stata quella di trent'anni fa! Lui ci mette tutta l'esperienza e la gigioneria ma è palese che faccia tanta fatica sin dall'inizio arrivando quasi a parlare invece di cantare e sentirlo perfino fuori tonalità stringe il cuore. Diamond Dave è sempre stato un cabarettista, ci mette del suo ma nè l'esperienza nè Bob Clearmountain in cabina di regia  possono far niente per nascondere le carenze nelle parti vocali dell'ex biondo frontman (ex biondo o ex frontman???). I problemi -ripeto- si risolvono qui visto che il resto è praticamente perfetto cosi, errori inclusi. Questo live è speciale proprio perchè è imperfetto e toglie loro quella patina artefatta che rischiava di snaturare il concetto stesso di "live". L'altro amletico dubbio era di sentire  come sarebbero ucite le hits senza il supporto ai cori di Michael Anthony: pur essendo uno di quelli che è rimasto scandalizzato nel sapere della sua estromissione devo dire che non se ne sente per nulla la mancanza. Wolfgang sarà anche un raccomandato figlio di papà sovrappeso ma funziona alla grande: tecnicamente è un mostro (il galattico dna non si discute!) ma dimostra anche personalità e sa farsi valere pure al microfono. "Chaaange, nothin' stays the sameee Unchaineeed...yeeeah ya hit the ground runnin'!!!" e ci si scopre subito inebetiti a fare air guitar sul divano. Dalla prima canzone in poi è un turbinio senza cali di tensione e... di orgasmi! Una set list stellare che non lascia un secondo di respiro regalando brividi per un'ora e mezza da "Running With The Devil" a "Somebody Get Me A Doctor", da "Dance The Night Away" a " Mean Street" e ci sono perfino delle chicche come "Oh, Pretty Woman" o "Ice Cream Man": non ce n'è per nessuno e nessuno ne uscirà vivo! Due gli estratti dall'ultimo discusso "A Different Kind Of Truth": il singolo "Tattoo" e "Chinatown". E cosa dire invece di Alex e di Eddie? Gli anni non sembrano passati e la produzione asciutta fa risaltare ancor più capacità tecniche e genialità negli arrangiamenti dei due “olandesi volanti”.
Per i fans è un doppio da avere: consci che anche gli dei invecchiano ma quando lo si fa con classe e si hanno cotante gemme nel proprio scrigno è pur sempre un bell' invecchiare! Se invece avete la puzza sotto il naso e proprio non ce la fate, beh... andatevi a riascoltare i migliori bootleg d'epoca e pace all’anima vostra.
Matteo Trevisini


NOTTURNO AMERICANO (di Emidio Clementi)
Santeria
2015

Il racconto in prima persona della rincorsa al sogno americano. E' da anni che Emidio Clementi fa conoscere al (suo) pubblico, quello dei Massimo Volume, il nome di Emanuel Carnevali, ma qui, in Notturno Americano, indossa direttamente la pelle del poeta fiorentino morto a Bologna e si appropria del suo sentire ultimo. Tra le parole scorrono i pensieri, l’amarezza, la desolazione fino alla disperazione, le speranze, le ricerche, le visioni di un uomo alla impossibile e disperata ricerca di sé. La base che accompagna la recitazione (Corrado Nuccini ed Emanuele Reverberi, tra gli altri) è minimale, neo-folk si potrebbe azzardare, apocalittica prima di tutto, narrante essa stessa. Le parole di Carnevali acquistano la valenza di una lama che incide sempre più profonda una carne già sanguinolenta: è una discesa nell’abisso da ascoltare trattenendo il fiato, in un crescendo di tensione che solo pochi racconti mi hanno saputo trasmettere (pur nelle mie limitate e comunque mirate letture, beninteso). Il (gran) finale in cui Clementi descrive l’apparizione (l'ultima?) di "Carnevali a Milwakee", il ludibrio dei conviviali, la desolazione, le pause (oh sì… le pause, queste sconosciute al sistema americano) fino all’atto finale (che non posso svelare), un’apoteosi a rovescio, la sconfitta del sistema, la vittoria (perché ai miei occhi tale rimane) dell’emigrante italiano, l’amara commedia dell’essere. Un applauso all'arte, il mio almeno, che consegna a chi vorrà avvicinarsene la vita di Emanuel Carnevali nel reading di Emidio Clementi. Uno che, lo scrivo in calce anche se andrebbe scritto in testa, pubblica un disco sulle cui copertine non compare il proprio nome. Se non è Bellezza anche questa...

Walter B.




UOCHI TOKI - Il Limite Valicabile

La Tempesta
2015                                                                 

1 STELLINA SU 5_Incomprensibili, stressanti, irritanti, arroganti, presuntuosi e pretestuosi. 22 pezzi, tutti lunghissimi. Nel diciassettesimo pezzo ad un certo punto suona una campana a morto. Sì, sono ancora vivo dopo questo ascolto, me lo merito un premio o no? Gli Uochi Toki hanno rotto il cazzo. 2 STELLINE SU 5_Coraggiosi, intraprendenti,animati da puro amore per la sfida nella vita e nella musica, ma anche contorti, irruenti, scollegati, impopolari per scelta e per un certo snobbismo e disprezzo verso tutto e tutti. Bene la scelta e la presenza di nuove leve come ospiti, ma alla fine rovina tutto l'ego strabordante di Napo. Dopo lo split su Saturno e pianeti vari con i Nadja e dopo questo primo doppio in carriera è ora che tornino coi piedi a terra, sul pianeta Terra. 3 STELLINE SU 5_Ogni volta sembra che Napo e Rico abbiano detto e dato tutto, eppure la volta successiva si superano sempre. I loro titoli spesso sono fuorvianti e se "Idioti" era un disco intelligentissimo, questo "Limite valicabile" in realtà è una matassa di fili verbali e musicali impossibili da sistemare, una vera e propria muraglia cinese alla facilità di comprensione e di empatia col pubblico. "Tutto quello che diciamo o che facciamo e' già stato detto o fatto, quindi siamo degli stronzi!": da questa frase di Napo nel lontanissimo "Vocapatch" ad oggi non c'è nient'altro che si possa ricordare a memoria di una canzone loro. Migliorati nella gestione di pieni e di vuoti tra parlato e musica, ma c'è ancora tanto da fare. Quello che fa Rico lo facevano tanti tanti anni fa Yasunao Tone, gente della Tigerbeat6 di Kid 606, i Pansonic del quadruplo "Kesto"... 4 STELLINE SU 5_Se avete un soldo da spendere per un loro lavoro e la scelta è fra tutto l'archivio dei Laze Biose compreso "Scusate, secondo voi il dentifricio costituisce ancora uno status symbol?" (momento top: "la tipa m'ha mollato/che male sono stato" cantato da Rico) e questo nuovo doppio album, non esitate ad andare sugli esordi preistorici. Poi mettetevi comodi sul divano, ascoltate due tre volte, possibilmente a tranci di quattro-cinque pezzi, questi 22 nuovi brani e cercate in casa un martello per rompere il salvadanaio. Ottima scelta degli ospiti, ci sono le basi per nuovi scambi e lavori artistici. Nessuno in Italia fa quello che fanno gli Uochi Toki... e non si fermeranno mai. 5 STELLINE SU 5_Disco incredibile, immaginifico, visionario, portatore di un linguaggio nuovo e di suoni e geometrie mai viste prima nel rap italiano. Verrà studiato per decenni nelle scuole di musica ma non solo. 22 pezzi sono tanti eppure ognuno di essi ha ragione di esistere nel disco e in generale nella scena contemporanea della musica italiana. Disco che toglie tante energie psichiche all'ascoltatore ma pure un album che da tanto. Tra i dischi del 2015 in maniera assoluta. Per il futuro del rap e dell'elettronica questa è la strada da seguire e la presenza di numerose nuove leve del genere (che però non riescono a stare dietro al ritmo ed al livello di Napo per tutta la durata dei rispettivi pezzi) è un gradevolissimo segnale. Ora non resta che lavorare sulla nuova elettronica modulare e sull'elaborazione della voce alla Florian Hecker in "Articulao" e in "Chimerization".
6 STELLINE SU 5_a € 25 al mese per 24 mesi via Paypal.
7 STELLINE SU 5_a € 100 al mese per 24 mesi via Paypal.

Diego Favrin


I report (perche sono due) della due giorni del FRONTIERS ROCK FESTIVAL!


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Saltellando per la rete si può scoprire (ancora) tanta buona musica... musica di bands giovani e meno giovani, spesso senza un contratto o un disco pubblicato. E' tuttavia tra i cunicoli dell'underground che, tra mille problemi, alcuni riescono a brillare di luce propria. 

E19 è il nome del progetto-contenitore di Gary Schutt (già bassista nel primo Takara, con Jeff Scott Soto alla voce) che, ad oggi, ha pubblicato tre album di canzoni composte negli anni Ottanta/Novanta rimaste inedite. Il nome della band prende il nome dalla sala prove del college dove evidentemente molte delle tracce incluse sono state abbozzate. Musicalmente ci si muove tra Night Ranger e Rick Springfield, tra Bon Jovi e Toto. Se pensate stia esagerando cercate l'ultimo "Just Down The Hall" (Palisade Rec, 2014). In quanti hanno pubblicato nel recente passato canzoni come "No Sign Of Life", "Angel In The Sky", "Lost In A World Without You" o ancora "Don't Stop You Love"? Notevoli le doti canore di Gary, qualità che unite alla sue abilità di polistrumentista e uomo-consolle non possono che farmelo inserire nella casella dei super-professionisti americani del rock. Per chi vuole proprio tutto è uscito anche "Moving Parts" (sempre su Palisade Records) il terzo disco da solista, a nome Gary Schutt quindi. Un album che indicativamente si muove sulle medesime coordinate degli E19, solo più hard e meno aor. (WB)    
 
Veniamo ai KING MASTINO di “Las Pezia”. Otto anni di sbattimenti in giro per l’Europa e tre album pubblicati di cui l’ultimo "We refuse to sink" (White Zoo Records) è un piccolo gioiellino di Scan Rock da gustare a volumi esorbitanti. Pezzi come "We are burn" o "Big City" non sfigurerebbero nelle set-lists di Gluecifer, The Hives e compagnia. La vita metafora del mare e loro marinai rock’n roll a caccia di balene da domare a suon di frustate elettriche. Fate vostri i loro dischi e se leggete il loro nome in qualche bettola malfamata non fateveli scappare! (MT)

Con i REVEREND BACKFLASH siamo sulle medesime coordinate musicali precedenti: se pensavate che l’Austria fossero mucche, bratwuerst e boccali di birra dovrete ricredervi. I quattro teppistelli viennesi sono in giro a far casino dal 2003 e già autori di due bei dischetti di schietto rock’n roll… se ascoltando i refrain viziosi di Backyard Babies e Turbonegro cominciate a godere allora il combo capitanato da Jack Nasty e Captain Stevo fa al caso vostro. Il singolo "Can’t Shake the Feeling" (per l’amor d’iddio, gustatevi il video!!!), tratto dal secondo album "Every Night" (Burnside Records), finì pure in uno dei CD-Sampler della bibbia inglese Classic Rock! (MT) 


I triestini AFTERGLOW sono insieme già da quattro anni ed è in dirittura d'arrivo la loro opera prima. L’advance, per ora disponibile solo online, spera nel buon cuore di qualche lungimirante discografico. Come non pubblicare un album che include una song come "The Blindfold Down"? Su un impianto classicamente hard rock spruzzate di brit pop (abilmente mescolate) danno i loro frutti regalando pezzi come "Time" e "Quicksands" difficili da dimenticare! Band di non facile catalogazione gli Afterglow, ma interessante anche per questa ragione. (MT)

I KHAOTIKA di "Bloodline Empire" (autoproduzione) sono la nuova band in cui milita Lariyah Daniels (oggi Hayes), già voce nei primi due album degli hair metallers americani Hessler. Non si tratta più di heavy old school bensì di black metal melodico in linea (circa) coi Covenant di "Nexus Polaris". Scambiando qualche battuta con Laryiah è emerso tuttavia che l'ispirazione siano gli olandesi Devil's Blood (band che ho ascoltato per l'occasione ed in effetti la proposta dei Khaotika rimanda a loro). Ottima la perizia tecnica nelle quattro tracce dell' E.P. anche se a spiccare sono sempre determinazione e attitudine di Lariyah (come fu per gli Hessler del resto, specie nel secondo cd). Masterizzato in Svezia al Necromorbus Studio la (prima) tiratura è di 100 copie numerate: se interessati al cd fisico il consiglio è di provvedere (molto) in fretta. (WB)   


WELCOME COFFEE - Uneven
Autoproduzione 
2015

Sii curioso e di vedute aperte, ascolta, scava e stupisciti di tutta la buona musica che c'è in giro. Non occorre andar a cercare lontano, talvolta si trova proprio sotto casa tua la band che ti fa vibrare le corde "giuste" dell'animo. Prendiamo i Welcome Coffee, band triestina attiva da un paio di anni ed autrice di un buon E.P. tempo addietro che faceva intuire ottime potenzialità. Ma oggi è già tempo di primo album e i nostri fanno subito il botto mietendo morti e feriti da ogni parte li si prenda. Sì, ma che genere fanno? ...non lo so, proprio questo è il bello di "Uneven"! L' unicità della band sta proprio nel mischiare le carte in modo sopraffino senza mai perdere l'obiettivo "canzone" e pur riuscendo a focalizzare bene dove voler andare a parare in ogni brano. Si passa dall'opener "Sleepwalker", che miscela sapientemente i Police a rimandi ai Goblin, alla successiva "Slapstick" che mixa in modo scaltro il prog italiano alle melodie di profumo Kurt Weill (tanto care ai Doors). Confusi? Non c'è da preoccuparsi: i Welcome Coffee, non appagati dal "melting pot" di generi, mescolano anche le lingue e tirano fuori dal cilindro due brani in italiano che odorano di medioriente e new wave italiana anni ottanta! Non vi bsta? Ed allora ecco i rimandi al pop inglese su ritmiche funky, perlustrazioni nel campo dell'elettronica mescolata ad atmosfere cupe vicine ai mai troppo osannati White Lies (qui Andrea Parlante alle tastiere fa da collante, tra effetti originali e dinamici). Le capacità tecniche aiutano a diluire le differenze amalgamando i suoni in un'unica entità ed è notevole in tal senso l'affiatamento della sezione ritmica formata da Stefano Ferrara e Michele Manfredi. La voce è di Alessandro Policardi che si occupa anche delle chitarre, svolgendo un lavoro pregevole. Ben fatta ragazzi! Ora non resta che sperare in qualcuno che sappia valorizzare tanta qualità: promossi a pieni voti!

Matteo T.



EUROPE – War Of Kings
UDR Records 2015

Era inevitabile toccasse anche a noi commentare il ritorno degli svedesoni più famosi al mondo dopo Abba e Bjorn Borg. Chiariamolo subito: adoro qualsiasi nota prodotta dagli Europe fino a "Prisoners in Paradise", ma non sono nemmeno uno di quelli che critica a priori il cambio di stile post-reunion. E' giusto maturare e trovare nuove strade e la musica va giudicata solamente in base alla sua qualità. Ecco fatto, centrato il problema degli Europe odierni... la qualità! La freschezza della scrittura e le incantevoli melodie di una volta si sono viste solo a sprazzi negli album precedenti ed il nuovo lavoro non cambia di una virgola il mio giudizio. Cominciamo dalla title track che - preciso - non è assolutamente un brutto pezzo ma piange il cuore sentire Joey Tempest scimmiottare il Ronnie James Dio più teatrale su un mood che Blackmore negli anni settanta scriveva dieci volte al giorno. Se mi viene voglia di ascoltare i Rainbow basta tirare fuori i loro vecchi dischi, o no? Il resto è fuffa già sentita centinaia di volte con ritornelli che non restano in testa nemmeno sotto tortura. Tempest e compagni si sono affidati alle abili mani di Dave Cobb, noto per il lavoro in regia con i formidabili Rival Sons, che dona una produzione asciutta, scura e sporca. Non è tutto da buttare: le ariose aperture in "Second Day" o in "Nothin’ to ya" ci regalano timidi sorrisi mentre i chiaroscuri che si intravedono in "Praise you" sono dei picchi che renderebbero orgoglioso Mr. Coverdale! La pallina rimbalza tra echi profondo porpora ed accenti Rainbow, tra melodie che ricordano gli Ufo e riff Whitesnake “vecchia scuola”… ma è dagli Europe che vogliamo di più! Il giudizio su "War Of Kings"  rimane e rimarrà soggettivo “secula seculorum” per quanto riguarda le sonorità settantiane, l’organo “Lord Style” di Mic Michaeli, i testi dark di Joey Tempest e le disquizioni filosofiche su quanto siano oggi differenti dagli anni Ottanta. Di una cosa tuttavia sono certo: poco rimarrà di quest'album passata la sbornia momentanea di novità.

Matteo T.

GIOVANNI ROSSI - Led Zeppelin '71

(La Notte Del Vigorelli)
Tsunami Edizioni

La vera storia dell'unica burrascosa calata italica del dirigibile più famoso del rock'n'roll nella lontana e calda (in tutti i sensi!) estate del 1971... ma non solo. In questo bel libro di Giovanni Rossi non c'è solamente la fedele ed imparziale cronaca di quella serata meneghina ma molto, molto di più. L'autore riesce ad esplorare in modo chiaro e semplice un' Italia ormai lontana ma non molto diversa da quella odierna per mentalità e ristrettezze di vedute sebbene ancora molto genuina e provinciale. Appena usciti dal boom degli anni sessanta gli italiani cominciano a fare l'amara conoscenza con le lotte di classe e lo scontro politico in ogni anfratto della vita quotidiana, musica compresa. Lotta Continua e la sinistra extraparlamentare, l’estrema Destra ed i poteri forti dello stato, le contestazioni generazionali ed i primi problemi con gli autoriduttori, convinti che la musica dovesse essere gratuita. Un racconto ricco di aneddoti e spesso divertente che inizia con un breve resoconto di come sono nati gli Zep ma soprattutto come il pubblico italiano li percepiva dopo la pubblicazione dei primi mitici tre album. Uno sguardo imparziale anche alla "canzonetta" italiana, all’importanza del Festival di Sanremo ed ai successi di pubblico del Cantagiro “inventato” da Ezio Radaelli, figura di spicco dello spettacolo di casa nostra... fino alla strampalata idea di inserire la band inglese come ospite finale della tappa milanese dello stesso. Naturalmente i giovani riempirono il catino del vecchio velodromo Vigorelli di Milano solo per godersi la band inglese e vedere sul palco prima di loro  Gianni Morandi, Wilma Goich, Milva ed I Ricchi e Poveri fu la naturale scintilla che portò alla contestazione (fuori era già scoppiata la guerriglia urbana tra la polizia e le frange più esagitate della Sinistra Extraparlamentare). La Celere ci mise del suo per fomentare ed inasprire ancor più lo scontro sparando lacrimogeni perfino dentro al Vigorelli mentre Robert Plant e soci erano già sul palco. Per gli stessi Zeppelin e per lo scafato manager Peter Grant la serata di guerriglia di Milano fu un trauma difficile da dimenticare nonchè l’inizio del boicottaggio nei confronti dell’Italia degli artisti stranieri che durò per circa un decennio. Un libro per chi non si accontenta della solita biografia di una band ma vuole andare oltre.

Matteo Trevisini



SALEMS LOTT - Salems Lott
Autoproduzione
2015

Poteva una band come i Salems Lott non catalizzare la mia attenzione? Impossibile. C'era comunque da verificare se fossero tanta, tantissima immagine ma poca, pochissima concretezza. Se però ti arriva un pacchetto da “Violent Hollywood Shock California” (e sei un minimo navigato) hai già tratto una mezza conclusione prima ancora di scartarlo. Per non pentirmi amaramente nell'immediato futuro mi sono fatto direttamente includere anche la maglietta... ma dico, l'avete vista? Fotonica. Eccessivi, teatrali, deflagranti i Salems Lott hanno dato alle fiamme tutti i locali più infami di Los Angeles prima di giungere al presente Ep, figli di quella gavetta che, unica, può conferire l'attitudine che dell'hair metal d'assalto ne è essenza e carburante. Il suono è ridondante, psicotico, martellante, tecnico, a tratti spietato. Non mi sentirete mai dire che una band simile non si debba considerare indispensabile. Perchè lo è e nonostante l'Ep non sia esente da qualche pecca di già autoreferenziazione (peraltro a dimostrazione del fatto che non stanno scherzando), ma sono i dettagli che noterà solo chi non è avvezzo al genere. E' un trip musicale hi-tech a testa bassa, tra assoli vorticosi e drumming apocalittico, sangue e motoseghe.  


Siete stati folgorati (e ragionevolmente rovinati) in giovinezza dai Tigertailz di "Bezerk", dai primi Wasp, dal nichilismo live degli X-Japan o ancora dall'estetismo in musica dei sempre più seminali Dead End? Se la risposta è sì (facciamo a 2 su 4 dei riferimenti) questa è la band che fa per voi, pur nel 2015. Uomo avvisato...


Walter B. 


RUDYSCAVE - Rust

Autoproduzione
2014

Chissà se in fondo all'armadio ho ancora la mia vecchia camicia di flanella scozzese... una  lucidata alle Lumberjack, stereo a palla e via andare! L'album inserito nello stereo è "Rust", il debutto dei romagnoli Rudyscave, a ribadire, ce ne fosse ancora bisogno, che in Italia sappiamo scrivere, produrre e pubblicare album di spessore internazionale senza sfigurare con nessuno. Sembra di guidare un pick up scassato fra i campi del Kentucky, mica nella Pianura Padana! Il quintetto mescola con sapienza suoni post-rock, atmosfere tipicamente grunge e rigurgiti southern avvelenati di echi seventies. Un pizzico di Black Stone Cherry, una spruzzata di Nickleback e tanta personalità. Molto evocativa la voce del cantante Gian Maria Vannoni, un ibrido di Eddie Vedder e Chris Robertson che spicca sin dall'opener "Gale" (date un'occhiata al video, merita davvero!). Ottimo lavoro ragazzi! Ora non resta che farsi notare dai locali per cercare di promuovere questo ben di dio.

Matteo T.
RICHIE KOTZEN - Cannibals Headroom Inc. 2015

Lucidate le zeppe! Rispolverate la videocassetta de "La febbre del sabato sera" (non vale il blu-ray, non ha lo stesso sapore vintage) e tirate fuori i vinili dei Bee Gees! Mr. Richie Kotzen è tornato! Sono passati quattro anni dal discreto "24 Hours" (in mezzo il progetto a nome Winery Dogs assieme ai colleghi Portnoy/Sheehan) ed il buon Richie ritorna alla carriera solista. Oggi si ripresenta più funky, più dancefloor, più black che mai. A differenza del precedente album la produzione è migliore, i suoni si percepiscono più caldi ed al contempo limpidi. I riff della Fender sono taglienti e sincopati senza mai essere ingombranti (parliamo pur pur sempre di un guitar hero!) mentre le nutrite sezioni fiati portano la ballabilità a ritmi da capogiro. Il basso rimbalza gommoso mentre l'Hammond conferisce calore e potenza alle tracce. Sopra tutto e tutti c’è però la potente voce del nostro, rovente come una colata di lava che scorre lungo una schiena sudata. Ascoltate i ritmi colloidali di "Shake it off" o "Stand tall", vi rapiranno all'istante. Ma è tutto il disco ad assestarsi su ottimi livelli. Sarebbe bello vederlo dal vivo (cosa non rara dalle nostre parti) con una backing band che riproduca tutto questo miele sonoro, coriste comprese... ne verrebbe fuori un baccanale rigorosamente "vintage"!

Matteo Trevisini


PAUL STANLEY - Dietro La Maschera
(La mia vita dentro e oltre i KISS)
Tsunami Edizioni

Oramai sui Kiss abbiamo letto di tutto: negli anni sono stati pubblicati tomi fotografici, saggi, trattati, tesi di laurea e dissertazioni su ogni periodo dei nostri super-eroi mascherati preferiti. Anche sul lato autobiografie ogni componente ha puntualmente fatto conoscere al mondo il suo punto di vista dell'epica storia del "Bacio". Primo fra tutti, naturalmente, il grande capo Gene "Mr. Ego" Simmons... sulla lista mancava ancora però l'autobiografia dell'altro "partner in crime" che ha creato la leggenda: il mitico "Starchild". Paul Stanley ha aspettato pazientemente prima di immettere sul mercato le sue memorie ed i ragazzi della Tsunami non si sono lasciati sfuggire la possibilità di pubblicarle anche in Italia. Tutto già sentito? Tutto già visto? Tutto studiato a tavolino? Nemmeno per sogno: Paul spiazza la fedele Kiss Army basando le sue memorie su un'unica e semplice parola... l'onestà! Comincia a parlare con il cuore in mano del problema che lo ha segnato fisicamente e psicologicamente fin dalla tenera età ovvero di quella malformazione congenita all’orecchio sinistro che lo ha reso sordo dalla nascita ma soprattutto senza praticamente il padiglione auricolare. Solo negli anni ottanta ha potuto porre rimedio grazie ad un intervento di chirurgia plastica, ma fino ad allora la malformazione è stata sempre ben nascosta dai folti ricci nero corvino. Si scoprono quindi i primi anni della band, le donne, il problema di costruire una relazione stabile che lo completasse come uomo dall'essere, nonostante il successo, una persona solitaria. Naturalmente l’amicizia e la “partnership” con Gene viene descritta senza giri di parole sottolineando che, a conti fatti, è solo grazie a se stesso se i Kiss sono sopravvissuti  oltre gli anni ottanta. Lettura che scivola veloce regalando anche al fan più accanito curiosità e aneddoti mai sentiti prima e descrivendo la sua vita come una salita verso l’amore vero regalatogli da una famiglia ed una serenità a lungo cercate e mai trovate, pur in periodi di successo e fama interplanetaria. Lettura al bacio! Ancora una volta, come se ce ne fosse stato bisogno, Paul ha dimostrato chi sia la vera anima della band mascherata!

Matteo T.



SCORPIONS – Return To Forever
Sony Music
2015

Ahahaha!!! Grandi gli Scorpions!!! L’unica band tra tutte quelle che hanno giurato e spergiurato di sciogliersi dopo il famigerato “Farewell Tour” a piazzarci anche, tra capo e collo, un album di inediti nuovi di pacca! Si sa che nel rock’n roll promesse e dichiarazioni vanno a farsi benedire nell’arco di un ciclo lunare ma adesso bisogna capire se questo tanto pubblicizzato “Return to Forever” sia riuscito a centrare l’obiettivo di gabbare ancora per qualche anno gli ospizi tedeschi. Obiettivo, togliamo subito la “suspence”, raggiunto. Sia chiaro: è improbabile che nella set-list del World Tour 2032/33 ci potranno essere brani di questo disco a riscaldare i cuori di quel pubblico del futuro. Tuttavia qualche anthem d’impatto c’è ancora, a cominciare dal primo singolo “We built this house” che mescola un po' tutti gli ingredienti che hanno reso celebri gli scorpioni crucchi negli anni d’oro. La qualità media è buona e pur tra qualche filler (la ridicola "Rock my car") e qualche traccia di mestiere ci si diverte ancora un sacco, vedi la sbarazzina "All for one" nella quale un ripulito James Kottak pesta il campanaccio come non ci fosse un domani! La tamarra "Rock’n roll band" fa muovere il culo, le asce del duo Schenker/ Jabs sono il motore di quella Mercedes che non ti lascia mai per strada e regalano ancora brividi nelle immancabili ballads “House of cards” e “Gypsy Life”. Ci avete fatto divertire anche questa volta? …Jawohl!!!

Matteo Trevisini


SISTER SIN - Black Lotus

Victory Records
2014

Non potevo esimermi dallo scrivere qualche riga su quello che a mio parere è il “miglior disco” dell’anno appena trascorso. Ci sono voluti alcuni anni e diversi album, siamo al quinto, per raggiungere una maturità artistica ed uno status di band “major” oramai riconosciuto a livello planetario. La formula magica? Una donna bella e sensuale al microfono? Assolutamente no! Perché Liv Jagrell sfodera una grinta rock metal che non ha eguali nel campo femminile e se la gioca alla pari con i migliori player di sesso maschile.Se “Food For Worms” è giusto un apritivo preparatevi alle scudisciate di “Chaos Royale” e soprattutto “Au Revoir”. Jimmy Hiltula cesella le chitarre come rasoi multilama e i due (Strandh e Dave Sundberg) addetti al “motore ritmico” sembrano aver imparato a memoria le lezioni delle grandi band metal teutoniche dei primi anni ottanta. Il gusto melodico che Liv riesce però a dare ad ogni brano è senza pari. Ascoltatevi “Desert Queen” e “Count Me Out” e mettevi il cuore in pace. Non c’è interprete migliore di certi suoni al giorno d’oggi. I nostri sanno anche imbracciare una sei corde acustica ed ammaliarci con la splendida “The Jinx”. E qui potrei fermarmi e chiudere tutto. Ma c’è spazio per gli ultimi due vagiti (eh sì, laddove tutti ci propinano album lunghissimi pieni di filler qui i pezzi sono “solo” nove) che si fanno ascoltare senza essere imprescindibili, a dire il vero. Nessun problema. L’album tiene e si merita il massimo dei voti! Non usiamo i voti qui a NoRespect? Pazienza. Avete capito, credo!
Alessio C.

REVOLUTION SAINTS - Revolution Saints
Frontiers Records
2015


Polemiche su polemiche...sempre! Chissenefrega se i Revolution Saints sono palesemente una band studiata a tavolino dalla Frontiers? Chissenefrega che il "deus ex machina" dietro al super-gruppo sia l'onnipresente Alessandro Del Vecchio e sia stata ripresa addirittura una canzone di Francesco Renga (sembra sia una blasfemia)? Chissenefrega se è una band nata morta?...sarà capace Deen Castronovo di suonare la batteria e cantare come su disco contemporaneamente? O ancora "bah!...è solo un mero plagio dei Journey e le linee melodiche corrono affannosamente dietro ai picchi firmati Perry/Pineda". Chissenefrega di tutto questo quando, inserendo il disco dei Revolution Saints nel lettore, rimaniamo basiti davanti a cotanta beltà...eh sì, signori miei, questo disco vive di una bellezza fatta di Canzoni con la "C" maiuscola, merito di una registrazione dinamica che da aria alle melodie per farle esplodere in tutto il loro splendore. Doug Aldrich mette il "Turbo Boost" scoperchiando letteralmente le casse e regalando le consuete prove di energia e classe che abbiamo imparato ad adorare negli ultimi album del “Serpente Bianco”. Ma Deen Castronovo?... come non bastasse il comprovato talento dietro le pelli, il nostro ci riserva una voce da capogiro, certo non perfetta, ma proprio per questo più vera e polverosa e che fa guadagnare alle canzoni ancor più energia. Forse solo il talento di Jack Blades rimane parzialmente in ombra. "Back on my trail" è solo la punta dell'iceberg ma è tutto il platter a viaggiare su livelli eccellenti: alzi la mano chi non metterebbe "Locked out of paradise" in repeat. Le ballads poi, distribuite lungo tutta la durata, regalano momenti paradisiaci. Non sarà un capolavoro ma è un album che - ci scommetto i calzini - sarà presente a fine anno nella maggior parte delle classifiche dei top album del 2015!

Matteo Trevisini



NEIL PEART - Il viaggiatore fantasma: un anno in moto per ritrovare la vita
Tsunami Edizioni

Finalmente un libro di musica che non parla di musica scritto da un musicista che non racconta il suo essere musicista. Eravamo sinceramente stufi e annoiati da tutte le biografie di bands e artisti tutte simili a se stesse: la cronologia un pò reale ed un pò (tanto) romanzata dell'abusato teorema "sex, drugs & rock'n roll"... eccessi in tour, pollastrelle, studi di registrazione imbiancati da polveri di derivazione non edile... letto "The Dirt" si può andare solo in calando. La sempre più attiva Tsunami ci regala (ehm forse no, non lo regala!) un libro prezioso scritto da Neil Peart, il metronomo umano che da quarant'anni è il motore instancabile dei Rush, uno dei più fulgidi esempi di come si possano fare splendide canzoni pur suonando tonnellate di note. Dopo il tour di "Test For Echo" (siamo a fine anni Novanta), come un fulmine a ciel sereno, la famiglia Peart subisce l'incubo peggiore dell'essere genitore: Selena, la loro unica figlia, muore in un incidente in auto mentre si sta trasferendo per iniziare il college. Il dolore è talmente forte ed insopportabile che nemmeno un anno dopo anche la moglie Jackie si arrende ad un tumore (che sa tanto di crepacuore). Neil rimane solo con i suoi fantasmi, annichilito da un dolore indescrivibile, circondato sì dai familiari e dagli amici, ma da solo a tentare di dare un perchè a tanta crudeltà ed ingiustizia. Da sempre amante dei viaggi e della moto decide, per non perdere l'integrità mentale, di saltarle in sella senza una meta: l'acceleratore per scappare dalla persona che non è più. La sua BMW rossa lanciata attraverso i boschi del Canada fino all'Alaska... la natura incontaminata e la solitudine rigenerante come il freddo polare che lo circonda. E' avvincente seguire su Google Maps il tragitto che Neil affronta giorno per giorno: per escludere la mente dal dolore delle perdite macina migliaia di miglia. Arrivato in Alaska punta verso sud a bighellonare tra Iowa, Utah, Nevada e California tra crisi di rigetto, momenti di odio verso il genere umano e la scoperta della bellezza della vita attraverso i panorami mozzafiato dell'andare "on the roads" attraverso gli Stati Uniti. La creazione di un nuovo "Io" attraverso il viaggio: il viaggio è cambiamento, rinascita, conoscenza e consapevolezza. Ricostruire se stessi dopo che la vita crudele ti ha portato via nell'arco di soli 12 mesi tutte le fondamenta su cui avevi edificato il tuo percorso terreno. Un pò diario di viaggio, un pò romanzo epistolare, Neil si destreggia molto bene: la sua è una scrittura ricca di aneddoti sui posti visitati e sulla sua vita "precedente" elaborando il lutto a modo suo fino alla rinascita verso una nuova vita. Libro da avere e fare proprio: arricchimento spirituale assicurato.

Matteo Trevisini

DANKO JONES – Fire Music
Verycords
2015

Eccolo, puntuale come un orologio svizzero, il nuovo lavoro di Mr. Danko Jones. Dal Canada con furore, sempre uguale e sempre incazzato. Il coloured di Toronto che soffre di priapismo cronico è ancora qua! Fire music mantiene le coordinate degli ultimi album ed il motore del power trio è brillantemente su di giri. L'avvicendamento dietro le pelli con  l’arrivo di Rich Knox porta più potenza e dinamismo facendo brillare la qualità del lotto. Rabbia, sudore e naturalmente sesso... con Danko non si sbaglia mai. Rock 'n roll ad alto voltaggio da ascoltare a volumi da denuncia in auto e nel mentre farsi venire una coscia viola a suon di pacche per tenere il ritmo di queste bordate soniche. Che ve lo dico a fare... se vi è sempre piaciuto il rocker canadese quest'album sarà nelle vostre top priority del 2015. In caso contrario avrete smesso di leggere già alla seconda riga. Con titoli come "Gonna be a fight tonight", "Do you wanna rock" o "Getting into drugs" non c'è dubbio alcuno: con Danko Jones non aspettatevi di avere profonde disquisizioni sul perchè esistiamo ma solamente calci nei denti e sorrisi beffardi nel farlo! Una delle prime conferme di questo inizio anno.

Matteo Trevisini
FARE ANCORA CLASSIFICHE NEL 2014?

Ha ancora senso fare classifiche di fine anno? Fino a dieci anni fa riuscivi a star dietro a buona parte delle uscite, oggi no. A meno che uno non ascolti 24H lo stesso genere. "Missione" che non mi/ci appartiene ed interessa.  E allora un paio (... alcuni che saltuariamente ci danno una mano pare non siano riusciti a mettere insieme una lista di titoli datati 2014, cosa che riesco a comprendere) di elenchi in quantità a discrezione di quello che c'è piaciuto. Siamo certi che in giro ci possa essere di meglio, ma altrettanto sicuramente ad abbondare è il peggio.

 
Walter B.

1) THE JEZABELS - The Brink
Non c'è nulla da fare, per me sono una delle poche (o forse l'unica?) grandi bands emerse negli ultimi anni. Ed Haley Mary è favolosa. I nuovi Cranberries.  
 
Tolti i The Jezabels, primi in classifica, l'ordine a seguire è puramente indicativo: tutti secondi a pari merito.
2) BLACK TORA - Black Tora Heavy rock classico, nella concezione più ottantiana possibile. Americani... e non potrebbe essere altrimenti.
 

2) SISTER SIN - Black Lotus La replica scandinava ai Black Tora. Liv Jagrell è la front-woman del momento in ambito hard rock.

2) EDDA - Stavolta come mi ammazzerai
Il ritorno della voce dei Ritmo Tribale era un disco (il terzo da solista) attesissimo. Non è stato facile il primo ascolto, neppure il secondo. Sempre spiazzante. I testi sono un bel cazzotto. Solo a distanza di settimane mi è finalmente tutto chiaro: disco in italiano dell'anno.

2) ADRENALINE RUSH - Adrenaline Rush Ascoltate le canzoni al Frontiers Festival.  Piaciute. Preso il cd. Piaciuto. Suonano glam metal, musicalmente rullano, lei esteticamente è fuori discussione e vocalmente ci sta dentro.  Il primo ringraziamento è per gli Hanoi Rocks. Serve altro?

2) ARMED VENUS - Armed Venus Si dice in giro che sia uscito anni fa, ma io l'ho recuperato solo quest'anno e siccome nel cd non ci sono date per me è del 2014. Mahatma Pacino è tornato, anche se probabilmente non se n'è mai andato... e poi dai, chi l'ha girato un video come "Jihad To See Her" nel 2014? Nessuno. Mi sono tornati in mente i migliori CCCP. Un bene? Un male? Chissà. Fantastici (sono in cinque però).

2) MOONLAND - Moonland Ah sì, giusto... il ritorno al rock di Lenna Kuurmaa. Elegante, impeccabile, bei pezzi (giusto un paio di riempitivi, ma niente di fastidioso). L'album Frontiers Records che ho ascoltato di più.

Le sorprese di fine anno:


2) CELLULITE STAR - Out of the cage Il primo era bello-bello (riascoltarlo e poi darmi ragione, grazie) ma pagava limiti di produzione. Qui la crescita qualitativa è impressionante. Le ragazze meritano una recensione a sè.

2) MAINSTREET - Second Chance Vale quanto scritto sopra per le Cellulite Star, anche se il primo dei Mainstreet pagava qualche ingenuità di troppo. Ma il presente si chiama "Second Chance" e l'inserimento nella top del 2014 non è una marchetta (anzi, la prossima volta si sentano pure in dovere di ringraziarmi a tutta pagina nel booklet). Finchè un genere può contare su ragazzi con una simile passione (passione che sono in grado di riportare su disco) è difficile pensare possa avere vita breve.   

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Mi aggrego a Walter e cito quei cinque/sei titoli che mi hanno regalato qualche brivido nel 2014. Non sono mai stato un appassionato delle band “quattro maschi e una bionda” (ho sempre preferito la parità di sesso, modello Nashville Pussy tanto per fare un nome) ma l’anno ha sancito, nei miei gusti, una inversione di rotta. Aspettando nel 2015 il ritorno di Grace Potter!

Alessio C.

1) SISTER SIN - Black Lotus

Il disco della maturità per la band svedese guidata da Liv Jagrell. “Au Revoir” e “Desert Queen” i due pezzi che ho consumato nei miei viaggi in auto.


Una sorpresa quasi inaspettata da una band pronta al decollo planetario.

2) THE PRETTY RECKLESS - Going To Hell

Perfetto in tutto. Iniziando dalla cover (copertina intendo) e finendo ai due pezzi acustici messi in fondo giusto per giustificare un prezzo maggiorato alla “Deluxe Version”. 

3) ADRENALINE RUSH - Adrenaline Rush Ammazza, l’età mi sta “fottendo”. Poco a poco. Due dischi citati anche dallo stoico scribacchino friulano. Però c’è poco da fare. Per me rappresentano una bella novità. Non so quanto costruiti a tavolino, ma i pezzi ci sono e il physique du rôle della singer è fuori discussione.

4) HELL IN THE CLUB - Devil On My Shoulder Che dire? La band italiana è l’unica al momento che puo’ competere in ambito sleaze-metal con i big nordici (tutti!). Songwriting senza sbavature, perizia strumentale superiore alla media ed alcuni pezzi che non lasciano scampo. Una citazione la dedico alla ballata “We Are The Ones”: fenomenale.

5) THE TREATMENT - Running With The Dogs

Con gli Answer sembrano essere rimasti gli unici in terra d’Albione ad interpretare il “rock di strada” con la giusta dose di grinta e voglia di sfondare. Dopo un esordio scoppiettante questo secondo lavoro ha l’unico difetto di essere un po’ troppo lungo (19 pezzi nella versione lusso sono un po’ troppi per una band di novizi). Ma hanno i numeri per fare ancora meglio.

Non ho citato ma meritano una nota di merito i CRAZY LIXX che con l’omonimo album uscito su Frontiers riaggiustano il tiro del precedente e moscio “Riot Avenue” e si riappropriano del ruolo di leader della scena svedese (almeno per il 2014), i TESLA di “Simplicity”,  i DEAD DAISIES di Dizzy Reed e Richard Fortus il cui cd però era stato anticipato dalla rivista inglese Classi Rock nel 2013, i danesi SUPERCHARGER dello scoppiettante “Broken Hearts And Fallaparts” e a chiudere i CONFESS dell’esordio “Jail”, altra band svedese (a testimonianza di un vivaio inesauribile) che tanto mi ha ricordato i compianti Maryslim.




DERDIAN – Human Reset
Spiritual Beast 2014

Se il quinto album dei nostrani Derdian fosse uscito nel 1999, per l'allora ventenne recensore qui presente sarebbe stato un acquisto a scatola chiusa. Oggi però il panorama musicale è cambiato e i ventenni ricercano cose diverse. Sono quindi encomiabili i Derdian, che sfornano un album coerente col loro passato (power epico e sinfonico, ovviamente a-la Rhapsody, ma senza dimenticare i seminali Helloween), senza inseguire le mode del momento. Per non risultare datati, arricchiscono il sound con arrangiamenti ricercati, aperture prog, melodia a badilate e un cantato sempre convincente, pure nei brevi inserti in madrelingua. Buon gusto, produzione curata, testi non banali e molta convinzione dei propri mezzi sono i pregi di “Human Reset”. Da ascoltare, per comprendere la varietà della proposta,  la title track (classicissima nel suo andamento epicheggiante), la più moderna “Mafia” (che ricorda gli Evergrey se avessero Kiske alla voce) e l'intricata e intrigante “Gods Don't Give a Damn”.

Giampiero N.


BLACK TORA - Black Tora
Spiritual Beast (Japan)  2014

Si tratta della stampa giapponese dell'omonimo esordio. La band è di quelle texane da comperare. La strafottenza dei giovani Skid Row, l'estro dei primi Van Halen, l'immancabile marchio Judas Priest nel porsi, questo sono i Black Tora (ma l'elenco delle bands a cui si rifanno comprende Keel, Loudness, Steeler, Warrior... gli appassionati hanno capito benissimo). Serve la stampa japan? Sì, a meno che non abbiate già "Raise Your First", il primo e.p. del 2012, quello che li aveva catapultati direttamente nella lista delle bands americane da tenere in massima considerazione in vista del full-lenght. Come suona quindi l'e.p.? Deflagrante e fiero come un'armata di carroarmati che scende frizzante da una duna desertica e con gioia dissotterra gli scorpioni. Non ho invece nulla da scrivere sull'omonimo essendo il miglior disco americano (quindi del globo) di genere dell'anno. Nulla di meno. Toh... "Break Down The Wall" e "Born To Play Loud", giusto due titoli per abbattere la concorrenza. Sorrido beffardamente constatando che escono tanti (non è che siano troppi?) dischi belli Made in Scandinavia, ma poi ti arriva il consueto bombardiere annuale a stelle e strisce ed agli altri non resta che accodarsi a capo chino e subire. Tirando le somme, in ambito heavy rock esistono attualmente solo due bands: i BLACK TORA per i veri uomini, i SISTER SIN per gli altrettanto rispettabili voyeuristi.
Il resto, comunque si chiami, è stato incenerito.

Walter B.  


Continua il tour di EDDA... clicca sulla foto per i dettagli!


THE BLACK CROWES - Live At The Greek 1991
Smokin’ Records

2014

Quando parli dei Black Crowes ti scontri con una realtà difficilmente rappresentabile, tante sono state le caratterizzazioni artistiche della band di Atlanta. Dal fulminante esordio del 1989 al capolavoro assoluto di tre anni dopo “The Southern Armony And Musical Companion”, per proseguire con gli innumerevoli lavori seguenti che ne hanno dilatato le forme artistiche a scapito di una freschezza “giovanile” che non è più stata cercata. O trovata! Gli album negli anni si sono fatti più intimi, i concerti dal vivo più “sudisti” (alla Allman Brothers oserei dire), ma anche più “noiosi”, mi si passi il termine. Qualche mese fa ha fatto la sua comparsa questo bootleg che riprende una data dei corvi neri al Greek Theatre di Los Angeles nel 1991, esattamente a metà tra l’uscita dei primi due dischi in studio (da non confondere con il live registrato assieme a Jimmy Page qualche anno dopo). La registrazione è una “broadcast recording”, quindi presa da una diretta radio dell’epoca ed ha un suono a dir poco eccellente. Ma non è solo questo che rende l’album un “must have” assoluto.Da questi solchi si sprigiona l’energia incendiaria di una band al top della carriera artistica. Pezzi propri presi dall’esordio si mischiano a cover di artisti del calibro di Beatles, Gregg Allman, Mississippi Fred McDowell e Bukka White come fossero un tutt’uno. Ripeto, a livello di dinamicità, qui tocchiamo l’apice di una carriera che, seppur fantastica, è virata poi verso qualcosa di diverso.

Alessio C.



ADRENALINE RUSH - Adrenaline Rush

Frontiers Records
2014

In un mercato asfittico e senza più alcuna direzione stilistica di riferimento una etichetta come Frontiers sta acquisendo sempre più lo status di “ultima barriera” a difesa del rock melodico. Innumerevoli i nomi storici che la casa partenopea sta promuovendo (non ne abbiamo parlato ma, ad esempio, l’ultimo Tesla è un disco da prendere ad occhi chiusi) ma parecchie sono anche le nuove scoperte che, perlomeno, godono di una distribuzione capillare e di una discreta promozione. Gli svedesi Adrenaline Rush sono una “entità” che si è formata (è stata costruita?) attorno alla figura intrigante della singer biondo platino Tave Wanning. Sguardo sensuale e voce provocante non sono gli unici ingredienti di questo esordio. Siamo sì alla rincorsa di alcuni nomi che vanno per la maggiore, penso a Pretty Reckless e Halestorm, ma il materiale proposto gode di discreto pregio artistico e di un songwriting curato ad elevato tasso melodico. Il resto potrebbe farlo Tave che, oltre alla sua bellezza etera, dovrebbe aggiungere una maggiore personalità vocale a canzoni ben costruite come “Black'N’Blue”, “Change” (gustatevi il video), “Generation Left Behind” e “Girls Gone Wild”.


Il disco comunque scivola via bene, mischiando pezzi “emotivi” (posso chiamarli così?) come “When We’re Gone” e “Too Young Too Die” a tracce più tirate. Pollice su.
Alessio C.
BULLFROG - Clearwater
Grooveyard Records 2014

Impegnato in questi giorni nell’ascolto delle ristampe di Led Zeppelin IV e Irish Tour ’74, riedizione monster per i quarant’anni del capolavoro di Rory Gallagher, ho trovato naturale calarmi nelle undici tracce del nuovo album dei veronesi Bullfrog.

Si tratta del quarto parto di un percorso artistico che comincia a farsi corposo e sempre più apprezzabile. L’interessamento dell’americana Grooveyard Records segna un punto di arrivo non indifferente per una band che nella sua musica ha seguito un percorso ben definito fin dalle origini.L’incipit di “No Salvation” è di quelli senza appello. Intro di basso, giro di chitarra classico ed un refrain per nulla scontato che ci accompagna nel territorio della perdizione (“You get no salvation…”). Gli ingredienti di un lavoro che pesca a piene mani negli intramontabili settanta ci sono tutti. Il wah wah ossessivo di Silvano Zago, il drumming alla Ginger Baker di Michele Dalla Riva e l’ottimo timing di Francesco Dalla Riva che oltre a formare con il fratello un arrembante macchina da guerra ci regala una prestazione vocale in continuo miglioramento. “Slow Trucker” con la sua ipnotica cadenza, la title-track, la ballata sudista “Say Your Prayers” e in chiusura l’acustica “Better Days” incorniciano un lavoro di respiro internazionale. In tempi di revival spinti e (spesso) forzati non è male accostarsi a chi il blues-rock lo vive sulla propria pelle e ce lo “serve” con classe da tempi immemori.
Mi sembra di aver scritto tutto.

Alessio C.


NICKE BORG HOMELAND - Ruins Of A Riot
Gain – Sony Records
2013

E’ datato 2013 ma di fatto esce in questi giorni sul mercato internazionale il nuovo solista di Nicke Borg. La notizia che i Backyeard Babies sono pronti al rientro ha già fatto il giro del mondo (confermata la loro presenza al prossimo Sweden Rock Festival), ma i due leader riconosciuti della band svedese non lesinano uscite in solitaria e comparsate varie.Questo “Ruins Of...” è il terzo lavoro di Nicke e senza nulla aggiungere ad una carriera ricca di soddisfazioni dà l’ennesima dimostrazione di un talento cristallino. I pezzi, è vero, si muovono su territori più “popolari” rispetto al lerciume di ispirazione Social Distortion che ha caratterizzato l’ultima decade dei BB, ma è difficile rimanere impassibili di fronte a tale beltà. Dall’opener “This Army” alla celestiale ballata “End Of The Rainbow” (traccia numero quattro) è una esplosione di melodie ed arrangiamenti. Se i dischi vendessero ancora potremmo parlare di “musica commerciale” ma utilizzare questo termine ai giorni nostri è alquanto fuorviante. “Borrowed Feathers”, “Hearthless Hooligan” e “Ruins Of A Riot” le altre composizioni che meritano una citazione. Certo, vedere mille tatuaggi davanti a un microfono che intonano “Devil Angel Mother” può lasciare l’ignaro ascoltatore alquanto perplesso, ma come si dice… l’apparenza a volte inganna. Parentesi “onirica” a parte, un veloce ricongiungimento con Dregen è comunque più di un semplice auspicio!

Alessio C.



Il prossimo mese di novembre la band tornerà in Italia per tre concerti organizzati in collaborazione Hub Music Factory e BPM Concerti. Questi i dettagli delle tre date in programma:
H.E.A.T. + Kissin Dynamite + Sherlock Brothers + Hi Fi Society 
28.11.2014 | Rock'n'Roll Arena, Romagnano Sesia (NO) | Evento Facebook
H.E.A.T. + Sherlock Brothers
29.11.2014 | Rock Planet, Pinarella di Cervia (RA) | Evento Facebook 
H.E.A.T. + Sherlock Brothers (clikka sulla foto)
30.11.2014 | Teatro Miela, Trieste | Evento Facebook

RICH ROBINSON - The Ceaseless Sight The End Records 2014
Terzo album per il fratello “meno in” dei Robinson, che segue a giorni le uscite, molto vicine per influenze, generi trattati e qualità interpretativa, dei Chris Robinson Brotherhood e di Marc Ford. Tutti stabilmente in rotation nel mio nuovo Ipod di ordinanza. Rich vocalmente non è il massimo, inutile stare qui a ripeterlo, manca di quel fascino che ha reso il fratello una icona del rock sudista. Ma dal punto di vista degli arrangiamenti non si discute. L’opener classicamente sudista “I Know You”, le successive “Down The Road” e “One Road Hill” disegnano appieno i tratti salienti dell’opera. Acustiche e slide, piano, organi e fiati, cori proto-gospel (si senta “The Giving Key”). Nulla manca in queste dodici tracce, ognuna delle quali rappresenta una chiave di lettura dell’America più rurale, quella più lontana dalle metropoli più ossessive. Quando si dice che non si fanno più “i dischi come una volta” mi si trova perfettamente d’accordo, ma con le dovute eccezioni.

Alessio C.


Report del Festival GO 4 ROCK (feat. TYGERS OF PAN TANG)
19 / 20 settembre 2014 - Gorizia
Clicca sulla locandina per i dettagli.

HAIR DRYER - Off The Hairadise Soundfarm 2013

Poi scarti il cd degli Hair Dryer pensando di trovarti davanti i soliti imbellettati a mascara che pensano sia sufficiente un manto di cerone per suonare, ma soprattutto essere, glamsters. Il look della band ricorda invece la follia tutta divertimento di Faith No More ed Ugly Kid Joe! Non resta quindi che buttare su il cd con rinnovate speranza e fiducia. Possono bastare tre battute di numero per perdere il controllo? Tiro subito la conclusione: con Black Rain (Francia), Sister (Svezia), Jolly Rox (Italia) e Pleasure Addiction (Francia) una delle miglior glam metal bands dell'ultimo decennio.

Andata in malora (piuttosto in fretta, guardandosi indietro) la scena cotonata svedese dopo i primi botti pilotati dai Loud'n'Nasty è toccato al resto d'Europa far sua la lezione americana e traghettare il genere a nuova vita. Mancava proprio una realtà svizzera, terra da sempre fucina di bands che il tempo ha consegnato al culto. Il medesimo destino è già segnato per gli Hair Dryer. Che canzoni d'annata sono "Slepless night", "Grow your hair", "Gone by now", "Why don't you leave me", Give It all", "Kiz@Play", "My lady stood me up"? Molti meriti vanno a Dave Niederberger, una voce che qua e là rimanda a Tom Kiefer, semplicemente perfetta per il genere e quanto di meglio possa offrire oggi la piazza. Sono comunque le canzoni a girare in maniera coinvolgente, contrappuntate da quelle tastiere siderali che mai faranno blues, non fanno sleazy e mai sono state hard rock.


Qui c'è quel sogno che intende e ricerca chi il glam metal lo mastica d'istinto, mescolando Hot Boy,
Billy Idol, De Mont, Zinatra, Starry Eyes, Pretty Boy (quelli di "Rockin' like a radio"), Agent X. Gli Hair Dryer si impossessano di una camera d'attico in cima alla piramide: da comperare (e di corsa) per goderne ora e potersene compiacere pure tra qualche anno. A buon intenditor poche parole.
Walter B.


NITERAIN - Crossfire
Niterain Enterpraises 2014

Simpatici, irreverenti, norvegesi. Sebastian, Morten, Frank e Adrian indossano t-shirt di Bon Jovi e L.A.Guns e con la spavalderia che contraddistingue i ventenni d’oggi cresciuti a Guns N’Roses e Motley Crue (ce ne sono ancora?) si buttano a capofitto in questa avventura.

Dodici pezzi di adrenalinico street metal (c’era bisogno di dirlo) canonico nei titoli, “Bad Girl”, “Dirty”, “Hey Babe” e nella struttura musicale, ma capaci di regalarci ottimi momenti di svago.Non nascondo che ho ascoltato così tante volte “Make My Day” e “My World” da impararle quasi a memoria, cosa che non mi capitava da un bel po’.Nessuno compra più dischi lo so, quindi l’invito è inutile. Fategli visita su YouTube almeno.

Alessio C.



THE RED DEVILS - King King Def American Recordings 1992

Rick Rubin e George Drakoulias in cabina di regia. E un portafoglio incredibilmente ricco che comprendeva tra i tanti nomi del calibro di The Black Cowes, Raging Slab, Masters Of Reality, The Four Horsemen. La Def American Records all’inizio degli anni novanta era una incredibile fucina di talenti in campo rock stradaiolo. E ogni tanto continua a capitarmi tra le mani qualche nome “nuovo” a me sconosciuto. Come questi The Red Devils, qui nella loro unica incisione sulla lunga distanza. Un live, imposto da Rubin come presentazione della band, registrato in un malfamato locale di Los Angeles, il King King appunto, ritrovo dove la band amava esibirsi tutti i lunedì sera.Qui siamo un po’ lontani dai nomi di cui sopra, esercitandosi la band in fumiganti cover blues (da Willie Nelson agli Howlin’ Wolf) e un paio di pezzi originali , ma rimane comunque la testimonianza di una band dal potenziale devastante, castrata nelle intenzioni e nelle proposte musicali dalla strabordante e spesso esagerata personalità di Rubin. Concerti in Europa, collaborazioni con Johnny Cash e Mick Jagger, recensioni entusiastiche dell’epoca rimangono comunque aneddoti non da poco che i cinque si porteranno dietro per molti e molti anni.

Alessio C.

[ps: è del 2012 la ristampa ufficiale, solo in LP, della label specializzata Music On Vinyl]


KIX - Rock Your Face Off Loud & Proud Records 2014

Quanto tempo è passato? Vent’anni circa dall’ultimo vagito, quel “Show Business” che nel 1995 decretava la fine di un’avventura iniziata nel Maryland nei primi anni ottanta.Non nascondo una certa simpatia per Steve Whiteman e soci capaci, nei lavori passati, di avvicinare la ruvidezza degli AC/DC con l’hard blues degli Aerosmith.Le dodici tracce qui presenti non fanno eccezione e presentano una band tutt’altro che sul viale del tramonto. “Wheel In Motion” è l’attacco deciso dai nostri e non poteva esserci biglietto da visita migliore. L’ugola di Steve è perfettamente in linea con il passato, migliore di tanti singer sopravvissuti, così come i riff di Younkins e Forsythe sostenuti da una base ritmica rocciosa e precisa. Occorre aspettare la successiva “You’re Gone” però per fare un sospiro, battere il piedino e urlare “ecco i Kix!”. La produzione è senza fronzoli, a tratti scintillante e il songwriting quasi stellare. In successione “Can’t Stop The Show”, “Rolling In Honey”, “All The Right Things”, “Dirty Girls”, l’acustica (poteva mancare?) “Inside Outside Inn” e su tutte “Love Me With Your Top Down” esplicita nel testo e nella partitura musicale. I Kix ci servono quello che ordiniamo al tavolo senza sorprese. Menù fisso da camionista che bada al sodo. Preferite pietanze più elaborate? Servitevi al ristorante "In" di fronte.

 
Alessio C.


MATT SORUM’S FIERCE JOY - Stratosphere RokDok Recordings 2014

Il Matt Sorum che non ti aspetti. Voce, chitarra, piano e ovviamente batteria. Ma non mancano gli strumenti di una vera mini orchestra, per un album che è ricco di sfumature e che attacca “The Sea” come fosse un Tyla ringiovanito, dall’ugola pulita ma particolarmente ammaliante. Quello che colpisce in queste dodici tracce più intro (ed outro) è la varietà di stili che l’ex Guns N’Roses affronta con inusuale facilità. Fiati in evidenza su “What Ziggy Says”, tributo al duca bianco David Bowie, ritmi serrati a definire i confini di “For The Wild Ones” per poi spostarsi sui classici territori slow. Ballate suadenti che rispondono al nome di “Goodbye To You”, “Gone” (dal finale mozzafiato), “Lady Of The Stone”, “Ode To Nick Drake” e in primis “Josephine” avvolta tra due note due di pianoforte ed un violino che alzano il tasso malinconico del pezzo. Certo questo è un classico lavoro da ascolto, “ambientale”, mi si passi il termine ma che non disdegna alcune sperimentazioni. Come definire la tromba dei minuti finali di “Killer N Lovers” se non jazz? Lo sto ascoltando assieme al terzo disco dei Chris Robinson Brotherood e devo dire che i due dischi si abbinano perfettamente. Buona la prima Matt (o è la seconda?). Mah!

Alessio C.


HEAVY TIGER - Saigon Kiss
HRRecords
2013

Vedi le Heavy Tiger nel booklet di questo cd ed è subito colpo di fulmine. Le ascolti e te ne innamori perdutamente. Non c’è partita dai. Non sanno suonare? Ci sono milioni di bands che le asfalterebbero dopo due accordi? Balle.

“Saigon Kiss” (spero che il buon Walter metta un bel link al video!) ha quel gusto pop che ti trascina in un vortice multicolore e “Chinatown” ne sposa in toto le stesse coordinate. Il garage rock svedese classico, quello che è nato con gli Hellacopters più smaliziati, alla continua ricerca dei Kiss d’annata. Maja, Sara e Astrid giocano con le linee di basso, usano sovente i timpani e ti rincorrono coi loro coretti sensuali. “I’m Alive”, “Seven Days Fool” e in chiusura “Talk Of The Town” sono piuttosto esaustive in merito.Nove pezzi, trenta minuti per farsi mettere all’angolo e arrendersi senza condizioni.

PS: ah, le foto sono di Peder Carlsson, giusto per aggiungere una nota di curiosità.
Clikka sulle foto!

Alessio C.

RIVAL SONS - Great Western Valkyrie Earache Records 2014
Mettendo su il nuovo Rival Sons ho subito pensato che un disco così sarebbe stato perfetto come colonna sonora di “American Hustle” al posto di Electric Light Orchestra & company. Le vibrazioni retrò di “Electric Man”, “Good Luck” e “Secret” possono far nascere qualche sospetto (dove le ho già sentite?) ma indubbiamente lasciano il segno. Ho sempre pensato che i Rival Sons, giunti qui al quarto album, siano un band che si può benissimo non amare ma che è difficile, per chi adora un certo tipo di rock “nudo e crudo”, etichettare come derivativi e accantonare. In un periodo di revival spinto non sposo la critica prevalente che cita Led Zeppelin, Bad Company e Doors accomiatandosi con un “molto meglio gli originali”. Qui non esiste nessun Jimmy Page. E Robert Plant è solo un poster attaccato in camera. Non cercateli nei solchi di questo disco. Ma nemmeno nei lavori che stilisticamente cavalcano la stessa onda. Parlo di Scorpion Child o Free Fall, di California Breed o Winery Dogs (i miei preferiti!) giusto per citare i primi che mi vengono in mente. Certo quando ti chiudi in studio con strumenti vintage e registri tutto in analogico è difficile sfuggire a certi paragoni. Ma alla fine ciò che conta sono i pezzi. E qui non si può negare che alcuni siano davvero irresistibili. “Open My Eyes” è uno di questi, anni settanta fino al midollo osseo e un incedere che ricorda i migliori White Stripes. Dovessi fare un appunto, la voce di Jay Buchanan risulta esageratamente “filtrata”, a volte quasi irreale. Uno spreco per un cantante così dotato. Non mancano le songs più ispirate, viscerali blues rock annaffiati di pathos e polvere, poste in chiusura: “Where I’ve Been” lenta e disperata, “Destination On Course” torbida e quasi senza fine.
Oramai una conferma di livello planetario.

Alessio C.


BLACKLIST UNION - Til Death Do Us Part Autoproduzione 2012

Premessa: mi pare ormai normale (... e forse persino salutare) scrivere con anni di ritardo di uscite discografiche. Sommersi di nomi, downloads, promo, acquisti, passaparola e segnalazioni capita spesso di ascoltare buoni dischi, ma di accantonarli a causa dell'incalzare di altri e così via. In questo rincorrersi di new sensations è solo il tempo a dare una mano. Solo il tempo aiuta a separare chi ci fa da chi ci è (o ci è stato). I Blacklist Union si sono formati attorno al 2004 e "Till Death" è il terzo album. Conosco i primi due (già Alessio C. ne scrisse anni addietro, era il periodo di "Breakin Bread With The Devil"), ottimi come il presente. Blacklist Union è un progetto americano che più americano non si può e ruota attorno alla figura del cantante Tony West. Il suono è figlio dell' Ozzy di "Ozzmosis" (ed ovviamente della prima fase dei Black Sabbath), disco che più passano gli anni e più si evidenzia fondamentale nella genesi del carrozzone americano anni Duemila. Comunque sia TDDUP è un album sinistro, oscuro, con rimandi anche agli Alice In Chains, suonato da alcuni membri dei Saliva e supervisionato da Chris Johnson (Hillary Duff). Gente che non suona per finta. Il disco è dedicato ad un caro amico scomparso: se l'intento era (anche quello) di omaggiarne il ricordo creando nel mentre un ponte virtuale tra i due mondi, prima del riabbraccio finale, il risultato è eccellente. Che la morte non ci separi.


Walter B.   


PINO SCOTTO - Vuoti di memoria
Valery Records 2014

Serviva un altro disco di Pino Scotto? Vediamo un po'. Lo segue da sempre, sono di parte e lo so, tuttavia ho ascoltato ancora con curiosità questo "Vuoti di memoria", ipotizzando di trovarci buone cose insieme a banalità o ripetizioni schiave dell'incessante passare del tempo. Devo  riconoscere che si tratta di una bellezza di disco. Perchè? Perchè Pino omaggia (democraticamente metà titoli sono in italiano e metà in inglese) il suo passato volgendo nel mentre un messaggio all'oggi attraverso canzoni che se sono classici la spiegazione è tutta nei testi. Questo può fare un musicista, mica cambiare il pianeta. Canzoni di Luigi Tenco (la versione anni 2.0 de "Il grido disperato di 1000 bands"? Oppure è da qui che nacque quel pezzo?), Gino Santercole e Adriano Celentano in versione Kiss, Ted Nugent, W. Dixon, il blues di Gary Moore, Franco Battiato (disarmante la versione di "Povera Patria", vitalità e decadenza al contempo e nelle orecchie ho ancora l'intervento ai cori di Olly Riva che peraltro arrangia, mixa e produce tutto il disco, ottimo lavoro!), Ivan Graziani (il figlio Filippo riesce nell'impresa di far rivivere la voce del padre duettando con Pino), Elvis "The King"... Dei musicisti che lo supportano non dettaglio, tutta gente professionista (menziono unicamente l'assolo di Ricky Portera ne "Il chitarrista" ed il cameo di Drupi nella spassosa "E' arrivata la bufera" di Renato Rascel) che gli appassionati hanno imparato a conoscere negli anni. E la voce? Sempre più disgraziata, ma ci sta sempre e dico sempre dentro. Pino fatica, ringhia, ruggisce, trema oltremodo, ma alla fine questo è ancora e sempre il suo rock'n'roll. E il tutto (perchè non si tratta di amarcord) si apre con l'inedita "La resa dei conti (kiss my ass)" dal giro di chitarra semplicemente micidiale. Il miglior riff (vuol ancora dire qualcosa oggi?) sentito quest'anno, credo opera di Filippo Dallinferno stando alle note e se ho sbagliato... amen, vuol dire che l'autore è Nazzareno Zacconi. Mi permetto in chiusura un desiderio del tutto personale: a questo punto della carriera cosa mi piacerebbe ancora sentire da uno come Pino Scotto? Un live unplugged, un excursus lungo una carriera, alla maniera dei Kiss, dei Nirvana, dei C.S.I., degli Alice In Chains e dei tanti che negli anni Novanta ci hanno provato con risultati indimenticabili. Una situazione di ennesimo amore per il rock... con la sua voce sconfitta ancora una volta a lanciare segnali di fuoco.      

Walter B.

BLACK RAIN - It Begins

Columbia Records

2013


Quartetto glam metal francese, etichetta discografica Sony, il noto produttore Jack Douglas alla consolle. C’è obiettivamente qualcosa che non torna, ma alla fine a noi cosa importa?I quattro parigini dopo due (o sono tre?... sono tre, ndWB) ottimi album indipendenti, l’ultimo era fuori su SPV a dire il vero, si prendono le loro belle soddisfazioni. E se un tempo la firma con una major, la produzione con un nome di grido e la distribuzione capillare del tuo disco significavano davvero “avercela fatta” ora diciamo che è solo una notizia da fornire in sede di recensione. Non c’è più spazio per questa musica. Ed è un vero peccato per il fan della prima o ultima ora. “Nobody But You” suona come Bon Jovi non ha più fatto dai tempi di "Bed Of Roses", ”Dancing On Fire” annichilisce gli Steel Panther, o quello che ne è rimasto, il resto gira su ottimi binari affiancando la band ai nomi che vanno di “moda” ora, nel genere proposto intendo. Parlo di Reckless Love e poco altro. Da avere.

Alessio C.
I Black Rain hanno studiato, imparato ed applicato la lezione del glam metal americano meglio di chiunque altro in Europa negli ultimi 10 anni, scandinavi inclusi. "It Begins" non è il loro album più diretto e scanzonato come genere comanda, di certo trattasi del più professionale e formalmente impeccabile dei quattro ad oggi editi. Non ci sono Loud'n'Nasty, Crashdiet, Steel Panther, Reckless Love, Sister, Dynazty o chi-volete-voi che tengano. I migliori eredi di Pretty Boy Floyd e Big Bang Babies sono loro.  

Walter B.

ETHERNA - Forgotten Beholder

Valery Records
2014  

La stagione aurea del cosiddetto prog-power di metà anni Novanta ebbe il merito di ri-lanciare (o forse di lanciare e basta) il metal italiano nel mondo. Mai saranno sufficienti le lodi tessute a Rhapsody (Of Fire) e Labyrinth quali apripista di una rinnovata visibilità in musica. I Vision Divine arrivarono di lì a poco e gli Athena ne furono a loro volta una costola. "A New Religion" fu un "apriti-cielo" per un priestiano come il sottoscritto. Ho mollato la presa e gli ascolti del genere da una decina d'anni, ma quando ho letto il nome di Matteo Amoroso (batterista di quegli Athena) non ho potuto non ritornare al tempo che fu. Gli Etherna leggo essere già al secondo disco. Ho ascoltato questo "Forgotten Beholder" con l'interesse di chi ascolta oggi un paio di dischi metal all'anno (più o meno...), quindi senza il cameratismo che spesso accompagna il genere. Senza girarci attorno mi pare un disco perfetto nel genere, alimentato dalla voce di Andrea Racco, un cantante pazzesco! Non da meno le chitarre, chirurgiche ed annichilenti all'occorrenza come genere vuole. Inutile che mi dilunghi, i fans e i cultori conosceranno vita e miracoli dei componenti. Non andrò a riesumare i rispettivi progetti precedenti, ma mi gusto oggi queste bordate che a più riprese mi hanno rimandato ai fertili anni di cui sopra. Non mi pare cosa da poco. Quel che mi riprometto (e mi sento di consigliare al solo ascolto del disco) è di non mancare ad un loro concerto se mi capita di averli a tiro. Occhi (ed orecchie) aperti quindi.

Walter B.

GIOVANNI LINDO FERRETTI
In Concerto A Cuor Contento
24 Maggio 2014, Padova

Ex Macello - via Cornaro, 1 - Padova
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FRONTIERS ROCK FESTIVAL - 01 / 02 / 03 Maggio 2014 Live Club  - Trezzo sull'Adda (MI)
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i tre giorni!



THE PRETTY RECKLESS - Going To Hell Cooking Vinyl Limited 2014

Punta tutto sulla conturbante figura di Taylor Momsen il nuovo lavoro dei Pretty Reckless già dalla foto di copertina, fin troppo esplicita ma decisamente accattivante. Non condivido la “scomparsa” del resto della band (che nell’esordio almeno veniva postata sul retro) ma è giusto un appunto di fronte ad un album che si mantiene a livelli molto buoni in tutti i suoi 14 pezzi, dodici più le bonus acustiche della edizione cartonata.

I primi tre pezzi convincono appieno mettendo in evidenza una cura maniacale negli arrangiamenti, alla vecchia maniera oserei dire, ed una ecletticità vocale della bionda lungo crinita quasi inaspettata. Taylor ti prende a schiaffi con i primi due minuti di “Follow Me Down”, ti accarezza nella parte finale del pezzo, ti piazza un pugno nello stomaco con l’inizio di “Going To Hell” e poi attacca con l’inno di “Heaven Knows”. Un solo ascolto e vi ritroverete in auto ad urlare ai suoi “…singing!”. Gospel? Rock? Questo e quello. “House On A Hill” è la prima slow motion del disco… serve per riprendere fiato giusto prima della canzone che ritengo il fulcro del disco, “Sweet Thing”, dove le chitarre si affilano in riff dal classico taglio metal, così come il drumming forsennato. Le doppie vocals, i rallentamenti centrali e la ripresa a squarciagola fanno il resto. La reinterpretazione del pezzo in chiave acustica posta alla fine del CD non è da meno quanto ad intensità. Qualcuno cita Juliette Lewis. Diciamo che il tasso adrenalinico che trasuda dai pezzi è il medesimo ma la qualità di scrittura è indubbiamente più elevata. Appare evidente la ricerca (presumo) calcolata di un “piglio pop” all’interno di ogni singolo solco. Un esempio? Scorrete al minuto 1:00 di “Absolution” e avrete la percezione di quello che a parole non riesco a esprimere. Con gli Halestorm, i Pretty Reckless rappresentano la miglior espressione di hard rock in chiave moderna da esportazione per le masse.

Alessio C.


[kaiser(schnitt)amboss/laszlo]’s [5(x)5th season] Autoproduzione 2013

Ho cercato un appiglio logico atto a descrivere le 5 tracce dell’ep. Approccio sbagliato. La musica va ascoltata a cervello spento. Se si accenderà una lampadina vuol dire che qualcosa funziona, diversamente prendete quello che avete ascoltato e accomodatelo nell’affollato hangar del dimenticatoio collettivo. Is the divain in differens è la nenia che ha iniziato a ronzarmi in testa… the fift sison, is de last nio, is mai last nio … pare di essere dentro matrix, ma non da protagonisti, bensì nel ruolo di un byte. Scegliete voi in quale byte  riconoscervi, se in quelli del fluire del sangue nella sala anecoica o in quelli di un’immagine riflessa nella stanza degli specchi. E’ un e.p. illusorio, straniante ed allucinato come sa essere Nina Hagen, ridondante come sapevano essere certi Ulan Bator che nulla o poco centrano musicalmente qui ma non mi viene in mente nulla (al momento) di analogamente corporale. Grafica minimale che svela un gusto estetico al passo coi tempi, osservazione che dovrebbe non far piacere ma tant’è, comunque in un rovesciamento di ottica commerciale a cui questi/a/o non possono ambire. Le canzoni paiono intitolarsi Gianluca Becuzzi, Leon Dalton, colonel XS, Noisedelik oltre a [K(s)A/L]. Sono componenti del progetto oppure colleghi? Non so, non ho più l’età per mettermi a cercare informazioni alla maniera dei campioni da rete internet. Tornare alla riga due se non mi sono spiegato. Che poi laszlo sta per Laszlo Toth? Quello che prese a martellate la statua della Pietà di Michelangelo? E’ minimalismo sintetico elettronico interessante, ben fatto, roba di gente che sa il fatto suo e non è di certo nata ieri, un delirio per appassionati di Vainio (o comunque Pan Sonic), roba che ho pure ascoltato da (più) giovane ma che tuttavia, a ben vedere, mi crea ancora più di un sollazzo e risveglio neurale. Da consumarsi comunque in dosi moderate se interessati a mantenere un approccio sociale all’esistenza.


Walter B.
CONCORSO MUSICALE "GO DOWN GOES UNDERGROUND"

Il regolamento del concorso musicale GO DOWN GOES UNDERGROUND sarà consultabile sul sito www.godownrecords.com,mentre sarà possibile tenersi aggiornati e condividere informazioni sul social network ufficiale www.facebook.com/godowngoesunderground.
A seguire il comunicato stampa (clikka sopra il comunicato per il regolamento):



IMPORTANTE: ai 10 finalisti del concorso sarà data la possibilità di partecipare alla compilation in vinile "GO DOWN GOES UNDERGROUND: Collection" distribuita in Europa, un'occasione importante di far conoscere la propria musica!


SCORPIONS - The Farewell World Tour

Il live di Piazzola sul Brenta assume un significato particolare sia per i fan, sia per chi avrà l'ultima occasione di ascoltarli dal vivo. Il Farewell World Tour toccherà 38 paesi e si annuncia come uno degli eventi rock più importanti del decennio.



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SUPERCHARGER – Broken Hearts And Fallaparts Gain Music
2014

Hellacopters, Gluecifer, Backyard Babies e Turbonegro hanno rappresentato, alla fine degli anni novanta, un pezzo di storia del rock di strada fondamentale, assumendo di fatto il ruolo di punti cardine dello “scandinavian rock”. Fenomeno oramai quasi dimenticato e le cui ceneri si sono sparse in mille progetti lontani dai fasti di un tempo.

I “germi” sparsi però non si sono congelati del tutto se è vero che ogni tanto assistiamo alla crescita di qualche nuovi virgulto pronto a raccoglierne, in parte, la pesante eredità. Come il caso di questi sei danesi che, giunti alla terza prova su disco, confezionano un lavoro da urlo. Il primo vero botto del 2014. Li vedi in foto, o in video, e ti paiono subito come una banda di disadattati. Brutti, sporchi e cattivi. E già questo è un punto a loro favore.Ma se passi oltre e metti su il cd ti risulta difficile non rimanerne colpiti (in faccia). “Like A Pitbull” apre le danze e ti presenta subito il conto. Il punk rock come lo si deve suonare oggi. Sputi, risse e sangue. Le chitarre come cesoie affilate, le voci roche ed urlate, una sezione ritmica quasi convulsa. Se i Guns N’Roses nascessero oggi il loro inno sarebbe “Suzi, The Uzi”. Un caos micidiale che scappa da tutte le parti e voci femminili a costruire un chorus quasi commestibile. Un po’ alla maniera dei Silver più sguaiati (ma chi se li ricorda questi?). I nostri sanno costruire ottime canzoni, come “Blood Red Lips” e The Crash (chi ha detto Michael Monroe?), sanno cullare dolcemente le anime perse, si senta l’ispirata acustica di “Goodbye Copenaghen” ma poi caricano il fucile a pallettoni con le scatenate “Hold On Buddy” e “Yeah Yeah Yeah”.


Finita qui?
Direi di no.
Perché non posso non citare “Hung Over In Hamburg”, altra slow song, e “Five Hours Of Nothing”.

Direi che ce n’è abbastanza.

Alessio C.


THE BURNING CROWS - Behind The Veil
Music Buy Mail 2013

Sponsorizzati dal noto sito di vendita online, gli inglesi The Burning Crows ci regalano una manciata di pezzi a metà tra lo street rock di matrice losangelina e il classico hard rock di scuola anglosassone. La produzione, affidata a Nick Brine, appare aggressiva ed adeguata ad un genere che, giusto per rimanere in patria, ricorda i defunti Roadstar. Pezzi tirati (si ascoltino “High”, “Time” e “Slow Up, Get Down) si alternano a dolci ballate (“Here I Am” su tutte) e anche se il tutto sa di “deja-vu” non posso negare che in alcuni frangenti il quartetto guidato dalla calda ugola di Whippz mi abbia riportato indietro con gli anni ai fasti di Asphalt Ballet e McQueen Street.

Alessio C.


RED DRAGON CARTEL - Red Dragon Cartel Frontiers Records 2014

Uno dei migliori dischi del 2013, a mio parere, è stato l’esordio dei Winery Dogs, un lavoro classico ma al passo coi tempi, musicalmente ineccepibile e dotato di un “music appeal” fuori dal comune. Non so perché ma mi attendevo qualcosa di simile da questo “nuovo progetto” che vede il ritorno sulle scene dopo quasi due lustri del buon Jake E. Lee. Ripeto, saranno stati i lontani ricordi dei Badlands, associati a quelli dei Beggars & Thieves (vista la presenza di Ronnie Mancuso al basso) ma mi sono trovato ad avere a che fare con qualcosa di “strano” e completamente diverso dalle aspettative. Il singer che i due “vecchi leoni” hanno scelto, Darren James Smith (già batterista degli Harem Scarem), non si dimostra all’altezza del compito. E non migliorano certo la situazione i numerosi ospiti che si alternano al microfono (Robin Zander, Paul Di Anno, Sass Jordan…) dando all’album una frammentazione di stili che ne inficia il risultato finale. Il disco propone una sorta di hard rock moderno e gioca tutte le sue carte nel pezzo di esordio “Deceived”. Il resto davvero fatica a decollare e pezzi come “Fall From The Sky (Seagull)” o “Slave” denotano una pochezza di songwriting quasi disarmante. Peccato perché Jake sembra in uno stato di grazia quasi “miracoloso” e i suoi solo regalano più di un brivido. Ma dietro la sua sei corde c’è davvero poco. 

A. Carraturo


NASHVILLE PUSSY - Up The Dosage SPV 2014

In un’epoca come quella attuale dove non vendi un disco neanche a tirarlo addosso alla gente (visti i prezzi che ancora si ostinano ad avere) fa un certo piacere rivedere all’opera Blaine Cartwright e soci a
quattro anni dall’ultimo “From Hell To Texas” e a due dal bellissimo side project “Hail Jesus” a nome
Kentucky BridgeBurners. La band di Atlanta necessitava giusto di avere quei tre/quattro pezzi nuovi di punta per poter ripartire in tour ed offrire a vecchi e nuovi fan il meglio del loro repertorio. Nulla di più. Abbandonata l’idea di affiancare una dolce pulzella alla “vecchia leonessa” Ruyter Suys (l’ennesimo cambio alle quattro corde vede ora in pianta “stabile” Bonnie Buitrago) i nostri sembrano aver raggiunto quanto prefissato. Il rock sporco e maleducato di  “The South's Too Fat To Rise Again” e “Beginning Of The End”, le urla al fulmicotone di “Taking It Easy” (Ruyter alla voce), l’istrionica “Hooray For Cocaine, Hooray For Tennessee” che ci presenta interessanti prospettive future per una band che prima o poi dovrà accantonare la foga sleaze e riappropriarsi in pieno delle proprie origini sudiste. Li aspettiamo come sempre al bancone del bar con una bionda in mano dopo uno dei loro “mitici” show.

Alessio C.


FRONTIERS ROCK FESTIVAL

Quando: 01 - 02 - 03 Maggio 2014
Luogo: LIVE CLUB - Trezzo sull' Adda (MILANO)
Commento: uno straordinario cartellone di gruppi!

Le bands (clikka sulla locandina per tutte le informazioni):

01 maggio 2014
TESLA / HARDLINE /  W.E.T. / SNAKECHARMER (con Micky Moody e Neil Murray)  /  THREE LIONS (con Vinny Burns e Greg Morgan) / DALTON / STATE OF SALAZAR
02 maggio 2014
STRYPER / PRETTY MAIDS / RED DRAGONS CARTEL (con  JAKE E. LEE) / LRS (La Verdi, Ramos, Shotton) / ECLIPSE / MOON LAND (con Lenna Kuurmaa - Vanilla Ninja) / ADRENALINE RUSH
03 maggio 2014

NIGHT RANGER / WINGER / DANGER DANGER / JOHN WAITE / JEFF SCOTT SOTO / ISSA / CRAZY LIXX

www.kickinvalentina.com
KICKIN VALENTINA – Kickin Valentina
Highway 9
Records 2013

I botti di fine anno? Sì. Nelle note promozionali la band non nasconde le derive Guns n Roses e Cinderella, unitamente all’amore per un suono carico di groove, batterie pesanti e chitarre fragorose. Conoscevo già Chris Taylor, bassista di quei Rockets To Ruin, prodotti da Rachel Bolan, che nel 2006 mi avevano più che positivamente colpito. L’EP di debutto dei Kickin Valentina lascia quindi poco spazio all’immaginazione: Get Ready sa tanto di Buckcherry, Dirty Girl ha quell’anda bastarda che solo agli americani riesce tanto bene mentre Alone profuma di anthem. Avete presente quelle canzoni che dopo vent’anni tutte le cover band si trovano a replicare (male)? Anita scorre senza infamia mentre la chiusura di Eat And Run enfatizza l’attitudine boogie dei quattro, sempre strizzando l’occhiolino a Josh Todd e compagni. Realizzare un cd full lenght oggi, se non sei già qualcuno, è del tutto inutile. I Kickin Valentina paiono averlo capito (del resto non sono nati ieri) e si assestano tra i più alti in posizione nella mia classifica d’anno 2013. Della band fanno parte anche Joe Edwards (voce, very good!), Heber Pampillon (chitarra, produttore) e Jimmy Berdine (batteria).

Walter B.


VA PENSIERO - 30 anni di ROCK e METAL in italiano
di Gianni Della Cioppa. Con la collaborazione di Walter Bastianel e Marco Priulla.

P
refazione di Omar Pedrini.
Crac Edizioni

https://sites.google.com/site/norespectnr/home/vapensiero.jpg

Rock e metal cantato in italiano...in trent’anni di storia tante cose sono state fatte e scritte ... queste pagine,tra schede esaurienti, discografie dettagliate, testi, raccontano un lungo viaggio fatto di chitarre elettriche, sogni e speranze.
www.markuee.com
BOOHOOS - Rocks For Real Minotauro Records 2013

Pesaro non è Hollywood, questo lo sappiamo bene ma il vinile uscito nel 1989 (ed ora minuziosamente ristampato dalla Minotauro) poteva davvero farci pensare il contrario. Ci sono dentro gli Aerosmith e gli Hanoi Rocks. Quelli più sanguigni e veri. Dieci tracce per uno dei più bei dischi street rock partorito fuori dalle lande americane in quel periodo. Ascoltate i sette minuti e rotti di “Catwoman” e leggete con gusto la recensione di Beppe Riva uscita all’epoca su Metal Shock. Meraviglioso!

Alessio C.


www.scottmorganmusic.com

POWERTRANE - Beyond The Sound Motor City Music 2007

Un disco del 2007 recensito oggi? Ci sta dai. In un periodo di scadenze fiscali intasato fino al midollo osseo (a proposito avete pagato l’IMU?) mi sono inventato di mettere ordine alle pile di CD comprati in anni e anni di spese dissennate. Sto facendo le cose per benino, con tanto di perfette scatole in cartone bianco e arrivato alla lettera P mi sono imbattuto in questo progetto targato Scott Morgan (avete presente? Sonic's Rendezvous Band, The Rationals, The Solution, …). Ricordo che all’epoca il disco mi piacque un botto, ma persi per strada la recensione scritta su uno scontrino della spesa. Niente paura. Dopo cinque anni questi undici pezzi suonano ancora bene. Jim Diamond dietro la consolle dei mitici Ghetto Recorders Studio e uno stuolo di note hard’n’soul. Dall’attacco impetuoso di “Chilly Willy Is Missing” all'incantevole “Nightliner” nulla stona. Se vi sono piaciuti i The Solution qui ci trovate la stessa anima … solo un tantino più grezza!

Alessio C.


Gli SKID ROW annunciano ben quattro date italiane per la fine del 2013! La band statunitense si esibirà nelle città di Torino, Roma, Reggio Emilia e Udine di supporto al nuovo EP “United World Rebellion”.

28/11/2013, Audiodrom di Moncalieri (Torino)
29/11/2013, Crossroad di Roma
30/11/2013, Corallo di Scandiano (Reggio Emilia)
01/12/2013, Pala Cus di Udine


http://theblackstuff.jimdo.com

Clikkando sulla foto informazioni e link sulla data di Udine.

www.derelitti.it

I DERELITTI - Come se non ci fosse un domani 2 Hearts
2013
Credo di aver incrociato un paio di Derelitti al concerto londinese dei Dogs d’Amour (quello in formazione completa di fine febbraio) e, apprezzando i lavori passati di Hollywood Killerz e Pouty Lips, ho fatto mio il “file MP3” di questo lavoro. Nessuna copia in CD ma solo una edizione limitata in vinile per chi ancora (mi dicono esser tanti) dispone di un giradischi e, soprattutto, del tempo da dedicare al solo ascolto musicale. Non conosco gli altri due componenti della band che, suppongo, siano del “giro” torinese. Copertina ultra dandy per un lavoro che ha tante luci, ma anche qualche lacuna. Sulla scia dei concittadini Doberman (autori di un ottimo debutto) i nostri tirano fuori nove pezzi di punk rock’n’roll cantato rigorosamente in italiano. Piace, e molto, il modus operandi della band che unisce i Kiss dei primordi (“Tu mi nuoci”), al proto-punk di Dead Boys et similaria oltre che a buona parte della rivisitazione garage rock di scuola scandinava, senza dimenticare gli  immancabili Hanoi Rocks (“Vedo non vedo”). Se musicalmente la band estorce dei suoni “diabolicamente” intriganti, dal punto di vista degli arrangiamenti vocali fatica a tenere la barra a dritta. Non è un problema del singer in sé, ma proprio della cadenza dei testi che sembra “appiattire” su un binario unico canzoni che musicalmente hanno percorsi differenti. “Eliminailaria” e “Mi svendo” sono piuttosto esemplificative in tal senso. E anche songs come “Derelitta (Psycho babe”) e “Mi esplode la testa” avrebbero avuto bisogno, a mio parere, di una maggior cura “stilografica” che ben ritrovo sulla mia traccia preferita “Livida sbronza d’amore”. La rilettura in acustico di “Derelitta” conferma la bontà di un progetto nato di fronte a due birre ma che potrebbe non chiudersi qui.

Alessio C.


www.facebook.com/blackmamablues

BLACK MAMA - Black Mama Andromeda Relix 2013

Convincono la formula, la passione, ma soprattutto la perizia strumentale e vocale del quartetto veronese che si presenta al pubblico con questo interessante debutto discografico. Otto tracce di classico hard rock settantiano che paga, come deve essere, dazio ai grandi del genere. Perché se ti cimenti in un hard colorato di “delta-blues” come l’opener “41-61” è difficile sfuggire a paragoni di un certo peso. Dai Cream agli Allman Brothers, giusto per dare due coordinate stilistiche, indicate dalla band stessa. La voce calda e corposa di Nicolò Carozzi avvolge di pathos pezzi come l’incantevole “Blues Is Blues” e l’onirica “The Slow One”. Vediamo, giusto per non fare sempre i soliti nomi, avete presente gli Screaming Cheetah Wheelis? Ecco, non siamo lontani da una timbrica alla Mike Farris. I nostri sovente si abbandonano a mini-jam (ottima la sezione ritmica Stellini/Marchioretti e la prima chitarra Nordera) che non fatico a “vedere” allungate a piacimento in versione live. “Round Midnight” e la successiva “Black Mama” ne sono ottimi esempi. Il rock blues è di casa a Verona. Ci starebbe bene una serata giù alle “Cantine dell’Arena” tra i fumi di una grigliata e un amarone d’occasione. Bravi.

Alessio C.


DREGEN - Dregen Universal Music 2013

Messi in naftalina i Backyard Babies e comunque sempre in piena attività nella band di Michael Monroe, l’immarcescibile Dregen trova il tempo di pubblicare su major il suo primo album solista.Trentacinque minuti di sano punk‘n’roll (ma non solo) e un nutrito parterre di ospiti a dar man forte come i “colleghi” Steve Conte, Sam Yaffa e l’ex singer degli Hanoi Rocks, oltre all’immancabile Nicki Andersson.“Division Of Me” apre le danze ed è subito festa! Non distante da certe cose di matrice Backyard, due note di piano a fare da tappeto sonoro ed un refrain che non lascia scampo. Meglio di certo della seguente “Just Like That”, primo singolo e, a mio parere, tra le cose meno indovinate di tutto il disco.Che dire invece di “Flat Tyre On A Muddy Road”? In sottofondo il riff di “Walk This Way”, poco sopra una chitarra acustica e la voce roca di Dregen, supportata dai suadenti cori di Tityo, top singer svedese, in quella che sembra una “preghiera sudista” (a chi???) dalle liriche durissime. A mio avviso il best of dell’intero disco.Con il trittico seguente Dregen ritorna al suo amato rock sporco. E’ vero che “Pink Hearse”, “Bad Situation” e “One Army” (chi ha detto Kiss?) non inventano nulla, tuttavia si mantengono su buoni livelli di songwriting. C’è anche spazio anche per qualcosa di più sperimentale come “6:10” (con Danko Jones) i cui ritmi proto-dance allentano un po’ la tensione emotiva prima di approdare all’inno di chiusura “Mojo Gone”. Dal signor Andreas Tyrone Svensson mi aspettavo esattamente questo.
Sono stato accontentato.
Grazie Dregen.

Alessio C.


THE TEMPERANCE MOVEMENT – The Temperance Movement
Earache Records

2013

Dopo il colpaccio (più che altro mediatico) Rival Sons, la Earache si ributta a capofitto nel rock vintage facendo debuttare i londinesi The Temperance Movement, già autori alcuni mesi fa di un E.P. che aveva favorevolmente impressionato la critica d’oltremanica. Impreziosito da un singer straordinariamente capace, il quintetto si esprime in dodici tracce di autentico rock'n’roll alternando “voraci” mid-tempo da pub fumosi a melliflue ballate. L’inizio scalpitante di “Only Friend” delinea per bene le coordinate stilistiche della band. Stupiscono gli arrangiamento che i nostri “regalano” ad ogni pezzo, roba da veterani attempati e navigati. “Be Lucky”, “Midnight Black” (la mia preferita), ma anche “Know For Sure” e “Morning Rides” mostrano il lato più sporco dei TTM. Ma c’è tanto spazio per il “deponiamo le armi”. E qui sembra davvero di essere al cospetto di “Before The Frost … Until The Freeze” dei fratelli Robinson (sbaglio o anche la copertina ne richiama i tratti visivi?). Da “Pride” a “Serenity” passando per “Chinese Lanterns” e “Lovers And Fighters”, quest’ultima struggente e bellissima. Uno dei dischi del 2013, senza dubbio!

Alessio C.


“Fatevi fottere – Una biografia di Giorgio Canali”
di Samuele Zamuner e Irene Zanetti   Italica Edizioni, 2012 - pp.182   

Terza edizione, 2012. Basterebbe questo per raccontare di una biografia che qualche copia già l‘ha venduta tanto da richiederne successive ristampe. Certo la prima edizione in 333 copie autografe con allegato cd di inediti e rarità mi servirebbe come il sangue, tuttavia stavolta (rimarrà una delle poche se non l’unica, sia chiaro) mi sono accontentato. Troppa l’urgenza di tuffarmi nell’urgenza di Giorgio Canali. Una storia indispensabile al di sopra e prima di ogni cosa possiate cercare o stiate ascoltando in questo momento se vi interessa il rock italiano, quello vero. Non gli aborti che ascolto quotidianamente, anche di proposito. Sono troppo di parte, tra le pagine c’è tutto quello che cerco quando ascolto un disco di rock, tutto quello che mi fa selezionare cosa sia rock e cosa no. In più i testi sono messi giù bene, zero errori, tra ricordi e presente, avanti ed indietro nel tempo tra fermo immagini d’autore ed illogica che è vita. Canali che vive ai margini, con un costante piede nella fossa e l’altro pure, eppure quel margine è l’unica salvezza. Non aggiungo altro, mi sono giusto rubato una foto assieme al termine di un concerto dei Litfiba (Canali ne è il fonico), non ho mai avuto occasione di scambiarci due parole (e forse neppure mi interessa farlo, che avremmo da dirci? Non ho neppure mai visto i Rossofuoco in concerto, anche per scelta se vogliamo, ma conservo gelosamente tutti i titoli e produzioni che nel testo vengono citati e mi bastano per recuperare tutte le risposte che potrei desiderare) riporto quindi brevi estratti (a mia discrezione) di musicisti e non che lo hanno conosciuto, spore che dovrebbero essere inchiodate a tutte le teste di coloro che vogliono o hanno l’ambizione di suonare rock. Il rock che piace a me almeno.

“Lui è l’altro da me per eccellenza … Dio t’abbia in gloria, Giorgio Canali, e conceda ai tuoi giorni pace e serenità, due parole che ti fanno inorridire …” - GIOVANNI LINDO FERRETTI (CCCP/C.S.I./P.G.R.)

“… la mia sensazione di allora era quella di essere ai suoi occhi la pischellina fidanzatina di Magnelli che cazzo vuoi che ne sappia. Ma andava bene così … Sono passati tanti anni, ma mai una volta ho avuto la sensazione di averlo perso.“ - GINEVRA DI MARCO (C.S.I./P.G.R.)

“E noi abbiamo registrato tutti i nostri dischi in campagna, fermandoci anche un mese e mezzo. Anche per questo, grazie Giorgino.” - FRANCESCO MAGNELLI (CCCP/C.S.I./P.G.R.)

“… tra le persone che conosco è una di quelle che meglio sa rispettare il lavoro altrui.” - SERGIO DELLE CESE

“Quando poi Giorgio mi confessò che da giovane aveva fatto il fonico negli spettacoli di Moana Pozzi mi sembrò che il destino ci avesse dato un chiaro segno …” - DAVIDE FERRARIO  

“…che Giorgio Canali sia un artista nell’accezione più pura del termine…” - WILKO (Rats)  

“Lui stava preparando il suo primo album solista ed era palese che, oltre al mio modo di apprezzare il Pinot, gli piaceva il mio modo sporco di suonare …” - AKOSH SZELEVENYI (Noir Dèsir)

“Di tutto ciò devo ringraziare Giorgio e questa è solo una delle due o tre occasioni in cui mi ha salvato la vita.” - UMBERTO PALAZZO (Santo Niente)

“… mi preme assai, nel salutarlo, dire a Giorgio Canali che …. temo resteremo  entrambi due stronzi imperfetti.” - SIMONE LENZI (Virginiana Miller)

“Sì pronto?” “Ciao Luca, sono Francesca, ti andrebbe di fare un provino per Giorgio Canali?” “Chi?” “Giorgio Canali, attuale chitarrista dei C.S.I.“  “Scusa Francesca, ma non li conosco.” LUCA MARTELLI (Rossofuoco, Litfiba)

“…comunque, che lo voglia o no, Giorgio Canali è un punto di riferimento.“ - MANUEL  AGNELLI (Afterhours)

“Io prendevo un pacchetto di Gauloises rosse, lui una stecca di Camel senza filtro. Tutti i giorni. Fumava una stecca al giorno … la nebbia di Ferrara era nulla in confronto” - ENRICO MOLTENI (Tre Allegri Ragazzi Morti)

“Tremavo quando mi diceva che il posto dove stavamo andando a suonare era uno dei suoi club preferiti … i suoi club preferiti erano i peggiori, i posti più freddi e più scomodi che esistano in Italia, se non in Europa.” - VASCO BRONDI (Le Luci Della Centrale Elettrica)   

“Vorrei ricordare che una delle chitarre che ho usato durante il tour di Contatti era una chitarra di Giorgio … è nella cantina di casa mia a Milano.” - BUGO

“Il bello del rapporto è che con lui sono molto tranquilla, se mi viene in mente di chiamare Giorgio lo faccio senza pormi troppi problemi. Anche se non lo sento da mesi.“ - ROBERTA (Verdena)

“Giorgio Canali è vivo, a dispetto delle tonnellate di cenere che produce …” – LORENZO KRUGER (Nobraino)

“… è così che, con un’incredibile realizzazione artistica del nostro caro Giorgio, nacque Percorsi di musica sghemba (Columbia, 1996), il disco forse più rock e doloroso della nostra storia.” PAOLO E. ARCHETTI MAESTRI (Yo Yo Mundi)

“Comunque Giorgio, mia madre quando ti vide disse Quello lì è morto e non se n’è accorto. La vedo dura.” - ANDREA APPINO (The Zen Circus)

“Abbiamo già registrato molte idee sempre a Bassano Del Grappa da Steve (Steve Dal Col, Frigidaire Tango, nda), con alla batteria la mia amica di sempre Vittoria Burattini dei Massimo Volume. Direi che ora ho una band di brava gente che beve, bestemmia e suona molto, molto bene.“ - ANGELA BARALDI

“San Giorgio è un aereo … perennemente in picchiata … è l’orgoglio del mito perdente … è un salto nel vuoto … è proprio quello della foto.” - CHARLIE OUT CAZALE (Frigidaire Tango)

E non potrei che chiudere come si chiude la biografia, con le parole di Giorgio: “…moriremo senza aver visto niente e un attimo dopo il mondo smetterà di esistere. Moriremo tutti quanti un secondo prima del divertimento”.

Se qualcuno più attento si chiede chi sia quello incazzato in alto a sinistra sulla copertina di “Va Pensiero – 30 anni di rock e metal in italiano“ (Crac Edizioni), quello che urla nel microfono, quello è Giorgio Canali. Il Rock Italiano. O, forse, il Rock e basta.  

Walter B.


MICHAEL MONROE - Horns & Halos Spinefarm Records 2013

Spero che il buon Michael non me ne voglia, ma ancora una volta mi trovo a recensire un suo disco che proprio fatica a “reggere” per la sua intera durata. Da anni oramai continuo a comprare i suoi dischi. Continuo ad ascoltarli due/tre volte per poi depositarli lì, nel mucchio, a prendere polvere. Pensavo che l’innesto di Dregen portasse una vena di pulsante creatività (in termini di pezzi) ma alla fine poco è cambiato rispetto al capitolo “Sensory Overdrive” in cui aveva un ruolo (quanto principe?) il buon vecchio Ginger. Anche perché è difficile aspettarsi chissà cosa dal chitarrista svedese che sta scalpitando in attesa di uscire per la stessa etichetta col suo primo album solista fra pochi giorni. Ci sono dei buoni pezzi, inutile negarlo: “Ballad Of The Lower East Side” diventerà sicuramente un classico. Altri, come le tirate “TNT Diet” e “Horns & Halos” o le più cadenzate “Stained Glass Heart” e “Half The Way” meritano l’onore delle armi e qualche ripetuto passaggio sullo stereo. Tuttavia da qui a parlare di capolavoro come ho letto in quasi tutte le recensioni… beh, ce ne corre. Ciò non toglie che l’energia e l’attitudine da strada non manchino. Ed aspetto, come tutti, di assaggiarne l’essenza nel suo ambiente naturale, quella sì ancora inarrivabile per molti: il palco!

Alessio C.


ROXIN’ PALACE - Roxin’ Palace SAOL/H’ART 2013
Non ho mai creduto che Crown (già chitarrista dei Revoltons) ed Hell (batteria, ex-Elvenking) fossero appagati dalle rispettive esperienze nelle due bands di provenienza. E’ questione di poco conto e comunque opinione del tutto personale, non avrebbe senso neppure chiederne conferma, però ad un certo punto il gioco (pur con risultati soddisfacenti e di cui esserne lusingati, specie per Hell) è terminato ed i due si sono riavvicinati a quella che appare oggi essere la loro naturale essenza. Non puoi scendere a patti col cuore una carriera intera se sei un musicista vero, io almeno la vedo così, altrimenti vali zero. Le avvisaglie hard rock di Crown si avvertivano in quell’estemporaneo (comunque buono) progetto a nome Modern Middle Ages (non a caso titolo anche di una traccia) in cui prendevano forma alcune idee qui riprese. L’unione (di intenti) con Hell, il cambio di nome, l’arruolamento di Garrett al basso (il bassista friulano hair metal ideale, così si dice in giro …) e dello sconosciuto (nel  genere) Slaver alla seconda chitarra i fatti a seguire. Mancava il cantante, cruccio di ogni band che voglia realmente distinguersi dal mucchio. Ed è qui che i Roxin' Palace pescano il jolly.  Axel è un talento, inutile andare per il sottile. A fronte del nome ricorda Sebastian Bach, ma quello che ti stende di ‘sto ragazzino (perché tale è) è l’attitudine prima ancora delle capacità. Le canzoni funzionano bene, una sorta di glam metal certo debitore della scena americana che riesce a produrre qualità negli arrangiamenti e non è cosa scontata. C’è da dire che Crown rilascia una serie di assoli di memoria Slash che sono uno più coinvolgente dell’altro, in puro stato di grazia. Le canzoni trasudano passione per il genere, un amore che trova la sublime disfatta (potrebbe essere altrimenti?) in quella “Gothic L.A.” che nel mood rimanda agli Skid Row di “Wasted Time”, ma se fosse cantata da altri non produrrebbe quelle vibrazioni che invece emana: un culmine di disperazione che non si può che scambiare per meraviglia. Che Axel sia un asso me ne accorgo dal confronto vocale con Damna (Hell In The Club/Elvenking) e Demian (Overunit Machine), due cantanti più che navigati (si avverte chiaramente la sicurezza di entrambi), dinanzi ai quali tuttavia il giovane non sfigura, anzi è proprio la sua frustrazione (pari a quella del Lizzy Borden più grottesco) a donare ai Roxin’ Palace sprazzi di eccezionalità.


Walter B.


THE MEGS - Start Mini cd, Autoproduzione 2012
Dopo il primo ascolto ho scorso la biografia dei The Megs in cerca di informazioni circa le influenze o gli ascolti di riferimento. “My Time” si apre con un dirompente riff ottantiano che diluisce in una ritmica new-wave su cui subentra un cantato anni novanta. Generi che (ben) conosco, ma appunto mi sono chiesto se queste potessero essere le basi del suono dei The Megs. Citano Alice Cooper, Turbonegro, Fu Manchu, Led Zeppelin, Motley Crue e molti altri... ed infatti è in quel “molti altri” che mi rifugio e penso agli Smashing Pumpkins, ma anche agli Editors e come non menzionare i Placebo! In “Apache” la band impasta una nenia tribale che ben asseconda il titolo, sviluppa un buon coro, ma il meglio lo da nella coda finale, un trip psichedelico non così impossibile neppure per ascoltatori  della domenica. Sia chiaro, due spanne sopra le autoproduzioni usuali. Qui c’è un gusto per l’arrangiamento ad un livello più alto. Non mi stupirei se “My time” divenisse (o lo sia già) un singolo conosciuto e l’altra un sottofondo per un qualcosa di scenografico. Si sono formati nel 2010, hanno inciso un cd nel 2011 … li terrei d’occhio anche se, a sentirli così, pare che già qualcuno abbia messo gli occhi su di loro. O no? Ascoltare per credere.

Walter B.  


TYSTNADEN – Anima
Valery Records 2012

Il terzo album dei Tystnaden è semplicemente bello. Bello al punto che sarebbe giusto (attenzione attenzione) acquistarlo, per permettere alla band di continuare a comporre ottima musica. Al di là delle considerazioni sul genere (gothic metal, modern metal, blah blah blah), colpisce la capacità di comporre e produrre musica di qualità, mai scontata, spesso sorprendente e, in un certo senso, ricercata. Certo è che non si parla di una band di ragazzini, ma di gente che è in giro da quindici anni e la maturità artistica si percepisce tutta.
Insomma, parliamo di 11 canzoni sopra la media e un'analisi track by track non aggiungerebbe altro all'unico consiglio: album da avere. Subito mi smentisco esigendo l'ascolto di “Egonist” e del singolo “Struggling at the Mirror”! Produzione impeccabile made in New Sin Studios (mecca del Metal italiano) per suoni che rendono assoluta giustizia alle capacità di arrangiamento della band. Prestazione superba per la vocalist Laura De Luca, che ha anche un'immagine parecchio accattivante, ma costruire la recensione attorno alle grazie della signorina sarebbe stratagemma da pennivendoli.

Giampiero N.



TRICK OR TREAT – Rabbit's Hill pt. 1
Valery Records 2012

Anche le tribute bands a volte saltano il fosso e compongono musica propria. I modenesi Trick or Treat, già tributo degli Helloween, il passo l'hanno fatto da qualche anno e siamo ormai al terzo disco. Guidato dal singer extraordinaire Alessandro Conti (anche con Luca Turilli's Rhapsody), i ragazzi sviluppano un concept sul romanzo “La collina dei conigli” di Richard Adams e lo musicano con un'ora abbondante di power metal molto molto molto vicino a quello degli Helloween. Ne consegue che i fans del genere andranno fuori di testa per un prodotto simile, visto che l'opener “Prince with a 1000 Enemies” sembra un'outtake degli ultimi album delle zucche tedesche, con il contributo di Andre Matos (ex Angra): purtroppo non appare un pezzo particolarmente riuscito. Si riscattano con le seguenti “Premonition” (epica e inarrestabile come una slavina) e la festosa Edguy-oriented “Wrong Turn”, oltre a intermezzi strumentali spiazzanti e originali, che innalzano il valore dell'album. La prestazione della band è perfetta e la produzione modernamente fragorosa, resta da dire che nel power metal ci sono tutta una serie di regole e codici da rispettare e lo spazio per ventate di originalità è ridotto al lumicino: la vera differenza la fanno quindi le belle canzoni, inevitabilmente “già sentite”, ma ricche di ritornelli memorabili e melodie accattivanti. In questo i ToT si dimostrano abili e, fortunatamente, in crescita da un disco all'altro.

Giampiero N.


THE QUIREBOYS - Beautiful Curse Off Yer Rocka Recordings 2013

Sono passati quasi venticinque anni dal fragoroso debutto "A Bit Of What You Fancy" che, con la spinta di EMI e Sharon Osbourne, catapultò la band londinese dalle assi sbilenche del Marquee Club ai settantamila spettatori di Donington (al Monster Of Rock con Whitesnake ed Aerosmith), apice di una carriera di fatto interrotta con lo scivolone del successivo "Bitter Sweet & Twisted" e l’infausta scelta di un produttore come Bob Rock, non certo a suo agio con le sonorità Stones meet Faces di Spike & Company. Sinceramente all’epoca non li ho molto amati, “colpevoli” a mio avviso di essersi appropriati con il loro “physique du rôle” di onori e glorie che spettavano di diritto ai Dogs d’Amour, rimasti immeritatamente ai margini. Tuttavia invecchiando ho cominciato ad apprezzare in toto ogni loro proposta (compreso il controverso “BS&T” che contiene delle perle assolute) ed anche quest’ultima fatica mi ha pienamente convinto. Non c’è molto da dire sul contenuto in sé dell’album. Dall’iniziale “Too Much Of A Good Time” tutte le dodici composizioni ruotano tra il puro divertimento in stile “It’s only r’n’r…” e le ballate d’altri tempi (si sentano “Mother Mary” e “Don’t Fight It”) con il piano di Keith Weir e la fantastica voce di Spike sempre in primo piano. Che aggiungere ancora? La giusta colonna sonora per le imminenti vacanze estive in attesa dei concerti programmati in autunno.

Alessio C.

RATS – Siete in attesa di essere collegati con l’inferno desiderato
Bagana Records 2013
L’uscita dell’ep “Metafisico equivoco”  dello scorso anno faceva presagire si stesse muovendo qualcosa (discograficamente parlando) in casa Rats. Ma facciamo un paio di passi indietro. La band si formò nel 1979 maturando negli anni a suon di dischi (ma soprattutto di concerti) credibilità e successo che raggiunsero (in termini numerici) il punto più alto nella prima parte degli anni Novanta, in pieno boom rock italiano, di cui naturalmente furono tra i rappresentanti più in vista. Ricordo un loro concerto trasmesso in televisione dall’allora VideoMusic (a memoria poteva essere il 1993, cambia comunque poco l’anno esatto, dovrei avere ancora la registrazione in giro per casa, in quegli anni in quanti avevamo l’abitudine di videoregistrare dalla tv?) a certificare ogni parola sin qui scritta. Nel 1997 il gruppo si sciolse (e qui sorge naturale la considerazione che se neppure una band così ha trovato le motivazioni per continuare mi sa proprio che per il rock italiano non c’è e ci sarà mai una possibilità vera …) e ciascuno per la propria strada. Dopo quindici anni Wilco, Lor e Romi si ripresentano e siamo così all’oggi. “Siete in attesa …” è un grande disco di rock italiano. Diciamolo subito. Di quelli che anche vent’anni fa avrebbe fatto la sua figura. La differenza è che se allora sarebbe stato uno tra i tanti (facciamo “parecchi” va) oggi è una mosca bianca. La prima cosa che balza alla vista sfogliando il booklet è la presenza dell’asso Jonathan Gasparini (dei Mamamicarburo) alla chitarra ed in cabina di regia. Si parte con “Mayday” e c’è da gioire: impianto new wave, spruzzata glitter, attitudine punk rock, assolo finale in piedi sull’altare della gloria. Inizio più convincente non poteva esserci. Le bands della stagione aurea non tornano a riempire spazi vuoti o a colmare la desolazione altrui, tornano se hanno qualcosa da dire, se ci sono le condizioni per scrivere e comunicare un messaggio, con la forza e la dedizione che solo a loro appartengono. “Vivo” è in questo senso una canzone dal testo straordinario (ideale mix di Mamamicarburo, Filippo Malatesta e … Rats stessi), “Stai con me”, “Lontano da te” e “Metafisico Equivoco” riprendono da dove lasciarono, in “Tieniti forte” e “Superman vs Baudelaire” si avverte la pasta dei Mamamicarburo, mentre il gioiello più prezioso è “I mali che dici di avere”, onirica liberazione dal Paradiso (Perduto).

Dal vivo Romi è sostituito da Briegel dei Ritmo Tribale/Noguru (
in una intervista si dice naturalmente intenzionato a riprendersi il suo posto qualora le condizioni lo consentano, attualmente vive e lavora negli USA) e Jonathan Gasparini completa la formazione. Che dire se non che l'assetto è quanto di meglio gli appassionati del (grande) rock italiano possano attualmente desiderare? Prima possibile non mancherò all’appuntamento live. Tornando al cd chiudo come segue: obbligatorio.    

Walter B.


Il 31 ottobre 2013 arriva a Trieste un pezzo di storia del rock melodico: i canadesi Harem Scarem saliranno sul palco del Macaki. La band capitanata da Harry Hess, con la sua inconfondibile voce, proporrà dal vivo il seminale Mood Swings, ri-registrato quest'anno in occasione del ventennale dall'uscita.


Due anni fa sempre a Trieste era stata la prima volta in Italia di una leggenda come John Waite. Ora sempre grazie a Trieste Is Rock arriva un altro evento storico per il rock melodico nel nostro paese.
Per info clicca sulla foto (Facebook) oppure: Trieste Is Rock

TYLA J. PALLAS - The Devils Supper (Acoustic Version)
King Outlaw Records
2013

Caro buon vecchio Tyla. Eroe di una gioventù oramai passata. Per anni ho “inseguito” la sua discografia post Dogs d’Amour. Quella dei (capo)lavori “The Life & Times…”, “Libertine”, “Gothic”. Il “Flagrantly yours” assieme al compagno di merende Spike. Ho assistito con pena (come vogliamo tradurla la parola “pain”?) alla sua dissoluzione artistica, legata a quello che io ho definito il “periodo Yella”. Ed ora mi ritrovo tra le mani questa zuppa di undici pezzi in versione acustica. L’ennesima mi vien da dire, ma al tempo stesso l’unica pietanza, con voce e chitarra come unici ingredienti, che si addice ad un attempato rocker “gitano” che ha sostituito il vino rosso con succhi di frutta e vitamine. Se l’ispirazione non è più quella dei vecchi tempi, occorre riconoscere che il timbro vocale c’è ed sempre un piacere per le nostre orecchie. “Nobody Superstar” ci riporta diretti alle atmosfere di “A Graveyard Of…” così come l’armonica in apertura di “The Meaning” o lo spunto finale di “Ode To Jackie Leven”. Non c’è altro da dire. Piacerà a chi adora il Tyla d’annata che ha superato le visioni apocalittiche di album inascoltabili (chi ha detto “Fakin’ Kant”?) e guarda al futuro pescando a piene mani dal passato.
Un bel passo avanti.


Alessio C.

YOUNG LUST - Rightinthethickofitall
Ad Augusta Records
2013
 

Hard rock dal Regno Unito. Sono in quattro, e.p.  di tre canzoni ben prodotte. Pare abbiano aperto le date live locali degli Enuff’z Nuff nel recente passato. Sarebbe banale riconoscerne i riferimenti a Motley Crue e Kiss. La band non eccelle per particolari qualità, un pezzo si ispira (o plagia) agli Eagles in chiave glam metal(!) mentre un altro riff pare costruito ascoltando i Whitesnake (o i Blue Murder).
Servono o no questi Young Lust quindi?
Certo che sì. Il cantante, di cui ignoro le generalità, mi ricorda Kim Hooker e quando scrivo Kim Hooker penso ai Tigertailz e quando tiro in ballo “quei Tigertailz” implica ci sia margine per sperare in qualcosa di buono. Rimango in (fiduciosa) attesa.
Walter B.

AMBRAMARIE – 3anni2mesi7giorni Valery Records 2012

L’incalzare delle uscite discografiche ha raggiunto livelli tali che personalmente considero novità un disco che abbia già anche un paio d’anni. La questione è di scarsa rilevanza se si ritiene “giusto” che tutti possano/debbano “fare musica” (mai stato favorevole alla globalizzazione in rock, più corretto sarebbe parlare di “appiattimento”, ma è più comodo illudere ed illudersi tutti), ritengo che sia più dannoso, ai miei interessi, che ciò sia una delle concause al fatto che si perdano di vista (o non riescano a ricevere le adeguate attenzioni) talune uscite. Prendiamo Ambramarie. Ascoltato, piaciuto ( … e molto), sorpresissima del momento (novembre 2012) eppure accantonato a causa dell’incalzare succitato. Un paio di giorni fa l’ho fortunatamente riascoltato (cosa che non capita nella stragrande maggioranza dei casi, mica ho tirato a sorte). Diviso tra canzoni in inglese ed italiano, le ultime emergono sulle prime. E’ un rock energico, centrato sulla voce di lei, ideale incrocio di Skin (“Once a year”, “13 days”), Dolores O'Riordan (“Quello che resta”) e la prima Carmen Consoli (“Viola”, “Nulla esiste” … con delle chitarre bellissime!). L’immagine rimanda invece ad Avril Lavigne (“Out of my bed”). Pare che la band sia in grado di mettere in scena uno spettacolo di ottimo livello e non da meno sia la performance di Ambramarie stessa (dubitavo potesse essere la band ad aver suonato tanto bene su disco e mi sono quindi buttato su youtube, che altro fare?). Alla prima occasione non mancherò di assistere ad un loro concerto. Chicca nascosta è “Guardami”, in posizione anonima, canzone invece degna di stare accanto a certe raffinatezze dell’Italia in rock di fine anni Novanta, solo che, stanti le cose, mi rendo conto di elogiare il nulla. Siete di quelli per i quali l’aver partecipato ad X-Factor automaticamente ti squalifica a raccomandato e blah blah? … sentitevi “Crashing Down”, chissà che meditiate sui tanti che ai talent non hanno avuto, a ragione, accesso. Finito? No, perché la numero 14 è “Regina di cuori”, originariamente presente ne “Il grido disperato di mille bands” di Pino Scotto, anno 1992. AmbraMarie duetta qui con Pino stesso  e … santiddio ... saranno anche passati vent’anni, ma che canzone! Scorrono i minuti, silenzio. Al dodicesimo minuto sbuca una hidden track, uno slow pianistico dall’anima soul, delicato e prezioso, magari pure celeberrimo, non so, che mi gusto come ciliegina sulla torta. Una chiusura formidabile.

Walter B.   


CRYING STEEL - Time Stands Steel My Graveyard Productions 2013
Tornano a distanza di qualche anno dal pregevole “The Steel Is Back” i bolognesi Crying Steel. Inutile mascherarsi dietro a parole di circostanza: dei Crying Steel mi fido. Appartengono alla prima generazione dell’heavy metal (italiano), oggi “naif”, l’unica depositaria di quella purezza e solarità in musica heavy che, se non si è ancora del tutto persa, appartiene tuttavia solo alle minoranze. Sorprende che i Crying Steel non abbiano virato minimamente dagli albori. Ancora e sempre Judas Priest sound totale, solo l’innesto alla voce di Stefano Palmonari tende a spostare il baricentro verso gli Helloween. Capiamoci: il nuovo cantante è formidabile e consente alla band virtuosi pirotecnicismi, ma il timbro e la presenza di Luca Bonzagni  mi mancano alla lunga. Non riesco a non scriverlo. Max Magagni che sostituisce Alberto Simonini appare invece il miglior sostituto possibile sul mercato. Le canzoni? Classici Crying Steel, c'è tutto quello che ti aspetti e, come detto prima, sai già che non verrai tradito. Siamo sicuri che oggi sulle piazze del metal classico vi siano (tante) bands più competitive? Sarà che negli anni ho mollato la presa e di certo mi sfugge qualche nome, ma andando a campione l’impressione è che “Time Stand Steel” dovrebbe proprio indurre (finalmente) qualche organizzatore europeo ad osare e consentire così alla band di prendersi qualche (strameritata) soddisfazione live aggiuntiva. Comunque sia, The Steel  Is Back And Stands Steel. Siete menagrami in cerca di cedimenti? Prego rivolgersi altrove. Horns Up!

Walter B.

PS: le ultimissime riportano la sostituzione di Stefano Palmonari con Ramon Sonato (screamer dei Chrome Steel nonché stupefacente emulo di Rob Halford). Chi, come il sottoscritto, ha assistito ad un live dei Chrome Steel non potrà che convenire che scelta più appropriata non potesse venir conclusa.  
HEAVEN’S BASEMENT - Filthy Empire Red Bull Records 2013

Una sottile linea rossa parte dagli Hurricane Party ed arriva agli attuali HB passando per gli oramai dimenticati Roadstar. Ricordo di essere andato direttamente a Londra per vedere i primi, lanciati dal guru John Kalodner in rampa di novelli Aerosmith. Un sacco di bands inglesi sembrava in quegli anni sul punto di esplodere, salvo cadere nel giro di pochi mesi nell’oblio più totale. Dall’abbandono di Richie Heavanz quel filo si è spezzato ed anche l’approccio musicale è drasticamente mutato, come dimostra il tanto atteso album di debutto. Se apri i concerti di band come Alter Bridge, Seether o Halestorm finisci per orientare quello che originariamente era una sorta di street metal verso un hard rock moderno che io amo definire “senza anima”. E basta dare un ascolto ai primi pezzi, i migliori del lotto, per capire cosa dico. Suoni iper-compressi, riff metallizzati e cori spinti, con una menzione speciale per “Nothing Left To Lose”, capace di inerpicarsi sugli stessi terreni dei Papa Roach di “Metamorphosis”. Il disco ha le sue belle gemme, penso a “The Long Goodbye” e “Can’t Let Go”, ma se cercate quelle digressioni blues e/o punk rock che per me devono essere proprie di una band “sleaze” state lontani da questi lidi. Perché se suoni con convinzione una ballata come “The Price We Pay” vuol dire che sei più vicino agli Shinedown che non ai Buckcherry. Ai giorni nostri un pregio? Difficile da sapere. Davvero.

Alessio C.
TOM KEIFER - The Way Life Goes Merovee Records 2013

Da quanti anni si parlava di un album solista di Tom Keifer? Dieci? Quindici? Non ricordo, ma parecchi comunque, tanti da attendersi un lavoro strabiliante. E’ così? A malincuore devo proprio dire di no e, detto da uno che i Cinderella li conosce piuttosto bene, non lasciatevi ingannare da chi scriverà il contrario. “Solid Ground” inizia “a bomba” e ci riporta laddove il rocker di Philadelphia ci aveva lasciato con lo sfortunatissimo “Still Climbing”. Chi ben inizia è a metà dell’opera si dice, ma già dalla seconda traccia, “A Different Light”, si intuisce dove il disco va a parare. Qualcosa che ricorda a turno il Bon Jovi solista più scialbo o gli Aerosmith delle ultime produzioni. Una delusione per chi si aspettava un rocker attempato con una slide in mano a sciorinare musica rupestre imbastardita di venature southern e amalgamate ad un delta blues d’autore. Il nostro dà il meglio di sé nei pezzi più tosti tipo “It’s Not Enough” e “Cold Day In Hell” ma pecca sul lato più intimistico perdendosi in litanie che mancano di quel marchio di fabbrica che hanno permesso ai Cinderella di scrivere pezzi “immortali”. Ascoltatevi “Thick And Thin”, “Ask Me Yesterday”, “You Showed Me” e capirete, spero, quello che intendo. La sola “The Flower Song” mi riporta dritto al mood di “Hearbreak Station (l’album, non la canzone in sé) regalandomi, finalmente, quattro minuti di gioia.
Lo sai cosa mi ha fregato, Tom? La troppa attesa. Dai migliori ci si aspetta sempre il meglio e quando ciò non avviene la delusione è un po’ più grande e va al di là del valore di un album che non è certo da buttare.
Alessio C.

VOODOO SIX - Songs To Invade Countries To Spinefarm Records 2013

I Voodoo Six sono una macchina da guerra, e non solo per quanto espresso in copertina di questo loro terzo album. In tour con gli Iron Maiden e ospiti di diversi festival di peso, Luke Purdie e compagni sembrano finalmente sulla rampa di lancio per diventare “qualcuno” anche se in un periodo musicalmente “non sense” come quello che stiamo vivendo oramai da un lustro l’esposizione mediatica non sembra più sufficiente a creare nuovi eroi. Hard rock moderno? Uhm, non direi, si rischierebbe di scambiare i nostri per qualcosa che non sono. “Lead Me On” e “Sink Or Swim” sono un po’ l’emblema del disco. I riff sono rocciosi, classicheggianti e ci riportano dritti ai maestri britannici di inizio anni settanta. Chi? I soliti noti. Certo non possiamo paragonarli ai Rival Sons ma alla fine non ne siamo tanto distanti. Ascoltate “You Way” e sappiatemi dire. Quello che manca ai VS probabilmente è il pezzo da novanta che “spacca” la critica e si accaparra i favori del pubblico. Dal mio punto di vista è quasi meglio così. Mi ricorda molto, fatte le dovute proporzioni, la filosofia dei Led Zeppelin. Non è il singolo che conta ma l’intero disco, nella sua completa struttura. Un tutt’uno che per nessun motivo va diviso in pezzi a sé stanti. “Sharp Sand” e “Waiting In Line”, per tornare a noi, chiudono un lavoro coi fiocchi dove la sostanza vince a piene mani sulla forma.


Alessio C.


HOLLYWOOD KILLERZ - Still Intoxicated Area Pirata 2013

Ho scaricato questo “Still Intoxicated” sul mio nuovo Meizu Mx2 (uhm, preferite l’Iphone 5? Contenti voi …) e che dire? Il secondo album dei torinesi HK mi sembra decisamente migliore del suo predecessore. La title-track e “Tied To Please Me” tracciano per bene le due rette all’interno delle quali si muove tutto il disco, nelle sue molteplici versioni (CD, vinile, download, …). Base punky-rock (si può dire?), chitarre che schizzano fuori da tutti i solchi, cori che aiutano un Harry tagliente ed “intossicato” come non mai.A Moment Of Madness” e “Trash Me” seguono sugli stessi ritmi. Tre accordi ed una buona dose di adrenalina zuccherata che a me ricordano, e non poco, il miglior Michael Monroe. Non mi convince appieno il refrain di “Teenage Meltdown” che scappa un po’ troppo via, ma è solo un momento perché i nostri si riprendono immediatamente con la seguente “Distorted Emotions”. Nel booklet (dove noto subito di non essere citato tra i ringraziamenti!) apprendo di un Lollo (ex S.A.D.) stabilmente dietro le pelli. Adoro il suo modo di “spaccare i timpani”, mooooolto Backyard Babies (Peter Carlsson docet!), ed anche questo, unito ad una produzione più grezza rispetto all’esordio, impreziosisce un lavoro che dopo le esplosive “Dead N’ Alive” e “I.O.U.D” (la mia preferita) si accomiata con la bellissima “I Like The Way You Knock Me Down”, dove troviamo il singer dei Prima Donna a dare una mano. Bel disco!

Alessio C.


ADLER - Back From The Dead Autoproduzione 20??

Poi finalmente ti arriva il nuovo disco di Steven Adler e che fai? Lo giri, zero info. Lo scarti, zero info. Lo guardi di fianco, nessuna etichetta e nessun numero di catalogo, sul retro vi è pure un probabile errore grafico di maiuscole/minuscole. Mettersi a cercare info? Neanche a parlarne. Open, play e via andare. Del resto se sei qualcuno stai pur certo che qualcuno ti cercherà o scoprirà prima o poi, diversamente non sarà un sito internet a farti diventare quello che mai diverrai. Che bomba di disco! Non poteva essere altrimenti, stanti le premesse. Diciamolo pure. Se suoni rock di strada (pur in chiave moderna) e cominci a guardare al marketing prima che alle canzoni probabilmente non hai granchè da dire.  Mi rivolgo quindi direttamente a chi, come il sottoscritto, cerca l’anima dei dischi disinteressandosi della coreografia. In giro ci sono il nuovo Hardcore Superstar ed il nuovo Buckcherry, roba grossa, eppure Adler centra il bersaglio e supera la concorrenza. Merito di una produzione efficace, di una voce in palla che ti prende per i testicoli, su tutto di una serie di canzoni che vincono. Sì, vincono. Vincono sulla quantità di bands che mai potranno solo lontanamente evocare uno slow number come “Just Don’t Ask” in cui spunta per l’assolo finale (bellissimo) pure Slash (unica concessione informativa del booklet, unitamente alla presenza di John 5 in un altro cameo chitarristico). Brividi. E vogliamo parlare dello spirito rough di “Own Worst Enemy”, della melodia modern di “Another Version Of The Truth”, della kissiana (periodo “Hot In The Shade”) “The One That You Hated”, delle americanate dall’incedere pachidermico a nome “Back From The Dead”, “Good To Be Bad”, “Dead wrong” e “Blown Away”? Patriottica “Waterfall” ed ammaliante “Habit” con quel groove sinuoso e penetrante.  Il piano introduce “Your Diamonds” (e se vi viene un attimo di palpitazione state tranquilli, è normale …). Che sia il canto del cigno del drummer? Chissà, ma in fondo in fondo non lo vorrei più un altro disco da Steven Adler. Troppo grosso il rischio di non ripetersi più. Mi rileggo ed osservo che non mi capita mai di citare tutte le canzoni, non ne vale quasi mai la pena. Quasi, appunto.

Walter B.


BAD BONES - Snakes And Bones Bagana Edizioni Musicali

2012

Li considero da sempre i Circus Of Power italiani. “Motorcityrocknroll a palla”, ruvidi quanto basta ma inclini a ricercare sempre, tra riff taglienti e voci roche, quel quid vincente che dà un senso ad ogni loro composizione. Album numero tre, formazione rinnovata con l’innesto di Max alla voce e passaggio alla sola chitarra di Meku, formula compositiva che di fatto rimane inalterata. Il basso pulsante di “Don’t Stop Me”, il refrain irresistibile di “Gasoline Rock”, lo sleaze crudo e nudo della title-track. Ci son dentro i primi Almighty, una spruzzata di Raging Slab, la verve dello street rock di annata (quello che infiammava le assi dei locali di Los Angeles sul finire degli eighties). Il blues elettrico e riflessivo “Desert Star Blues” rallenta giustamente le corde così come la ballata crepuscolare “Follow The Rain”, bella sotto ogni punto di vista. Qualche altra scarica adrenalinica prima di giungere al termine con l’inusuale cadenza spirituale di “Indian Medicine Man”.

Mi siete piaciuti ragazzi. Ancora una volta.
Alessio C.

NOVALISI – Per versi soli Face Like a Frog Records 2012

Sono passati anni da quando vidi per la prima volta il trio live, si chiamavano ancora Theraunder e di lì a poco virarono in Novalisi. Ricordo l’impressione che mi fecero. Era un rock sporco, post-punk si direbbe, filtrato di grunge, comunque di impostazione nord-europea nell’essenza. Poco di quello che all’epoca stavo ascoltando, tuttavia fu una di quelle bands in cui avverti vi sia qualcosa in più, indipendentemente dal fatto se un domani diverranno conosciuti o svaniranno nell’oblio. A distanza di anni molte cose sono successe, ma la base non ha subito modifiche, segno evidente che un legame forte vi era ed è. Trovo che il batterista Enrico Lisotto sia il punto di forza, questione di impatto sui pezzi e sul risultato generale. Il fratello Davide, voce e chitarra, appare invece l’anima crepuscolare e decadente. Michele Catto, bassista tuttofare, elegante e sperimentale nel modo di porsi, chiude il cerchio. Ho avuto in più occasioni il piacere di scambiare battute ed opinioni con loro, penso quindi di poter dire senza indugi si tratti di una delle bands (comunque emergenti) più valide dell’area (Treviso, Venezia, Pordenone). Saranno riusciti quindi su disco a far valere le qualità live? Preciso che la presentazione promo del disco recitava “ … dieci canzoni che parlano di solitudine …” e mi chiedo quante bands potrebbero proporsi in tal maniera senza passare per noiose, supponenti o depresse, il rischio di uscirne con un nulla di fatto è alto. Loro se ne escono a testa alta, i testi non deludono le attese, la produzione appare calibrata e canzoni come “Aemme” (anche primo video), “Surf su sangue”, “The Clocks”, “Il soffitto da qui” o ancora “Neranima” li proiettano giusto sotto a quelli che solo un’epoca (probabilmente) più ricettiva ha già consegnato ad etichette e pubblico sovralocali. Rubando le parole all'amico Gianni Della Cioppa aggiungo che “se le major invece di puntare sui burattini dei talent show avessero investito su una band così forse i giovani anni 2000 avrebbero una vera cultura musicale”. Cercateli, andate a sentirli e conosceteli di persona, ne varrà la pena. Non sono molte le giovani bands che paiono aver qualcosa da comunicare (ma è anche vero che non conosco molti che ascoltino rock a 360 gradi, interessati ad approfondire generi distanti da quello che sentono proprio), tuttavia la solfa che in giro "non ci sia un cazzo" è solo “atteggiarsi” da italiano medio.  

Walter B.



CONFESS - The Gin Act Sliptrick Records 2012
Dici Svezia e dici tutto. Un leitmotiv che pare non subire flessioni. Ed allora Confess siano. Già autori di un disco un paio d’anni fa ritornano con l’e.p. in questione nel 2012. Cinque canzoni, tra glam metal e cori anthemici, produzione do-it-yourself che oggi va di moda per necessità, melodie, impatto, performance, non manca niente. L’impronunciabile (nonché non scrivibile senza andare in cerca dei caratteri speciali) canzone in svedese pare persino cantata in inglese e uno nemmeno se ne accorge se non ci sta attento, ovvero se è triste. Ma questi sono funzionali ai momenti di luce, mica di tenebra. Il top e.p. dell’anno passato per chi scrive. Senza dubbio alcuno. E questo nonostante si siano permessi la più anonima veste grafica possibile. Non era facile spacciarsi per fuoriclasse anche in questo. Band da “red alert”, nulla di meno. Come è possibile non si siano già sciolti? Provvedano subito.

Walter B.


BLACK VEIL BRIDES - Wretched And Divine (The Story Of The Wild Ones)

Universal Republic Records
2012


Hanno fatto le prove coi primi dischi ed ora, giunti al terzo, centrano il bersaglio grosso e vincono le Olimpiadi del moderno glam metal. L’Universal mette a disposizione tutta se stessa e le testate americane non hanno altre copertine che per loro. Facciamo un passo avanti (o indietro). Guardo le foto, avranno 25 anni di media, look formidabile, una sfilza di singoli che avrebbero pure la presunzione di far parte di un concept. E’ possibile tanta sapienza compositiva da parte loro? Mah … i dubbi si accavallano, mi insospettiscono i credits, note e marchi vari in calce ai testi, pare un elenco di clausole contrattuali. Al bravo ascoltatore non interesserà peraltro indire ulteriori processi alle intenzioni. E allora, va detto, c’è da stare in allerta. Questi paiono già essere diventati big … ci vorrebbe solo, che ne so, una band tipo i Kiss che se li portasse a spasso per il mondo questa estate per farli visionare a tutti gli internauti. “Wretched and divine” non cambia le regole del gioco, ma è un prodotto studiato e costruito in zona Los Angeles e, piaccia o no, su queste sonorità  non ce ne può essere ancora per nessun altro, inclusa una pur volenterosa scena scandinava. Fenomeni da baraccone? Chissà. Solo il tempo lo sentenzierà (o meno). Quel che mi è certo è che al momento “Wretched and divine” risulta una fortezza inattaccabile.  

Walter B.


DEATH SS – The Darkest Night E.P. Lucifer Rising 2012

Aperta parentesi quadra. Il ritorno dei Death SS come ultima (unica?) speranza di salvezza. Salvezza per una scena (?) hard rock italiana che trovo irrimediabilmente priva di altre possibili guide da troppi anni ormai. Non me la sento di attribuire la colpa al solo sistema musica Italia, storia vecchia come il mondo questa, in giro si è persa quella fame di musica che non puoi saziare con gli esercizi di tecnica, questo è il punto. Messaggio rivolto alle giovani bands prevalentemente. E comunque è solo il mio punto di vista, quello di un ascoltatore seriale. Chiusa parentesi quadra. Cinque canzoni in attesa dell'album che verrà, la canzone che da il titolo all’e.p. in cima, già trasparente futuro classico dal vivo. Omaggio al maestro Simonetti in “Painting Breath”, il re-styling di "Abnormal 2012", un viaggio nel mistero del vuoto cosmico in “Dreamland” prima del pezzo gothic-dance dell’anno, ovvero “Witches’ Dance”, morbosamente esaltante. Steve Sylvester non perde colpi e da quando ha indovinato l’inserimento di Freddy Delirio alle tastiere (uno che un simile nickname lo può portare a pieno titolo) può ancora permettersi di rivaleggiare con tutti. I Death SS nel 2013 rimangono la più valente band italiana da esportazione.

Walter B.


CRASHDIET - The Savage Playground

Frontiers Records 2013

La metafora del glam metal 2.0 sta tutta nelle tredici tracce (più una) del quarto disco dei Crashdiet. Non c’è più nulla da dire in un genere che sopravvive solo grazie a band di giovanissimi ingabbiati tra il pedissequo “copia incolla” di Poison e Motley Crue anni ottanta o lo stravolgimento dello stile verso derive moderniste. I Crashdiet stanno esattamente a metà del guado. Nè troppo conservatori, nè troppo progressisti. Nulla di male a dire il vero. Peccato che nel giudizio debbano entrare anche “le canzoni”. Con il loro incedere, le loro melodie, le liriche, eccetera eccetera. E qui, la materia prima, quella di prima scelta, lascia a desiderare fin dalla prima nota. Al quarto, quinto ascolto del disco, “Change The World” coi suoi cori epici (unico marchio di fabbrica rimasto intatto dal loro esordio) ha cominciato a fare i suoi effetti, risultando ben congeniata. E’ la calma piatta successiva che mi ha lasciato alquanto perplesso. Non tutto è da buttare. Un singer meno attento alla lacca del suo ciuffo da moicano (uhm, invidia?) e più dotato non sarebbe una cattiva idea ad esempio. Anche se devo ammettere che i nostri alzano il tiro sul finale con pezzi come “Snakes In Paradise (andatevi ad ascoltare l’intermezzo, sembra “Tomorrow” di Amanda Lear o sono impazzito?), “Damage Kid”, “Excited” e soprattutto “Garden Of Babylon”. C’è luce in fondo al tunnel. Basta solo lavorarci un pochino di più.

Alessio C.


THE SCAMS - Bombs Away
Lightning Records
2012

Non di sole paillettes e lustrini son fatte le nuove leve “Made in Sweden”. Per fortuna mi viene da aggiungere. C’è tutta una pletora di band che non segue la scia “CrashDiet”, ma indossa i panni dell’operaio metallurgico badando alla sostanza più che alla forma. La vittoria dello stile AC/DC su quello Kiss? Forse, ma non del tutto nel caso della band in questione, che assolve al suo compito con il classico rifforama alla fratelli Young ma che nella produzione (lasciatemi il termine “spaziale”) e nella voce di Daniel Kvist ricorda non poco i primi classici del bacio newyorkese. Quelli interpretati da Paul Stanley. I nostri hanno appena staccato il ticket per il prossimo Sweden Rock Festival (indovinate un po’ chi sarà la band headliner?) e ascoltando fino allo sfinimento anthem come “Bombs Away”, “I'm Not Alone (Got Rock N Roll)” e “Pour Me One More” non posso che congratularmi con gli organizzatori dell’happening. Insieme agli iberici ’77 e ai conterranei Bonafide, il meglio della reinterpretazione di certe sonorità sta tutta nelle dieci tracce di questo debutto.

Alessio C.

In arrivo il tour dei LOST ANGELS, supergruppo formato da alcuni tra i più apprezzati musicisti della scena hard rock americana:

ERIC DOVER
: già cantante di Jellyfish ed Imperial Drag, ma soprattutto storica voce della prima incarnazione degli SLASH'S SNAKEPIT;

ERIC BRITTINGHAM: bassista e membro fondatore dei leggendari CINDERELLA! Quindici milioni di dischi venduti per una band il cui successo non è mai scemato;

RYAN ROXIE: guitar hero americano ormai da anni stabilmente in Svezia  ha suonato con Alice Cooper, Slash e Gilby Clarke. Come session ha partecipato a dischi di artisti come Tal Bachman (la cui hit planetaria "She's so High" ha raggiunto la top ten in mezzo mondo) e Gilby Clarke;

TROY PATRICK FARRELL: apprezzato session drummer residente in California lo abbiamo visto in azione dalle nostre parti dietro i tamburi dei WHITE LION.

Uno show di due ore durante le quali i nostri proporranno i grandi classici delle rispettive bands di provenienza. Ospiti d'eccezione per l'intero tour i J27: la band toscana comincia bene il 2013 dopo un 2012 favoloso, che ha visto la pubblicazione dell'album d' esordio ed una importante serie di esibizioni live culminate con l'apertura a Marilyn Manson.

Queste le date: 31  gennaio - Circolo Colony with Reb Beach - Travagliato (BS) / 1  febbraio – UFO - Brunico (BZ) / 2  febbraio – Borderline - Pisa / 3  febbraio - Interstate 270 - Tricesimo (UD)



PLEASURE ADDICTION - InDependence Shotgun Generation Records 2012

Con pazienza (soprattutto con fortuna) scartabellando nel caotico archivio di NoRespect dovrebbe spuntare qualche commento al demo dei Pleasure Addiction datato 2007. La band francese mi aveva colpito subito, brillante autrice di un glam metal scanzonato ed amabilmente debitore della stagione d’oro del genere. Corsi a sentirli in concerto l’anno seguente quando passarono fugacemente in Italia, era il periodo in cui Flavio Meggiato (voce degli Europroject) era entrato a far parte della band. Negli anni hanno suonato a Parigi (dove c’è da supporre la concorrenza non manchi) prima di White Lion, Winger, Europe ed in formazione è subentrato Butcho a Flavio. L’anima della band rimane il bassista Stuffy, musicista che dai tempi dei Voodoo Smile, passando per i Love Sikk Junkiez (avete presente la copertina del loro mini vero? Fossi in voi mi affretterei a scovarla in rete, nel caso la risposta fosse un no) ha sempre regalato motivetti glam metal di cui gioire. E stavolta? Ancora una volta mi alzo dalla sedia con la pancia piena, sorriso inebetito e con qualche anno ed acciacco buttato indietro. Solo chi non ama il glam metal nella sua più pura accezione non potrà mettere in cima alla sua playlist 2012 questo InDependence. E’ possibile che ancora mi si lucidino gli occhi per un cd tutto lustrini e coretti? Pare di sentire i  danesi Sateria qua e là, liberando le lacrime quando a metà di “Shot Of Poison” parte l’inciso in italiano che recita “Ciao amore, sono io, Anna, c’ho pensato … è finita, e voglio solo dirti ... Addio”. Non stupisce neppure che la provenienza sia francese, da sempre terra di mine vaganti, si chiamino Black Or White o Sweet Lips se parliamo del remoto, Black Rain o Lipstixxx And Bulletz se dell’altro giorno. E’ curioso come da un genere decadente come il glam metal possa venire un barlume di speranza. Ho già scritto che sono (abbondantemente) nella mia top 5 del 2012?   

Walter B.      


THE FIRE - Supernova
Valery
Records
2012


Sono una delle migliori rock bands in circolazione. Ops, giusto … “rock” non vuol dire più nulla da quando Celentano (che una volta “rock” lo sarà anche stato, chi lo nega) si è professato “rock” giocando a vero o falso in tv. Mi spiego meglio allora (nel mentre fate una cosa, andate a sentirli in concerto, suonano ovunque, non avete scuse e non ve ne pentirete). Il terzo album dei The Fire non fa che amplificarne i valori sinora espressi. Ascoltando oggi Olly e soci (Filippo Dallinferno, Lou Castagnaro, Pelo ed Alecs) non si che può che volare idealmente in Gran Bretagna e scomodare i Manic Street Preachers (scusate, ho scritto MANIC STREET PREACHERS!), la band a cui meglio di altre mi sento di accostarli. Sound inglese, non tarderanno quindi a riecheggiare anche The Killers o Pulp. Epigoni? Cloni? No. No perché considero una buona canzone una buona canzone e basta. Qui ci sono potenziali singoli (“Claustrophopia”), rimandi agli U2 (“See you next time”), l’hard moderno della nota “Follow Me” (duetto con Alteria, che pezzo!), l’anima dei Preachers in “Paralyzed”, la coralità nord-americano alla Harem Scarem (o dei Foo Fighters?) di “Supernova”, ancora l’Inghilterra in “Waltzin’ Monnalisa” e in “Just Can’t Get Enough” (qualcuno che menzionasse gli emergenti australiani The Jezabels non sbaglierebbe). Potevano mancare all’appello gli Hives? Buon per loro che in “Dynamite” possono frullarsi con Gwen Stefani. “Mr. Pain”, pachidermica, guarda agli USA (John Corabi? The Union? Zakk Wylde? All in one!), mentre ancora modern rock vellutato di gothic in “Out Of Here”. Il cameo di Pino Scotto oramai è d’obbligo (“Business Trash”) e chiusura ancora in italiano con “Tu sei solo mia”, canzone bellissima (se devo sbilanciarmi è probabile che sveli le debolezze su trame in italiano). E’ lampante che la band  stia vivendo una fase di grazia compositivo-esecutiva che le ha consentito di immettere sul mercato un disco che non può che fare la gioia degli ascoltatori tanto del melodic quanto del pop … in rock.

Walter B.  


BLACK MAMA - Black Alliance
Black Mama
2012

Una delle migliori autoproduzioni che abbia sentito. Non perché “spacca” (termine idiota in uso quando non si sa cosa dire) o perché ha “attitudine” (significato identico a “spacca”). È un album con belle canzoni, punto: ben suonate e cantate ancora meglio, con un riffing di qualità superiore. Influenze splendidamente anni '90: i Motley Crue che nessun sedicenne può capire (quelli di Corabi e dell'oscuro album omonimo di quasi 20 anni fa), i Pantera meno caciaroni e soprattutto i loro derivati più sabbathiani (Down). E ancora, un feeling blues da cacciatori di coccodrilli e consumatori di whisky. Ascolti obbligati (se proprio si va di corsa): “King Kong Man” è l'hit, talmente giusta che dovevano registrarla 10 volte cambiando il testo (confido nei prossimi album); “Slowdown”, viaggio allucinato tra le paludi della Louisiana, lurido dello stesso fango con cui i Down creano i loro trip musicali; “The Ghost of the White Road”, la ballad di chi nella vita ne ha passate tante (musicalmente e non). Ora come ora, obbligatorio.

Giampiero N.


RUSTED PEARLS & THE FANCY FREE - Roadsigns
Rusted Pearls

2012


Se citi tra le tue influenze Black Crowes e Ryan Bingham allora, per me, hai già vinto. Ovvio che poi devi saper suonare e cantare. I friulani Rusted Pearls ci riescono alla grande con un godibilissimo EP di sei pezzi e un plauso va anche alla scelta del formato ridotto che ci evita, come accade spesso con altre band agli esordi, inutili riempitivi. Devo dire, con estremo piacere, che i riferimenti stilistici forniscono solo una minima indicazione perché Dario Snidaro (voce/chitarra) e compagni hanno saputo dare un tocco personale ad un genere che, nelle sue innumerevoli sfaccettature, ha già detto tutto. Così “Free” e “Roadsigns And White Lines” ci presentano subito un hard rock, poco hard ma molto blues, dove la robusta base ritmica si impone con eleganza a scapito, unico peccato originario, delle linee vocali. Voce che si riappropria del ruolo principe nei pezzi più acustici come “Chilly Girl” e “Rusted Pearl”, vero gioiello caratterizzato anche da un assolo old fashioned di ottima caratura. “Precious”, coi suoi cori femminili, è la chiusura coi fiocchi di un lavoro che mi ha ricordato sovente gli sconosciuti Young Turk di “N.E. 2nd Ave” (Virgin Records, 1992). La strada è segnata, speriamo sia l’inizio di una nuova storia da raccontare.

Alessio C.



MARCO PRIULLA - Heavy Metal Messiah
YouCanPrint
2012


"C
on Sad Wings Of Destiny i Judas Priest lacerano con crudeltà tutti questi fantasmi, squarciando definitivamente la carcassa del'hard rock, originando quel suono tenebroso, gotico, epilettico e spietato che costituirà le fondamenta del metal."
(M.P.)
Finalmente disponibile la ristampa del primo libro dedicato alla band britannica, originariamente edito nel 2007!
Clicca sulla foto per i dettagli.


GLORIA NUTI – Ricca Di Spirito SER Music 2012
Ritorna a distanza di oltre vent’anni Gloria Nuti, cantante ed autrice che aveva rilasciato un omonimo cd già nel 1989 (su etichetta Philips). Al tempo le sonorità erano elegantemente pop rock-tardo wave  e non stupiva la presenza in formazione di turnisti inglesi di primordine (Charlie Morgan,  Clem Clemson …) ad avvalorarne la deriva. “Ricca di spirito” mette in copertina l’immagine di lei, aggressiva ma elegante, ammaliante con garbo, distante dai modelli (si possono chiamare tali?) delle giovani sciattone in rock. Proprio di rock italiano si tratta, in linea per qualità con una produzione quale l’ultima di Umberto Tozzi. Vocalmente Gloria mi rimanda a Mirella Felli (R.I.P.) o a Paula Rose: voci graffianti, sul pezzo, poco da spartire col canto melodioso all’italiana comunemente inteso. A buon intenditore la Stratocaster in copertina peraltro deve subito destare più di un sospetto si possa trattare di (buon) rock. Disco registrato tra USA (le batterie, e si sente), UK ed Italia, a prova di esterofili contestatori. Testi in italiano e traduzione a fronte (si può sgrezzare l’inglese anche così), tra le undici canzoni spuntano il brano scritto con Zucchero (“Il mare calmo della sera”) che permise ad Andrea Bocelli di vincere Sanremo Giovani a metà anni Novanta, la chitarra di Steve Conte (da tempo nel giro dei N.Y. Dolls) in “Vero amore” , la versione italiana dei The Paradoxical Commandments e, ciliegina sulla torta, “La donna che vuoi”, versione in italiano di “One Last Soul” dei Black Country Communion. Si respirano gli anni Sessanta e  Settanta, con poca voglia di accomodare una utenza impreparata. E’ un disco per ascoltatori, inadatto a chi considera la musica un semplice intrattenimento sopra cui fare altro. Per molti pare sia impossibile far meglio oggi che in passato, tuttavia Gloria Nuti dimostra che è uno sciocco modo di pensare, purchè ci sia qualcosa da dire e non manchino qualità da spendere.
Walter B.  


LOS BASTARDOS FINLANDESES – Saved By Rock’n’Roll 100% Record Company 2011

Ricetta: versare in un mixer i Kiss anni Settanta e l’impatto corale di quelli anni Ottanta, prendere Lemmy ed inserirlo dall’alto, mandare l’impasto ottenuto ai Lynyrd Skynyrd ed attenderne le eventuali sistemazioni da apportare. Ancora pochi minuti di shakeramento (a bassa velocità, non sia mai che si faccia troppa confusione), versare in un cd e spedire alla commisione esaminatrice ZZ Top per la certificazione e timbro finali. Stampare, pubblicare e spammare il risultato ai quattro venti. Arrivano al quarto album i Los Bastardos Finlandeses (un nome più sudista non lo potevano proprio trovare per sviare la provenienza da Helsinki!), ennesima band di cui i più (me compreso) fino all’altro giorno ne ignoravano l’esistenza. Lacuna grave, questi fanno sul serio, qui tutto è al top, dalla produzione alle canzoni, dall’impatto all’impacchettamento. Del resto dubito gli Skynyrd accettino di farsi aprire le date inglesi da gente incapace. Passare al checkout.    
   

Walter B.



JACKYL - Best In Show Mighty Loud 2012

A differenza dell’ultima fatica degli Snew, i Jackyl del buon Jesse James Dupree ci presentano un ritorno davvero coi fiocchi. Sono passati vent’anni dal folgorante debutto via Geffen ma una canzone come l’iniziale “Best In Show” non avrebbe di certo sfigurato nel lotto, così come “Horns Up” che colpisce col suo refrain quasi irresistibile. Un discorso a parte meriterebbe “Cover Of The Rolling Stones” (originariamente incisa dai Dr. Hook & the Medicine Show) dove il singer dà il meglio di sé, prima dell’onnipresente assolo con la motosega. Il bluesaccio sporco di “Walk My Line” mette di nuovo in mostra le doti canore di Dupree che a dispetto dell’età sembra non aver perso un briciolo di energia, mentre è con la successiva “Favorite Sin” che la chitarra di Jeff Worley prende il sopravvento e si prodiga in un solo a dir poco infuocato. La classica ballata in stile southern “Don't Lay Down On Me” ci indica che siamo quasi al capolinea e ci conferma, ce ne fosse ancora bisogno, che i Jackyl non tradiscono mai!

Alessio C.


SNEW - What’s It To Ya
Maman Music Co. 2012
Giunti alla prova del terzo disco, i losangelini Snew sembrano avere un po’ il fiato corto. Intesi, i dieci pezzi interpretati da Curtis Don Vito e compagni sono sempre all’altezza ma in un turbinio di uscite che sembra non conoscere fine (pensiamo agli ultimi lavori di Lynyrd Skynyrd, Last Vegas, Bonafide) il rischio di finire all’angolo è alto. Inizio altalenante con la veloce “Release The Beast” poi il tasso di adrenalina sale con i 4/4 di “I Got A Rocket”, un vero calcio nel didietro che ci riporta ai migliori Jackyl, costante punto di riferimento dei nostri. E’ un hard rock sanguigno con forti venature southern quello che si sviluppa attorno a pezzi come “Pull My Stinger”, “Electrolux” e la title-track salvo poi raggomitolarsi nell’immancabile ballata dal sapore country-blues “Bad Words”. Le potenzialità per dare alle stampe qualcosa di più emozionale ci sono tutte, peccato non sfruttarle appieno.

Alessio C.


I 100 MIGLIORI DISCHI GLAM METAL
- The Sunset [d]generation
Federico Martinelli - Moreno Lissoni - Gaetano Fezza
Tsunami Edizioni 2012

Finalmente. Ci sono libri sul punk. Libri sul metal in tutte le salse. Libri sul grunge. Ma una completa disanima del fenomeno “Sunset Boulevard” che ha segnato pagine importanti della musica hard rock non era mai uscita (a mia memoria). Se ne è assunto il gravoso compito la “gang” di SLAM materializzando un volumetto (bello corposo a dire il vero) con i cento dischi che non devono mancare nella collezione di chi ha ama certe sonorità. Dieci anni, dal 1984 al 1994, il periodo preso in esame che ha abbracciato una serie di dischi “immortali” catalogati oggi come hair metal, ma all’epoca suddivisi tra i sottogeneri glam, street, FM, southern, AOR, ... Folgorato sulla via di Damasco dall’esordio dei Guns N’Roses, posso dire di aver “vissuto” quel momento praticamente in diretta. Le uscite quindicinali di Metal Shock e H/M, le letture a scrocco in edicola di Kerrang!, le vendite via posta di cassette registrate, i sabati passati al “Pick Up” di Bassano del Grappa a scegliere minuziosamente, visto le scarse disponibilità finanziarie, tra le decine di uscite mensili l’ellepi (o i primi cd) da comprare. Non mi sono fatto mancare nulla. Conoscendo indirettamente gli autori mi è parso di cogliere come le tre anime si siano suddivise il lavoro, e il non facile compito di selezione dei titoli, secondo i propri gusti personali. Scelta inevitabile e condivisibile. Che dire? Ho letto il libro tutto d’un fiato cominciando dai Two-Bit Thief, saltando da un disco all’altro e dando libero sfogo al cassetto dei ricordi. Come previsto da Federico Martinelli nell’introduzione, difficile non lamentarsi della presenza/assenza di qualche interprete. Quasi un gioco direi. Io ad esempio avrei lasciato perdere le band hors catégorie (Van Halen, Bon Jovi, Def Leppard, Kiss, …) e quelle un po’ troppo ai margini rispetto all’incipit del libro (Babysitters, Soho Roses, …) a favore di altri. Penso al fondamentale “Strange Love” dei T.S.O.L. (incensato sulle pagine di H/M dal grande Paolo Piccini), ai Cult di “Sonic Temple”, agli esordi di Bulletboys e Shark Island, l’omonimo dei Raging Slab e qualche altra produzione svedese (“Cruel Intention” dei Nasty Idols). Ma giusto per “rompere le scatole”… perché il libro sarà il mio regalo di Natale a parecchi conoscenti, accompagnato dal breve biglietto di auguri “Are you going to Heaven or Hollywood?” Complimenti.

Alessio C.



CRUCIFIED BARBARA - The Midnight Chase GMR Music Group
2012


Tengono “botta” Mia Coldheart, Klara Force & company e arrivano alla fatidica terza uscita con questo “The Midnight Chase”. Anche loro nel corso degli anni hanno “indirizzato” il loro sound verso territori più heavy, risultando come ben dimostrato con gli undici pezzi qui presenti una sorta di alter ego (al femminile) degli Hardcore Superstar. Chitarre affilate ma non troppo, sezione ritmica corposa ma non spinta, spiccata attitudine ai refrain. Anche se, occorre dirlo, manca la capacità di scrittura di Jocke Berg e soci. Il singolo “Into The Fire” è esemplare in tal senso, col suo incedere roboante e le aperture a cori dalla facile presa. Bella, decisamente, anche la ruffiana “If I Hide”. Le nostre non esitano a mostrare i muscoli, si ascolti “Rock Me Like The Devil”, salvo poi alzare bandiera bianca con la introspettiva ballata “Count Me In”. Manca ancora qualcosa per un salto definitivo di qualità, ma nonostante ciò le Crucified Barbara rimangono la migliore all-female band del momento.

Alessio C.


LESS THAN  4 - By Blood By Heart Black Lodge Records 2012 La Svezia non vive di sole sleaze-glam bands sulla falsariga di Crashdiet, Crazy Lixx e compagnia bella. Anche l’hard rock radiofonico fa parte del DNA di questa nazione che da sempre vede nuove leve rincorrersi sulla strada segnata in modo indelebile da gruppi storici (penso agli Easy Action, agli Europe e a tante altre). I tre giovanissimi Less Than 4, insieme a H.E.A.T. e Dynazty rappresentano quanto di meglio uscito dalle lande scandinave in questo 2012. Basta dare un ascolto veloce al trittico iniziale “Fucked Up Kid”, “In It For The Money” e “By Blood By Heart”, vero sunto di vibrazioni hard e melodie vocali per rendersene conto. La chitarra non è certo di quelle che fanno male, ma almeno qui non sono presenti certe pomposità eccessive che ritrovo in gruppi come i conterranei The Poodles.Tutto l’album mantiene un tiro costante fino alla conclusiva “Nothing Is Thicker”, che ci seduce come una ballata piano e voce salvo poi rivelarsi un rock anthemico dal sapore agrodolce. Piccoli svedesi crescono.

Alessio C.


GREASE HELMET - Grease Helmet GH Records 2012

Dici Hanoi Rocks e pensi subito a Michael Monroe e Andy McCoy. Finita la reunion (tanto rumore per nulla?) i due sono tornati a far parlare di sé attraverso ciò che sanno fare meglio. Michael con il controverso (a mio dire) “Sensory Overdrive”, Andy con questa band nata nel 2009 ed approdata solo ora alla sua opera prima. Ma che debutto! Fuochi d’artificio, non mi viene in mente altro ascoltando “Sold Our Soul”. Non so quale sia stato il contributo compositivo di Andy, ma il quintetto guidato dalla voce di Jere Garcia sembra aver assemblato un manciata di pezzi al fulmicotone. Sleaze rock coi fiocchi, come il miglior Andy ci ha propinato in passato coi suoi lavori solisti. Difficile davvero credere che non ci sia una distribuzione ufficiale per questa release, ma oramai tutti (anche i major artists) hanno capito che è meglio registrarsi il disco e venderlo da soli piuttosto che attendere qualcuno che bussi alla porta. “Keep Your Helmet Greasy”, “Antisocial”, “Nobody Rides For Free” (fiati in sottofondo!), “Second Try” (pieno territorio Hanoi e grande intermezzo alla voce di McCoy) si susseguono mettendo a fuoco una sezione ritmica precisa, un ottimo vocalist e lancinanti mix di chitarre (ottimo l’apporto di Ben Varon). A parte l’inascoltabile “Mustang Babe” fatico a trovare dei passi falsi, e il k.o. finale arriva quando il nostro apre l’intro di “Restless” (Shotgun Gallery), qui “stravolta” in modo delizioso.
Lo zingaro del rock è tornato. Lunga vita al re!

Alessio C.


MIDNITE EVE - Midnite Eve Demon Doll Records 2012

Si può essere, nel 2012,  Poison più Poison dei Poison di “Open Up And Say… Ahh!”? Se ti chiami Midnite Eve e incidi uno sciccoso EP di sei pezzi per la Demon Doll Records direi di sì. I quattro svedesi (avevate dubbi?) hanno il physique du role per questo genere di sonorità e cercano di sfruttare un filone che ahimè ha già dato il meglio di sé venti e rotti anni fa. Per i nostalgici del pop metal tutto fuseaux e lustrini canzoni come “Bad Brand” (presente anche il video, un po’ pacchiano a dire il vero) o l’acustica “We Don’t Need No Hero” potrebbero comunque essere un ottimo passatempo. Se poi vi manca tanto la nuova “Fallen Angels” (ancora Poison?) allora “Walk Of Shame” è lo zuccherino che mancava per mandare k.o. i vostri valori di glicemia.

Alessio C.
FEDERICO BRUNO - A Gentleman Loser Secondo Avvento Produzioni 2012

Suona bene, non c’è che dire, questo esordio del siciliano Federico Bruno. Tredici pezzi in versione “stripped”, prodotti da Mahatma Pacino (ve li ricordate i Bastet?), che ci raccontano stralci di vite vissute, nella classica formula del cowboy metropolitano che armeggia con la sua chitarra acustica. Mi vengono in mente i Dogs d’Amour intimi di “A Graveyard Of Empty Bottles” (quando la voce di Tyla era ancora “acerba”) o il Ricky Warwick di “Belfast Confetti”. Cuori spezzati. Amori ritrovati. Letti disfatti. L’ultimo goccio di whiskey. Notti insonni ad aspettare che le ombre avvolgano ogni cosa. “Burning Star”, “A Prayer” e “Scars On My Heart” gli episodi, a mio parere, più riusciti. Ma tutto il disco mantiene un elevato standard compositivo. E con l’inverno alle porte, un bicchierino di “Gentleman Loser” è quanto di meglio si possa desiderare.

Alessio C.


J27 – Generazione mutante Vrec 2012

Sono al secondo album, cantano in italiano, annoverano in formazione giovani veterani dello stivale in rock, già in Gran Ma Monkey, Smelly Boggs e Gray, sono i J27. L’ugola coverdaliana di Marco Biuller/Ramsex (anche nei Wicked Desire, tanto per completarne il pedigree) è il valore aggiunto di una band che trova il modo di dare un’ impronta hard rock ad una manciata di canzoni che scavano nel vissuto per trarne storie e riflessioni. Liriche pregevoli quindi, egregiamente incastonate in architetture lessicali mai banali, vedi “Alla ricerca di me”, “Non esisti” o ancora ”Il viandante”. Qualche caduta (o strizzamento che dir si voglia) ad un pop manierato si poteva evitare, ma sono peccati minori e comunque circoscritti. Apriranno la data italiana del concerto di Slash, chi meglio di loro che ne vantano almeno un adepto in formazione? Tra le cose migliori abbia offerto il panorama rock in lingua italiana da anni a questa parte. Avendo avuto il piacere di assistere ad un loro concerto il giudizio finale tiene già conto delle notevoli capacità e presenza sul palco che sono in grado di offrire.
Walter B. 

HËSSLER – Bad Blood Autoproduzione 2011

Trent’anni fa il sogno americano era il comune denominatore di ogni musicista hard rock non americano in erba. Scambiando qualche battuta con Igz Kincaid, chitarrista di origini serbe e leader degli Hëssler, pare che la geografia dell’hard rock si sia ormai definitivamente invertita. I suoi riferimenti espliciti sono Judas Priest ed Iron Maiden come il suo guardare alla vecchia Europa come unica depositaria dell’ortodossia heavy metal. Tempi che cambiano. Gli Hëssler, inutile girarci attorno, mettono in vetrina l’esuberanza estetica di Lariyah Daniels, cantante, modella, salutista, trainer e molto altro (guardatevi le foto su: www.lariyahdaniels.com). Fossero italiani già si sarebbero tratte troppe conclusioni, ma in USA emergono oggi talmente poche bands di vetusto hard rock che quelle poche sanno il fatto loro senza aver bisogno di spintarelle. Gli ascolti di Igz emergono chiari tra le sette canzoni di “Bad Blood”, tuttavia l’impatto di Lariyah orienta verso Doro Pesch. E’ così che ascolti “Crash’n burn” e “Shark attack” e pare di sentire i Warlock. Efficace la ballad “Scarlett” e dirompente “Kamikazi”, di cui postammo il video settimane fa. Stanno registrando il primo disco ufficiale se consideriamo che questo “Bad Blood” viene pubblicato nelle modalità tipiche delle autoproduzioni. Band da segnare nel taccuino e da vedere live come priorità se, come pare, ve ne sarà l’occasione dopo l’uscita del suddetto album. Non vi ho convinti? Sappiate allora che sono amici dei The Last Vegas e parlano la stessa lingua in musica! A buon intenditore poche parole.

Walter B. 


DANKO JONES - Rock And Roll Is Back And Blue Bad Taste Records
2012

Allora, dove eravamo arrivati? Il buon Danko Jones mi è entrato nelle vene una sera di tanti anni fa (era il 2001?) incantando la platea in attesa del concerto dei Backyard Babies al C.S. Pedro di Padova. Ne è passata di acqua sotto il ponte da quel giorno. Il nostro ha messo alle spalle sei dischi, compreso quel “I’m Alive And On Fire” venduto al concerto di cui sopra, e una incessante attività live (culminata con l’apertura del tour canadese dei Guns'n’Roses nel 2009) guadagnandosi un discreto seguito. Hard settantiano, garage rock ruffiano e tanto sudore caratterizzano ogni suo lavoro, in una varietà di stili che lo fa sì apprezzare sul palco (dove si concede senza risparmio) ma non lo premia in termini di appeal commerciale. Prendete due pezzi come “Just Beautiful Day”e “Always Away”, perfetti nel miscelare ruffianeria radiofonica e integrità artistica ma ahimè sufficienti solo a guadagnarsi un ottimo giudizio in sede di recensione. D’altronde che ce ne faremmo di un Danko Jones e del nostro paisà John Calabrese sulla bocca di tutti? Nulla!

Alessio C.


’77 - High Decibels Listenable Records
2011

Quanti epigoni conoscete degli AC/DC? Dieci, cento, mille? Beh, io per quanti possano essere non mi stuferò mai di ascoltarli, sentenziando come capolavori alcuni (Johnny Crash su tutti), come buoni esercizi di stile altri (penso agli Airborne, che comunque hanno il merito di aver riportato in auge certe sonorità) e tralasciando il resto. Con gli spagnoli ’77 (ma un altro nome no?) siamo nella metà del contenitore “molto buoni”.  I due fratelli (ma dai!) Valeta non si discostano di una virgola dal sound dell’era Bon Scott ma usano una diligenza da 10 in pagella che li salva dalle critiche di plagio. Adoro il modo in cui interpretano “Are You Ready For Rock’n’Roll”. LG Valeta nella parte di Angus, Armand Valeta in quella di Malcolm/Bon sono supportati da un duo ritmico che funziona meglio di un metronomo. E i risultati di vedono.“(Gotta Go) Gotta Hit TheRoad” è un vero pugno nello stomaco, così come “Let’s Beat It Up” anche se il vero must dell’album è quella “Since You’ve Been Gone” posta quasi in chiusura. Chiudete gli occhi e fate finta di essere alla fine degli anni settanta, quando una song così se ne infischiava delle mode (qualcuno ha detto punk?) ed era pronta a consegnarsi all’immortalità. C’è chi si esalta per i Rival Sons, io passo oltre e mi accontento di questo ottimo bicchiere di sangria, servito fresco dall’ottimo Nicke Andersson. Alla vostra salute!

Alessio C.
RICH ROBINSON - Through A Crooked Sun Circle Sound Records 2011

E’ il fratello “sfigato” di Chris e mentre dei lavori del vocalist dei Black Crowes (impegnato in questo periodo con gli ottimi Brotherood) tutti ne parlano, “TACS” è passato praticamente inosservato. Un vero peccato. Sarà che ho una certa predilezione per i “loser” (attenzione a non farsi trarre in inganno dal termine!), ma io ho trovato il disco pieno di spunti interessanti. Certo la voce rimane uno dei suoi limiti, nasale e poco ricca di sfumature, ma il “modus operandi” è decisamente ispirato e le interpretazioni ne risentono in modo positivo. Un sapiente mix di blues, hard e southern. Un pizzico di psicheledia. Un certo manierismo alla sei corde e il solito rimando ai grandi del passato disegnano il quadro di questo lavoro che spazza via le critiche riservate al precedente “Paper” (correva l’anno 2004). Qualche spunto? “Hey Fear”, “Follow You Forever” e per chiudere in bellezza “I Don’t Hear The Sound Of You”. Sei minuti lisergici, con tanto di jam finale, sufficienti a decretare la bellezza di questo album. Per chi non vive di soli Black Crowes!

Alessio C.



MIDNIGHT COWBOYS - Taste Of Oblivion
Demon Doll Records 2009

Va bene. Possiamo dirlo. Io sono scemo e questi “signori” svedesi non li avevo mai sentiti. Il nome è troppo standard forse per attirare la mia attenzione, sta di fatto che sentendoli su un cd di Classic Rocks (avete presente, quelle compilation che non ascolti manco per sbaglio?) mi sono chiesto “ma chi diavolo sono?”. Inutile stare qui a perdere tempo. Alvin Spear & company hanno il look che uccide, l’attitudine giusta ma soprattutto (conta ancora qualcosa?) cinque pezzi che ti spaccano le orecchie. Lezione inutile mettersi a citare le nuove leve svedesi di oggi. Prendete i Nasty Idols di “Cruel Intention”, che tanto nessuno negli anni ha saputo fare di meglio, e accomodatevi al tavolo. “Misery” sopra tutte, ma anche le altre non sono da meno. Date loro una chance!

Alessio C.



JETBONE - Jetbone Killed By Records
2012

Li vedi e provi una certa tenerezza. Selvaggi con la faccia d’angelo, buoni per qualche pubblicità patinata, che formano una band di rock stradaiolo, si producono un album e provano a venderlo tramite i canali “moderni” (social network,  passaparola, …) senza alcun supporto finanziario. Forse c’è ancora speranza, mi verrebbe da dire. Ma non mi faccio illusioni. Compro un disco, lo ascolto, lo rimetto a posto e passo oltre. Lo dico subito, così non mi fraintendete. I Jetbone mi piacciono, e parecchio. Con il loro (hard) blues rock che pesca a piene mani dagli immarcescibili Rolling Stones. Se non vogliamo esagerare con i paragoni li porrei come l’anello di congiunzione fra i conterranei Diamond Dogs e gli Hellacopters di fine carriera (quelli meno garage tanto per intenderci).Mi sono innamorato del loro video “Baby It’s Your Time” che supporta una song bella fresca, con un refrain che ti entra subito in testa. Nulla di miracoloso, sia detto. Ma ha quel sano gusto nordico nel (re)interpretare le lezioni di matrice anglosassone degli anni d’oro del rock and roll. Nella loro biografia citano Faces e Kiss. Direi che ci siamo. Sulla stessa lunghezza d’onda “Time By Time”, “Dead City Fire” e “Take Me Down”. Gusto nelle melodie, sapiente mix delle chitarre, il tutto unito ad uno charme del singer Johan Myghrgren che, fossimo in altre epoche, attirerebbe ben più di qualche simpatia. Insieme agli Hellsingland Underground la cosa “Made in Sweden” che più mi attizza al momento.

Alessio C.


60/70 ROCK BAND - Where do we think we go Electromantic Music
2011

Con un nome così si sa già dove si va a parare, sulle qualità di un ventennio che oggi viene riscoperto e ripreso ovunque, alla radio e persino in tv. Le riviste non si occupano quasi d’altro. Pare naturale cavalcare l’onda, quindi.  Non è il caso dei 60/70, band di stagionati rockers piemontesi che maneggiano la materia con fare professionale e si destreggiano nel territorio da oltre vent'anni. Fabrizio Fratucelli (chitarra) fu l’anima di quei Purple Angels già autori dell’ omonimo album in tempi non sospetti. Allora come oggi l’amore per l’hard rock più classico di matrice Deep Purple/Rainbow  non pare cessato, anzi se possibile emerge ancor più viscerale tra le undici tracce del cd. Il missaggio è distante dalle impostazioni standard a cui da tempo ci si è maldestramente abituati ascoltando un qualsiasi prodotto odierno “made in nord-america”: qui troverete cascate di tastiere a conferire quella grandeur che fu del pomp rock, assoli  valvolari che dalle casse on-stage passano direttamente alle casse dell’impianto domestico, una batteria che suona naturale (è possibile che oggi sia un’eccezione?), un basso che sa ancora ritagliarsi una dignità a portata di ascoltatore romantico, un canto che evoca col trasporto di quegli anni sentimenti e storie, comunque cicliche, tra finzione e realtà. Sommerso di bands emergenti di egregi ragazzi (e ragazzini) sono consapevole che quando mi trovo tra le mani un costrutto maturo ne avverto un’altra patina, ma ugualmente troverei arditi coloro che riuscissero a trovarne difetti. Che dire quindi degli inserti pregiati alla Pink Floyd di “You’ll be mine (blue eyes)” o di “Celebrate the Party“ di memoria Styx? La grande chiusura di “You will sing forever” è evidentemente il requiem per R.J.Dio.    

Volete una critica? Eccola. Piero Leporale (voce) deve migliorare nella pronuncia in tempi di “globalizzazione” (chi ha inventato questo sinonimo di “mediocrità”?). Diverrebbero così i nuovi Deep Purple? No. Siete nostalgici di “Perfect Strangers” o del dimenticato (ma straordinario) “The House Of Blue Light”? Buttatevi su “Where do we think we go”, un chiaro omaggio alla band inglese sin dal titolo. Pensiero finale: avessi la possibilità di sentirli in concerto mi incazzerei se togliessero spazio alle proprie canzoni per dedicarsi all’ampio repertorio di cover che da anni portano in giro per il Nord-Italia.

Walter B.


Arriva in Italia, per una serie di esclusivi show acustici, JOHN CORABI. Il cantautore americano torna in Italia per proporre al proprio pubblico il nuovo album solista, John Corabi Unplugged, pubblicato dalla Universal. Una fantastica opportunità per vedere da vicino, nella versione più genuina e spontanea, uno degli artisti che ha segnato la storia di un certo hard rock americano (Angora, TheScream, Motley Crue, Union, Ratt, ESP, Siam Shade … ). Queste le date:


19 ottobre: PISA - Borderline
20 ottobre: ROMA - Traffic
28 ottobre: ORNAVASSO - Estabì
29 ottobre: TRIESTE – Teatro Miela
30 ottobre: UDINE – Black Stuff

EVA - Duramadre  
                                                                                                                      
Halidon                                                                                                                          
2012

Esordio (da solista) per Eva Poles, già fascinosa autrice e cantante dei Prozac +, da tempo nel giro del collettivo Rezophonic. L’album, uscito in concomitanza al ritorno di Mario Riso e soci, chiude il cerchio dei progetti paralleli (li chiamo così, per ora) dei membri della band naoniana, due infatti sono già le uscite a nome Sick Tamburo (Gianmaria Accusani ed Elisabetta Imelio). “Duramadre” si muove elegante e vellutato, tra riflessioni non svelate e cantilene decadenti, attributi che si addicono anche a Max Zanotti, partner in crime del progetto, una delle voci più raffinate (e sottovalutate) dell’intera scena pop rock italiana da oltre una decade. Rimandi alla stagione wave/post-punk (“Cadono nuvole”, “La prima scelta”), gli anni Novanta di “Malenero”, il passato in musica che ritorna (“Temporale”, “L.i.u.s.”), la chiusura di “Regina Veleno” in versione acustica a tracciare quell’ideale linea d’unione a “Nell’acqua” (vedi recensione). Mi è difficile non indire un duello a distanza tra Eva e Sick Tamburo, mi è più facile sancirne il pareggio, a cominciare dalle vesti grafiche: riferendomi all’esordio dei Sick Tamburo entrambi i cds godono di un impattante design che, in tempi di vinile, verrebbe descritto come “gimmix edition”. Ho letto in rete di fans che anelerebbero una reunion dei Prozac+: se 97 volte su 100 le reunions servono a far fronte a perdite di cassa e svuotamenti di creatività allora, tralasciando le implicazioni economiche, sul versante comunicazione (da interpretarsi “ho qualcosa da dire e riesco a proporlo con credibilità artistica”) Eva e Sick Tamburo possono ancora viaggiare separati, ambedue su quote rilevanti.

Walter B.



VIETCONG PORNSURFERS
- Restless, Young, Hungry And Free
Street Symphonies Records
2011


Comincia a diventare difficile, davvero, seguire il flusso di uscite continue legate a un genere musicale che, per lo più, ha già detto tutto.

Un enorme calderone da cui è difficile emergere e il rischio di “annegare” per mancanza di ossigeno dopo pochi vagiti è altissimo

I VP sono solo l’ultima (si fa per dire) delle band svedesi nate sulla scia dei Backyard Babies

Non vedo nessuna affinità con il duo Gluecifer/Hellacopters e i paragoni con i Motorhead sono a dir poco fuorvianti.

Propongono uno sleaze rock moderno con ampie venature glam anni ottanta (leggi “tanti cori”) robusto nei riff ma ahimè pesantemente deficitario nella performance del vocalist.

Bel nome, bel look, belle canzoni (“Give It All” la mia preferita), mi dicono pure che dal vivo ci sappiano fare ma il buon Tom K lo lascerei alle chitarre di accompagnamento, cercando un singer con una ugola più dinamica. Qui proprio manca il fiato.

Peccato perché gli ingredienti buoni ci sono quasi tutti.


Alessio C.



SISTER - Hated

Metal Blade Records

2011


Sono sincero, questi svedesi mi erano sfuggiti (come altri d’altronde) e, per una volta, ho deciso di seguire l’istinto del buon Walter e comprarli alla prima occasione buona.

Il contratto con la Metal Blade mi ha fatto un po’ sorridere (pensavo non esistesse più questa etichetta) ma devo ammettere che il lavoro fatto in sede di produzione (leggi budget) sembra essere decisamente sopra la media delle uscite attuali.

Lo stickers adesivo parla di Backyard Babies, Hardcore Superstar e Guns N’Roses. Si insomma, i promoter non si sono sforzati molto dimenticando di citare gli unici che, a mio parere, si avvicinano ai quattro e cioè i Crashdïet.

Il sound è quello, poche storie.

Forse leggermente più “dark oriented” o almeno questa è l’immagine che i Sister (si veda l’orrido packaging) tentano di darsi.

La musica però c’è. Di ottima fattura per giunta!

“Bullshit & Backstabbing”, “Hated”, “Werewolves on Blackstreet” (uhm, chi ha detto Motley?) e la bellissima “Would You Love a Creature” sono le song che mi hanno preso subito. Ma anche le altre dimostrano una band coriacea e in grado di emergere in un mercato talmente asfittico da renderci tutti uguali (gruppi e recensori)

Pollice su!


Alessio C.

DEADLY DIVE - Snakebite

JetGlow Records
2012


Lo street rock di matrice californiana di fine anni ottanta era proprio così. Un mix esplosivo di AC/DC, primi Aerosmith e Rose Tattoo. Parlo di “giovani eroi” che hanno rincorso il successo sulla scia dei Guns n’Roses ma che la fama non l’hanno mai vista, se non dal buco della serratura e i pochi soldi anticipati dalla major di turno li hanno consumati per andare a mignotte o, peggio, per infilarsi un ago nelle vene. Band come The Hangmen, Cats In Boots, Sea Hags, Johnny Crash. Il fuoco in canna e nessuna “contaminazione” con il punk rock decadente, il gay pride glam o, peggio, il gothic deprimente. I quattro giovani svizzeri mi hanno ricordato quel tipo di musica. Nuda e cruda. Riff minimali, voce sguaiata, solos improvvisi. “Snakebite” e “18 In A Row” poste in apertura sono un ottimo esempio di quello che intendo dire. L’album prende quota con “So Crazy” (bello il break centrale) e si posiziona su ottimi livelli con “Undress Me” e “Waiting For Apologies” (intro di acustica e sviluppo molto november rain..). In chiusura la deflagrazione di “Mark Of The Wild” a sancire il valore di un ottimo disco. Bad boys of rock and roll!

Alessio C.



ALESSANDRO BEVIVINO – Dead Ballad Session

Autoproduzione

2012

In continuo movimento la carriera (e discografia) di Alessandro Bevivino (The Fabulous Concerto, Cyber Cross, Tron, New Branch). Superate le sperimentazioni (altalenanti) dei “Corti di Verbo Nero” e di “Disco Samurai” stavolta mi trovo tra le mani un mini cd 3” che contiene “Horror B Movie”, “Incubo Orgasmico” e “Paradiso”. Pattern ritmici e campionamenti prendono il posto della chitarra acustica, consentendo se possibile ancor maggiore libertà espressiva alla profonda voce del nostro, da sempre il suo punto di forza. Testi d’impatto su visioni notturne, scenari di morte al pianobar dei defunti, bianche illusioni mai ritrovate in un contrappasso che dona armonia e mette in pace l’ascoltatore. Notevole. Contatti: aless.wolf@libero.it

Walter B.


 
GOTTHARD – Homegrown /Alive in Lugano
 
5 ottobre 2010: Steve Lee è scomparso. Non fu un beffardo scherzo circolato in rete, di quelli che di tanto
in tanto accumulano visite e commenti cialtroni. Era proprio vero, cazzo. L’ultimo (solo un parere personale?) già leggendario frontman del rock abbandona la scena così, senza avvisare, senza un comunicato di avvertimento, senza un live d’addio, niente di niente. Da non credere. Da fan dei Gotthard fu una di quelle notizie in grado di farti passare la speranza nel rock, quello sanguigno e vellutato allo stesso tempo. “Alive in Lugano” fotografa al massimo dello splendore quella che penso sia stata l’ultima data live del singer nella città natale della band. Serviva un nuovo live dei Gotthard dopo il non così distante “Made in Switzerland”? Probabilmente no (sulla carta), ora però che lo ho interiorizzato mi rendo conto che sarebbe impensabile farne a meno, nato (o meno) che sia come omaggio all’amico scomparso ed ai (tanti) fans colpiti a freddo, senza possibilità di replica. Ascoltare Steve intrattenere una numerosissima Lugano in lingua italiana praticamente dall’inizio alla fine dello show fa ancor più male perché rimarrà un monito al fatto che non abbia goduto di un briciolo della nomea che artisticamente avrebbe meritato (e meriterebbe) anche nel nostro paese. Poche altre morti possono pensarsi tanto dannose per il genere musicale che le involve. Spesso alla morte di un musicista si è gridato (e si grida) alla perdita del genio o del talento inimitabile (solo il rispetto per gli incolpevoli defunti mi frena dal far polemiche), nel caso di Steve Lee è proprio così, la sua dipartita non ha rimpiazzi. Mi sono posto questioni del tipo “il giudizio sull’album cambia perché Steve è morto?” oppure “sarebbe mai uscito questo live se Steve Lee non fosse scomparso?”. Di ascolto in ascolto le risposte sono divenute irrilevanti. Il live è centrato sulla voce ed è giusto sia così. Un disco va giudicato per quello che è, contestualizzato alla realtà corrente ed alle circostanze che possono averlo partorito. Fine. Da qui nasce però la mortificante constatazione che qualcosa sia andato perduto per sempre e da tutti. Steve era il più grande, stava vivendo l’apice della carriera, era cordiale, amato, tecnicamente ineccepibile, scenico come nessuno, un vero fuoriclasse. Le performances in “Top Of The World” o “I Don’t mind” fanno paura e se non vi corre un brivido lungo il medley acustico cambiate pagina o cercate di farla vostra da oggi giacchè avete davanti
IL FRONTMAN moderno per antonomasia. Ed ora che succederà? La band pare sia pronta al rientro dopo aver riordinato le idee e le intenzioni. La scelta del sostituto è caduta sull’ottimo Nick Maeder, di origini australiane.
 
Sig. Maeder ,
là fuori ci sono migliaia di fans in attesa di salutare e festeggiare il ritorno sulla scena della band, saremo
tutti con lei! In bocca al lupo, è l’occasione della vita e parte benvoluto da tutti. Impari qualche parola
d’italiano e … Rock On!
 
… l’ultimo pensiero è per Steve Lee.
Mediamente me ne uscirei con frasi surreali (copiate da qualche parte), stavolta invece, parafrasando le parole della band in sua memoria chiudo così “Sono sicuro che gli angeli si siano presi il miglior cantante del
mondo, possano quindi pure andarsene un po’ affanculo ora.”

Walter B.


VAIN - Enough Rope
Music Buy Mail
2011

Nel 1989 avevo 19 anni, una maturità alle spalle e una facoltà di economia davanti con l’unica prospettiva di dare un esame e posticipare “il militare”. Avevo capelli, fisico asciutto e, a pensarci ora, una “indole gay” decisamente più accentuata, tale da farmi innamorare a prima vista di quel rosso accapigliato a piedi scalzi che appariva sulla copertina di No Respect. Oggi, alla soglia dei 42, mi ritrovo con un nuovo disco dei Vain in mano che (miracolo o ipocrisia?) suona esattamente alla stessa maniera. Avete presente “Beat The Bullet”, “Who's Watching You”, “Smoke and Shadows” e “Without You”? Beh, qui troverete “Triple X”, “Stray Kitten Burns” (che davvero non avrebbe sfigurato su NR), “Cindy” e la ballata “Treasure Girl”. Sono passati gli anni anche per Davy, ma ogni volta che ascolto la sua voce ricordo il perché i Vain di San Francisco siano la mia top sleaze/glam band di tutti i tempi. Esagerato? Su NoRespect.it mi pare il minimo.

Alessio C.


REZOPHONIC – Nell’acqua

Autoproduzione

2011

www.rezophonic.com

www.marioriso.com

Avreste mai scommesso che i Rezophonic si sarebbero ripetuti qualitativamente alla seconda uscita ufficiale su disco? Nutrivo modeste aspettative non per  demeriti dei musicisti (figuriamoci), ma perché temevo venisse meno la freschezza del progetto una volta superato l’entusiasmo del debut. L’aver inoltre assistito negli anni ad alcuni loro concerti poco esaltanti (l’improvvisazione on-stage connaturata al progetto non sempre ha giovato) non deponeva a loro favore. Sbagliato tutto, Mario Riso si è preso il tempo necessario (si parla di anni) per presentare al mercato un signor  cd, anche stavolta coaudiovato da alcuni tra i più interessanti (e comunque già in vista) musicisti rock dell’area milanese e non solo.  Piacciono tutte le tracce, con citazioni per l’estro ed il carisma di Caparezza (“Nell’acqua), per i formidabili Movida (attenzione che la loro “Sono un acrobata” si assesta  molto in alto nella scala del rock italiano), per gli “stagionati” rockers Enrico Ruggeri e Pino Scotto che si dividono quella “Predatori nella notte” già apparsa nel Progetto Sinergia decenni fa ed oggi come allora pilotata dalla chitarra crepuscolare di Luigi Schiavone. A colpire nel centro sono però anche il minimalismo elettronico di “Regina Veleno” (con Eva Poles alla voce, già nei Prozac+) e le altre tracce, tra rock tunes e dj-scratches, melodie heavy ed cantilene hip hop in un frullatore che ha il pregio di non risultare mai ripetitivo. Mi sarebbe facile concludere con un “ne vorrei già ancora”, ma in tempi di magrissima per la discografia l’unica reale salvezza (per tutti, badate bene) può solo essere l’immissione sul mercato di pochi prodotti, ma di qualità esportabile. Questo lo è senza dubbio, come certifica quella “Survive” affidata alle voci di Holly (The Fire) e Cristina Scabbia (tra gli altri): un pezzo in tutta oggettività CAPOLAVORO dei tempi moderni. Dovrei a questo punto dilungarmi a decantare le maiuscole performances di Max Zanotti e dei (tanti) altri, preferisco invece porgere sinceri complimenti a tutti. Indistintamente.

Walter B.


 MOONLAND feat. Lenna Kuurma - "Heaven is..." (2014)

MOONLAND feat. Lenna Kuurma
"Moonland"
(Frontiers, 2014)


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